MAREK JAKUSZEWSKI (ur. 1964, Poznań)

Zajmuje się malarstwem, rysunkiem, ceramiką, witrażem, szkłem, instalacjami, książką artystyczną i poezją, dobierając medium do interesującej go w danym momencie tematyki.

Studiował malarstwo w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Poznaniu, gdzie w 1991 roku uzyskał dyplom z wyróżnieniem w pracowni rysunku prof. Izabelli Gustowskiej. W tym samym czasie związał się zawodowo z macierzystą uczelnią – obecnym Uniwersytetem Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz. Tam też pełnił funkcję prorektora ds. artystycznych w kadencji 2016–2020. Obecnie kieruje Pracownią Malarstwa w Architekturze i Urbanistyce oraz pełni funkcję dziekana Wydziału Malarstwa i Rysunku.

Brał udział w wielu wystawach w kraju i za granicą oraz w sympozjach ceramicznych w Polsce, Estonii, na Litwie i Łotwie.

HISTORIA MARKI ALBERT RIELE

W 1881 roku w szwajcarskim La Chaux-de-Fonds powstało atelier pod szyldem R. Albert Riele. Jego założyciel był wybitnym znawcą tego rzemiosła oraz cenionym wykładowcą w prestiżowej szkole zegarmistrzowskiej w tym samym mieście. Otwarcie własnej pracowni było spełnieniem jego marzeń.
Wszechstronność oraz znakomita precyzja mechanizmów czasomierzy, potwierdzona certyfikatami ówczesnych urzędów kontroli, umożliwiły dynamiczny rozwój marki – z małego warsztatu rzemieślniczego stała się prężnie działającym przedsiębiorstwem.

Po ustąpieniu założyciela, przeniesieniu siedziby oraz w związku ze zmieniającym się rynkiem zegarmistrzowskim, nazwisko Albert Riele przez lata czekało na przywrócenie mu dawnej świetności. Wyjątkowe idee twórcy, oparte na wiedzy, tradycji i szwajcarskiej jakości, odrodziły się dzięki inwestorom, co tchnęło w markę nowe życie idealnie wpisujące się w ramy współczesności.

Obecnie Albert Riele posiada w swoim portfolio znakomite kolekcje i angażuje się w prestiżowe inicjatywy związane ze szlachetnymi dyscyplinami sportowymi – jedną z nich jest tenis. Marka od lat aktywnie wspiera charytatywne wydarzenie Tennis Art.

W 2026 roku firma celebruje jubileusz 145-lecia istnienia, oferując damskie i męskie modele klasy premium, których najwyższą jakość gwarantuje sygnatura Swiss Made.

KOLEKCJA PREMIERE

Premiere to jedna z pięciu kolekcji Albert Riele. Jej styl doskonale oddaje zarówno tradycyjne wzorce, jak i współczesne ambicje marki. To zegarki, w których siła zapisanej wiele dekad temu historii jest interpretowana na nowo.

ANNA MIELNICZYK

Zajmuje się malarstwem oraz rysunkiem.

W 2008 roku ukończyła studia na Wydziale Malarstwa i Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Należy do wrocławskiego okręgu Związku Polskich Artystów Plastyków.

O swojej twórczości mówi:

„Mam potrzebę malowania, tworzenia obrazów. Obrazy namalowane uwidaczniają moją wewnętrzną materię doznań, wrażeń i emocji. W procesie, który się toczy sięgam po własne zasoby, więc by z nich czerpać potrzebuję poczucia wewnętrznej wolności.
Język abstrakcji umożliwia mi pełną wypowiedź artystyczną, gdyż posługuje się metaforą. Metaforą pozbawioną kształtów i ograniczeń, ale wypełnioną przestrzenią, kolorem, światłem. Przestrzeń to dla mnie płaszczyzna obrazu i jej oddziaływanie poprzez interakcję plam barwnych, które mogą się swobodnie i niemal nieskończenie rozwijać”.

