Prezentowana litografia pochodzi z jedynej w historii publikacji tych 40 rysunków Picassa w 1957 r. za zgodą Dory Maar i dzięki udostępnieniu wydawcy (Henri Paul Jonquières) jedynego jej egzemplarza z tymi rysunkami. Nie jest znana dalsza historia oryginału tego portfolio po śmierci Dory Maar w 1997 r.

Picasso, po ukazaniu się wydania cyklu 31 rycin do tekstów Buffona w 1942 r. przyniósł w 1943 r. swojej ukochanej, surrealistycznej fotografce i malarce Dorze Maar, egzemplarz Histoire naturelle. Będąc w jej pracowni, ozdobił marginesy tego cyklu grafik ludzkimi głowami, zwierzętami i fantastycznymi stworzeniami, z samą Dorą Maar, jako kobietą-ptakiem sfinksem na stronie tytułowej. Darując jej ten egzemplarz napisał dedykację: „per Dora Maar tan rebufona!" (dla Dory Maar taka ładna!), która jest grą słów nawiązującą do nazwiska Buffon i katalońskiego słowa „ładna- bufo".

Na ostatniej stronie portfolio Picasso akwarelą (patrz zdjęcie) napisał oświadczenie o treści:

„Wszystkie rysunki w tej książce zostały wykonane w niedzielę 24 stycznia 1943 roku po południu w Paryżu przy 6 rue de Savoie".

Walter Seyna
Urodzony w 1958 roku w Poznaniu. Jego przygoda z malarstwem rozpoczęła się pod koniec lat 60 tych. Po okresie edukacyjnym w latach 80 tych Walter wkroczył w etap malarstwa zawodowego.
Jego talent plastyczny rozwijał się wraz z wiekiem i sporym doświadczeniem. Przez lata nie tylko doskonalił swoje umiejętności plastyczne, ale również wiedzę teoretyczną i techniczną. Osiągnięcia edukacyjne nie stanowią dla niego i jego twórczości elementu promocyjnego, lecz pasja tworzenia i technika wykonania są podstawą jego pracy twórczej. Większość lat Walter malował na zamówienia klientów indywidualnych i różnych instytucji z krajów Europy zachodniej. Jego prace zdobią również wnętrza w Kanadzie i USA.

Maluje obrazy w różnych stylach:
pejzaż,
portret,
impresjonizm,
ekspresjonizm,
surrealizm,
abstrakcje itd…..
Walter nie jest zwolennikiem promowania się poprzez wystawy i wernisaże, jednakże w roku 2022 odbyła się wystawa jego prac w kameralnych piwnicach Hotelu Kolegiackiego w rodzimym mieście Poznaniu.


Motto:
Kiedy kupujesz od artysty, kupujesz więcej niż tylko przedmiot. Kupujesz tysiące godzin porażek i eksperymentów. Kupujesz dni, tygodnie, miesiące frustracji oraz momenty czystej radości. Nie kupujesz tylko przedmiotu jest to kawałek serca, część duszy i moment czyjegoś życia, a co najważniejsze, kupujesz więcej czasu dla artysty, aby mógł tworzyć z pasją.

Opis pracy

Pełna ekspresji i intensywnego koloru kompozycja Krystyny Chłackiej przedstawiająca parę ptaków splecionych w niezwykle sugestywnym, niemal intymnym geście. Ich skrzyżowane dzioby oraz zwrócone ku sobie sylwetki tworzą czytelny symbol bliskości, przywiązania i wzajemnej więzi, doskonale korespondując z tytułem pracy – „Miłość”.

Artystka zestawia nasycone czerwienie, oranże i głębokie burgundy z chłodniejszym, metalicznym tłem wykonanym z użyciem szlagmetalu. Jego subtelny połysk zmienia się zależnie od padającego światła, dzięki czemu obraz nabiera głębi i prezentuje się nieco inaczej w różnych warunkach oświetleniowych.