MAREK GLANOWSKI (ur. 1976, Kraków)

Ukończył prawo na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu. Jest praktykującym notariuszem, prowadzącym na co dzień własną kancelarię w Poznaniu.

Malarstwem zajmuje się od blisko trzydziestu lat. Na przestrzeni czasu jego styl oraz techniki tworzenia rozwijały się i ewoluowały – od impresjonistycznych płócien po abstrakcję, która zawsze pozostawała najbliższa jego wrażliwości.
Obecnie specjalizuje się w technikach łączących minimalistyczne, regularne linie i układy geometryczne z ekspresyjnym wykorzystaniem barw i faktur.

Jego prace eksplorują granice między harmonią a chaosem, często wykorzystując kontrastowe zestawienia kolorów, kontrapunktów oraz wyrazistą strukturę farb.
W swoich obrazach często zestawia czyste, gładkie i spójne przestrzenie, pokryte regularnymi elementami, z intensywnymi i dynamicznymi kompozycjami, charakteryzującymi się ekspresją, wyrazistą, agresywną fakturą powierzchni, uzyskiwaną poprzez stosowanie technik i materiałów mieszanych.

Inspiracje czerpie z pojęcia dualizmu w sztuce, natury, wewnętrznych emocji wywoływanych przez obserwację otaczającej rzeczywistości. Wydobywa z niej odsłaniane przez wyobraźnię układy form i barw, które niejako wynurzają się spod powierzchni uniwersum. Kompozycje sprawiają jednak wrażenie harmonii i porządku.

Prace artysty znajdują się w wielu kolekcjach prywatnych.

ADAM KALINOWSKI (ur. 1959, Poznań)

Artysta, projektant, autor opracowań patentowych oraz tekstów o sztuce. Twórca i uczestnik wydarzeń artystycznych od końca lat 80. do dziś, a także założyciel i prezes Fundacji Artystycznej im. Tadeusza Kalinowskiego.

Edukację odebrał w Poznaniu, studiując na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza oraz tamtejszej Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych. W 1987 uzyskał dyplom uniwersytecki pod kierunkiem prof. Jerzego Kmity. Pięć lat później jego dorobek i uprawnienia zostały formalnie potwierdzone przez Ministerstwo Kultury i Sztuki, które przyznało mu status artysty plastyka. Czterokrotny stypendysta Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego, dwukrotny laureat grantów The Pollock-Krasner Foundation oraz Fundacji Kościuszkowskiej, a także laureat konkursów międzynarodowych.

Autor licznych wystaw indywidualnych w galeriach i muzeach w kraju oraz za granicą. Twórca instalacji w przestrzeni otwartej na terenie Wielkiej Brytanii, Brazylii, Stanów Zjednoczonych, Słowacji, Austrii, Irlandii, Kataru, Japonii, Turcji, Holandii oraz Polski.

TADEUSZ OGRODNIK (ur. 1955, Pułtusk)

Zajmuje się rysunkiem, malarstwem oraz grafiką.

Studiował na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, gdzie w 1982 roku uzyskał dyplom w pracowniach prof. Romana Banaszewskiego i prof. Andrzeja Pietscha. Przez 10 lat pełnił funkcję dyrektora Biura Wystaw Artystycznych i Usług Plastycznych w Pile. Jest także członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków.

Uczestniczył w wielu wystawach ogólnopolskich i międzynarodowych.

DARIUSZ GŁOWACKI (ur. 1965, Poznań)

Zajmuje się malarstwem, rysunkiem oraz tworzeniem obiektów w przestrzeni.
Pisze i publikuje teksty o kulturze i sztuce; bierze aktywny udział w sesjach naukowych, panelach dyskusyjnych oraz kongresach.

W latach 1984–1989 studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Uzyskał dyplom z wyróżnieniem na dwóch wydziałach: Malarstwa (w pracowni prof. Jerzego Kałuckiego pod kierunkiem prof. Jarosława Kozłowskiego) oraz Wychowania Plastycznego (w zakresie semiotyki pod przewodnictwem prof. Kazimierza Świrydowicza).

Artystę interesują obszary, na których sztuka spotyka się z nauką, a także różnice, które zdają się dzielić obie te domeny działalności człowieka.

O swojej twórczości mówi:

„My, ułomni rezydenci platońskiej jaskini, skazani jesteśmy na relacje ze światem zmysłów. Zwierzęta, kwiaty, cały materialny świat, jest tylko nieudolną kopią, cieniem świata prawdziwego, świata idei. Pamiętajmy jednak, że Platon daje nam także do zrozumienia, że istniejące poza czasem i przestrzenią uniwersum idei możemy utożsamiać z geometrią i matematyką. Być może, a nawet więcej niż może, sztuka posługująca się nieco innym językiem, czerpie swoje soki bezpośrednio z tego królestwa”.

KRYSTYNA STYBURSKA (Warszawa)

Uprawia malarstwo olejne. W dorobku artystki znajdują się prace o różnorodnej tematyce: portrety, malarstwo sakralne, pejzaże, martwe natury oraz kompozycje abstrakcyjne i o motywach egipskich.

Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, gdzie w 1974 roku uzyskała dyplom. W 1997 założyła Towarzystwo Artystów Plastyków Bemowa, integrujące środowisko twórców i popularyzujące kulturę plastyczną w tej dzielnicy Warszawy.
W 2002 roku została uhonorowana odznaką „Zasłużony Działacz Kultury”, nadaną przez Ministerstwo Kultury. Dwa lata później otrzymała „Bemowską Nagrodę” za szczególne osiągnięcia w dziedzinie kultury w kategorii „Twórca”, przyznaną przez Urząd Dzielnicy Bemowo m.st. Warszawy.

Brała udział w licznych plenerach oraz wystawach zbiorowych i indywidualnych.

EUGENIUSZ SKORWIDER (ur. 1954, Żnin)

Wybitny polski grafik i plakacista, uznawany za jednego z najważniejszych kontynuatorów tzw. drugiego pokolenia polskiej szkoły plakatu.

Studia artystyczne odbył w latach 1976–1981 na Wydziale Malarstwa, Grafiki i Rzeźby w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Poznaniu. W 1981 roku uzyskał dyplom w Pracowni Plakatu prof. Waldemara Świerzego. Po studiach podjął pracę dydaktyczną na macierzystej uczelni – do 1997 roku był asystentem swojego promotora, a obecnie jest profesorem na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, gdzie prowadzi II Pracownię Plakatu.

Jest mistrzem intelektualnego skrótu; za pomocą oszczędnej grafiki celnie komentuje najważniejsze problemy współczesnego świata. Często wykorzystuje ironię i czarny humor, co pozwala mu demaskować polityczne absurdy bez popadania w nachalną dydaktykę. Jego prace to wizualne rebusy, w których przedmioty codziennego użytku zyskują nowe, niepokojące znaczenia w kontekście władzy czy wolności.

EMILIA GĄSIENICA-SETLAK (ur. 1986, Zakopane)

Zajmuje się malarstwem oraz grafiką warsztatową. W kręgu jej zainteresowań artystycznych znajdują się kolor, syntetyczna kompozycja oraz ich relacja z otoczeniem.

Studiowała na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, w pracowniach prof. Teresy Kotkowskiej-Rzepeckiej oraz prof. Leszka Misiaka.
Dyplom z aneksem graficznym w pracowni drzeworytu prof. Bogdana Migi uzyskała w 2011 roku.

Obrazy artystki trafiły na okładki książek oraz prestiżowego pisma Women In Art 278 Magazine, (2014). Wykorzystano je również jako element scenografii w hiszpańsko-amerykańskim filmie fabularnym Embers, w reżyserii Claire Carré, (2014).