Swobodna, dynamiczna faktura malarska, widoczne pociągnięcia pędzla oraz liczne barwne rozpryski nadają przedstawieniu współczesny i dekoracyjny charakter. Szczególnie efektownie wypada kontrast pomiędzy rozświetlonym tłem a niezwykle intensywną czerwienią ptaków.

„Miłość” to niewielka formatem, lecz bardzo wyrazista praca – pogodna, pełna energii i symboliki. Dzięki uniwersalnemu tematowi oraz efektownemu wykorzystaniu szlagmetalu może stanowić zarówno mocny akcent we współczesnym wnętrzu, jak i oryginalny prezent o wyjątkowo czytelnym przesłaniu.


Khrystyna Hladka to artystka o ugruntowanej pozycji na rynku sztuki, konsekwentnie i świadomie budująca swoją karierę od wielu lat. Absolwentka Architektury Wnętrz na Lwowskiej Akademii Sztuk Pięknych, łączy w swojej twórczości wrażliwość malarską z głębokim rozumieniem przestrzeni, światła i kompozycji.

Pochodząca z Ukrainy, obecnie mieszka i tworzy pod Warszawą – w otoczeniu natury, która stanowi główne źródło jej inspiracji. Przepiękne krajobrazy i obecność ptactwa sprawiają, że jej twórczość wyrasta z autentycznej obserwacji świata – tak jak u dawnych mistrzów czerpiących bezpośrednio z natury.


Artystka obecna wyłącznie w najlepszych galeriach

Prace Khrystyna Hladka znajdują się w najbardziej prestiżowych galeriach w Polsce i za granicą. Jej obrazy dostępne są wyłącznie poprzez renomowane galerie sztuki – co dodatkowo podkreśla ich rangę kolekcjonerską.

Jest artystką niezwykle rozchwytywaną – większe formaty powstają ponad miesiąc, dlatego liczba prac dostępnych w ciągu roku jest bardzo ograniczona. To sprawia, że zakup jej obrazu jest wydarzeniem, a nie codzienną transakcją. Każde dzieło to efekt czasu, skupienia i perfekcyjnego dopracowania detalu.


Dynamiczny rozwój i fenomenalny potencjał inwestycyjny

Jednym z najbardziej zauważalnych aspektów jej kariery jest dynamiczny potencjał rozwojowy. Z roku na rok wyraźnie widać postęp w sposobie przedstawiania formy, operowaniu światłem oraz budowaniu głębi kompozycji.

Jej warsztat staje się coraz bardziej dojrzały, a jednocześnie zachowuje świeżość i artystyczną odwagę. Ewolucja stylu, coraz większa precyzja realistyczna oraz konsekwentne budowanie rozpoznawalnej estetyki stanowią rewelacyjny i fenomenalny prognostyk na przyszłość.

Dla kolekcjonerów oznacza to nie tylko obcowanie z wysoką jakością artystyczną, ale również realny potencjał wzrostu wartości prac w kolejnych latach.


Mistrzyni realistycznych przedstawień ptaków

Centralnym motywem jej twórczości są ptaki – zarówno majestatyczne pawie symbolizujące królewskość i nieśmiertelność, jak i gatunki zamieszkujące polski krajobraz.

Artystka wychowała się na wsi, w naturalnym otoczeniu przyrody, co dało jej wyjątkową wrażliwość na subtelność ruchu, strukturę piór i charakter ptasich sylwetek. Jej prace cechuje hiperrealistyczna precyzja, głębia spojrzenia oraz doskonałe operowanie światłem.

Szczególnie charakterystyczne są zestawienia kolorystyczne – złoto i granat, które wprowadzają do kompozycji nutę luksusu i ponadczasowej elegancji.


Podróże jako źródło koloru i energii

Liczne podróże – zwłaszcza do dzikich i autentycznych zakątków Azji – stanowią dla niej niewyczerpane źródło inspiracji. Różnorodność kultur, światła i pejzaży przekłada się na bogactwo barw oraz głębię emocjonalną jej prac.

To właśnie doświadczenie świata sprawia, że jej obrazy są nie tylko realistyczne, ale również nasycone historią i wewnętrzną narracją.