Jej prace znajdują się w polskich oraz węgierskich zbiorach muzealnych, a także w kolekcjach prywatnych – między innymi w kraju, we Francji, Włoszech, Hiszpanii oraz w Wielkiej Brytanii.

TADEUSZ WIECZOREK (ur. 1956, Wolice)

Tworzy w obszarze malarstwa sztalugowego, fotografii, grafiki, a także prowadzi warsztaty twórcze z dziećmi, młodzieżą i dorosłymi.

W latach 1975–1980 studiował w poznańskiej Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych, kształcąc się w pracowniach profesorów: Tadeusza Brzozowskiego, Andrzeja Kurzawskiego i Norberta Skupniewicza. W 1980 obronił dyplom z zakresu malarstwa sztalugowego, litografii i fotografii.

Następnie, od 1984 do 2021, pracował jako animator sztuki w Centrum Sztuki Dziecka w Poznaniu. Od 2000 roku pełni funkcję prezesa Stowarzyszenia Artystyczno-Edukacyjnego „Magazyn”, a w okresie 2002–2010 przewodniczył Polskiemu Komitetowi Międzynarodowego Stowarzyszenia Wychowania przez Sztukę (InSEA). Uhonorowany medalem Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego „Zasłużony dla Kultury Polskiej” (2006) oraz nagrodą tegoż ministra (2007). W 2009 otrzymał również Srebrny Krzyż Zasługi od prezydenta RP.

Swoje prace prezentował na licznych wystawach indywidualnych w kraju oraz za granicą.

CEZARY OSTROWSKI (ur. 1962, Brzeg)

Muzyk, dziennikarz, kompozytor oraz artysta wizualny. Założyciel zespołu Bexa Lala, aktywista Creative Commons. Autor książek „Śmierć w Misiu” i „Las Wieloryb”. Publikował na łamach pism: „Max”, „Plastik”, „Machina”, „Nowy Nurt”, „Wprost” czy „Lampa”.

Studiował w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Poznaniu, gdzie w 1985 roku obronił dwa dyplomy: z rysunku w pracowni prof. Jarosława Kozłowskiego oraz z teorii sztuki w pracowni prof. Alicji Kępińskiej.

W swojej karierze realizował projekty z takimi artystami jak: Marcin Świetlicki, Kora, Małgorzata Ostrowska czy Piotr Bikont. W 2017 objął stanowisko zastępcy dyrektora Wydziału Kultury Urzędu Miasta Poznania.

W latach 2006–2009 zajmował się profesjonalnym modelowaniem światów wirtualnych w popularnej grze Second Life, gdzie występował jako Cezary Fish. Pozostaje aktywny na scenie muzycznej – w 2019 wydał ambient-jazzowy album The Holly Gomon Crucade, nagrany wspólnie z Krzysztofem Dysem i Maciejem Fortuną.

KATARZYNA SIKORSKA (ur. 1997, Częstochowa)

Malarka. W 2022 ukończyła Akademię Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, zdobywając nagrodę za najlepszy dyplom malarski na macierzystej uczelni.

W swojej twórczości skupia się na zależnościach między światłem a cieniem. Światło buduje kompozycję obrazu, nadając jej dynamikę i miękkość, a jednocześnie kontrastuje z surowymi, geometrycznymi formami drugiego planu.
Malowana przez artystkę przestrzeń pozbawiona jest nie tylko ludzi, ale i zwierząt, roślin czy wszelkich innych przejawów życia. Stanowi wyraz postapokaliptycznej wizji rzeczywistości, którą może pozostawić po sobie ludzkość – świata betonowych bloków, maszyn i schronów, mających niegdyś pomóc jej przetrwać.

ZYGMUNT JANUSZEWSKI (1956 Warszawa-2013 Latchorzew)

Grafik, rysownik, ilustrator, twórca instalacji, poeta.

W latach 1976–1981 studiował na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Od 2000 był profesorem Internationale Sommerakademie für Bildende Kunst w Salzburgu, a dwa lata później objął stanowisko wykładowcy na macierzystej uczelni, gdzie do 2013 roku prowadził Pracownię Ilustracji.

W 1989 jako pierwszy polski – a zarazem najmłodszy w historii – twórca zaprezentował rysunki na wystawie indywidualnej w Wilhelm-Busch-Museum w Hanowerze. Projektował plakaty między innymi dla Opery w Bielefeld, Schauspiel w Bonn oraz Teatru i Uniwersytetu w St. Gallen. Za swoje rysunki i projekty graficzne otrzymał wiele prestiżowych wyróżnień. W 2003 zdobył Victoria and Albert Museum Illustration Award za okładkę „Witness” zaprojektowaną dla „The Guardian Review”, z kolei w 2004 został uhonorowany nagrodą The Society of Publication Designers w Nowym Jorku za ilustracje do tego samego czasopisma.

Prace artysty znajdują się w zbiorach muzeów narodowych w Warszawie, Poznaniu i Szczecinie, Muzeum Plakatu w Wilanowie, Muzeum Karykatury w Warszawie, Muzeum Okręgowego im. Leona Wyczółkowskiego w Bydgoszczy, Muzeum Tatrzańskiego w Zakopanem oraz Victoria and Albert Museum w Londynie.

MICHAŁ WOŹNIAK (ur. 1976, Słupca)

Malarz, grafik i rzeźbiarz.

Absolwent Wyższej Szkoły Sztuki Stosowanej „Schola Posnaniensis” w Poznaniu, gdzie w 2000 roku uzyskał dyplom licencjacki, a w 2007 – magisterski z wyróżnieniem. W trakcie studiów doskonalił swoje umiejętności w zakresie malarstwa i projektowania graficznego, zdobywając cenne doświadczenie praktyczne.Jest silnie zaangażowany w działalność edukacyjną – wspiera rozwój młodych artystów jako wykładowca na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Nauk Społecznych w Poznaniu, gdzie pełnił funkcję prodziekana, a następnie dziekana.

Jego twórczość obejmuje szeroki wachlarz technik i tematów. Artysta eksploruje piękno natury, architektury, form ludzkich oraz abstrakcji, jednocześnie odkrywając nowe ścieżki ekspresji. Bada możliwości wirtualnej rzeczywistości, tworząc immersyjne doświadczenia, które pozwalają widzom zanurzyć się w jego abstrakcyjnych kompozycjach. Ten dialog między malarstwem tradycyjnym a sztuką cyfrową jest obustronny – dzieła cyfrowe często inspirują nowe płótna, a obrazy stają się punktem wyjścia do wirtualnych eksploracji. Połączenie obu wymiarów skutkuje sztuką, która wykracza poza ramy, zapraszając odbiorców do aktywnego współtworzenia jej narracji.

Artysta prezentował swoją sztukę na licznych wystawach indywidualnych oraz zbiorowych. Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i korporacyjnych w kraju i za granicą.

SEBASTIAN TRZOSKA (ur. 1990, Bydgoszcz)

Artysta wizualny.

W 2023 roku uzyskał stopień doktora na Wydziale Malarstwa i Rysunku Uniwersytetu Artystycznego im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu.
Obecnie pracuje jako asystent na macierzystej uczelni – w III Pracowni Rysunku prowadzonej przez dr. hab. Adama Nowaczyka. Wraz z dr Anną Eichler współtworzył program zajęć z rysunku i malarstwa dla ścieżki anglojęzycznej na Wydziale Sztuki Nowych Mediów w Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych w Warszawie.

W swojej praktyce artystycznej zajmuje się głównie interdyscyplinarnym charakterem rysunku jako języka wypowiedzi oraz refleksją nad statusem samego medium i procesu twórczego w kontekście przestrzeni codzienności, wypełniającej się coraz większą ilością informacji.

Cykl prac no signal jest procesem rysunkowych notacji odnoszących się do pojęcia przestrzeni, próżni oraz pustki. Punktem wyjścia jest zjawisko permanentnego nadawania sygnału – informacji oraz bodźców, które z coraz większą intensywnością wypełniają i zagarniają przestrzeń otaczającej nas codzienności. To poszukiwanie wizualnych matryc, nośników czy też naczyń, w sensie metaforycznym, które potencjalnie mogą zostać wypełnione, bądź też będą w stanie uchwycić osobliwy charakter idei pustki.

LESZEK PAWLIKOWSKI

Artysta wyraża się w różnych formach plastycznych: rzeźbie, malarstwie oraz mozaice.

Studiował w Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Gdańsku, gdzie uzyskał dyplom w pracowni prof. Stanisława Teisseyre’a.

Podczas gdy w malarstwie artysta skłania się ku estetyce indyjskiej, podejmując filozoficzne tematy związane z egzystencją, jego prace z dziedziny medalierstwa (odlewy z mosiądzu) oraz pomniki poświęcone miejscom pamięci narodowej poruszają głębią historycznego przekazu i surową, adekwatną do tematyki estetyką. Inspirując się zarówno przeszłością, jak i otaczającym światem, twórca przekłada własne emocje i duchowe doświadczenia na uniwersalny język sztuki. Jego niezwykle bogata i różnorodna twórczość łączy w sobie tradycję, pamięć historyczną oraz głęboką refleksję nad przemijaniem.

BARBARA BIELECKA-WOŹNICZKO (ur. 1948)

Zajmuje się malarstwem i grafiką użytkową. Należy do sekcji malarstwa oraz grup twórczych: Symfonia, PositiveArt i Art Visual Dance w ramach Okręgu Warszawskiego Związku Polskich Artystów Plastyków.

Ukończyła studia w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w Pracowni Plakatu prof. Henryka Tomaszewskiego oraz w Pracowni Malarstwa prof. Jerzego Tchórzewskiego. Dyplom uzyskała w 1974 roku. Prowadzi działalność dydaktyczną, pełniła również funkcję kuratorki w Galerii U w Warszawie oraz współorganizowała wystawy Grupy Twórczej Symfonia. Zdobyła liczne wyróżnienia w konkursach międzynarodowych oraz odznakę „Zasłużony Działacz Kultury”.

Prace artystki znajdują się w stałych zbiorach instytucji muzycznych i sakralnych oraz w kolekcjach prywatnych w kraju, Wielkiej Brytanii, Kanadzie, Australii i Stanach Zjednoczonych.

GRUPA ARTYSTYCZNA „DZIECIAKI CHOJRAKI”

„Dzielimy się tym, co lubimy i czym się interesujemy. Sport, malowanie, radość to nasz świat, choć w murach szpitala… Walczymy”.

Pracę na aukcję wykonali podopieczni stowarzyszenia podczas „Chojrakowych Czwartków” – zajęć warsztatowych, które odbywają się regularnie pod okiem wolontariuszek w Klinice Onkologii, Hematologii i Transplantologii Pediatrycznej Uniwersytetu Medycznego w Poznaniu.

MICHALINA SZPAK (ur. 2015, Poznań)

Utalentowana marzycielka, która z pasją oddaje się różnorodnym formom twórczości. Jej zainteresowania obejmują rękodzieło, szydełkowanie, malarstwo oraz rzeźbienie. Swoją artystyczną duszę łączy z aktywnością fizyczną, grając w tenisa i uczęszczając na akrobatykę.

Miłość do przyrody znajduje ujście w jej twórczości, czego doskonałym przykładem jest obraz „Mała Japonia”, pełen zachwytu nad otaczającym światem.
W każdej pracy można dostrzec nie tylko kreatywność, ale także radość i entuzjazm, które towarzyszą całemu procesowi tworzenia.