Siła i subtelność kobiecej natury

Jako kobieta artystka często wplata w swoje kompozycje motyw siły i delikatności kobiecej natury. W jej rozumieniu kobiecość to synteza subtelności i determinacji – harmonijne połączenie miękkości i wewnętrznej mocy.

Malując, przekazuje emocje trudne do wyrażenia słowami. Tworzy z energią i radością, wierząc, że pozytywna wibracja przenika każdą linię, fakturę i kolor jej dzieła.


Sztuka, która łączy naturę, elegancję i kolekcjonerską wartość

Twórczość Khrystyna Hladki to połączenie nowoczesnej elegancji, architektonicznej świadomości przestrzeni oraz głębokiego zakorzenienia w naturze. Jej obrazy nie są jedynie dekoracją – stanowią wyraz dojrzałej, konsekwentnej drogi artystycznej oraz świadomej pracy nad jakością i detalem.

To propozycja dla kolekcjonerów ceniących:
unikalność i ograniczoną dostępność,
najwyższy poziom warsztatu realistycznego,
prestiż galerii reprezentujących artystkę,
dynamiczny rozwój i wyraźny potencjał wzrostu wartości,
ponadczasową estetykę inspirowaną naturą.

Khrystyna Hladka to nazwisko, które coraz mocniej zaznacza swoją obecność w świecie współczesnego malarstwa – subtelnie, ale zdecydowanie, z bardzo obiecującą przyszłością.

Lucas był pionierem wydawania wielkoformatowych grafik Dalego w latach 60. i 70 (Large Format Lithograph). To on namówił artystę do stworzenia i wydania serii "Wielkie Arcydzieła".

Apoteoza Homera jest niezwykle bogata kolorystycznie. Aby uzyskać taki efekt w litografii, potrzeba było od 10 do nawet 20 osobnych kamieni/płyt (jeden dla każdego koloru), dlatego widoczne są minimalne przesunięcia płyty świadczące o ręcznie kładzionych warstwach. Ta monumentalna praca graficzna wymagała tygodni pracy mistrza litografii, aby przenieść wizję olejną na papier.

Kompozycja odzwierciedla fascynację malarza mitologią grecką i rzymską. To jedna z najbardziej "gęstych" symbolicznie prac Dalego. Dali „sprowadza Homera do kawałka rozbitej rzeźby, relikwii, podczas gdy sama solidna świątynia muzy się rozpływa"... „Eteryczny koń", który może być Pegazem , odrzucającym jeźdźców próbujących dotrzeć do gwiazd, ponownie sygnalizuje koniec mitu. Po prawej stronie znajduje się śpiąca naga kobieta, przedstawiona jako Gala , żona artysty.
To Dali "intelektualista", mistrz detalu i kompozycji, który składa hołd historii sztuki (oparta na pomyśle z lat 40., wydana graficznie w latach 70.). bardzo precyzyjną litografią barwną (chromolitografią), która miała jak najwierniej oddać detale i specyficzne światło oryginalnego obrazu Dalego.

Jan Wysocki to utalentowany malarz, który łączy w swoich pracach style abstrakcyjne i figuralne. Jest znany ze swojego unikalnego podejścia do malarstwa, wykorzystującego różnorodne techniki, aby ożywić swoją wizję. Sztuka Wysockiego jest inspirowana naturą, rustykalnymi motywami i charakteryzuje się wyjątkowym naciskiem na fakturę. W swoim procesie twórczym artysta czerpie tematy z otaczającego nas kosmicznego świata, nasycając swoje dzieła energią i światłem Zaangażowanie Wysockiego w swoje rzemiosło i jego niezachwiana pasja do malarstwa sprawiły, że wyróżnia się na tle innych artystów.

Oprawa widoczna na zdjęciu drugim nie stanowi oferty sprzedaży.

Jan Wysocki to utalentowany malarz, który łączy w swoich pracach style abstrakcyjne i figuralne. Jest znany ze swojego unikalnego podejścia do malarstwa, wykorzystującego różnorodne techniki, aby ożywić swoją wizję. Sztuka Wysockiego jest inspirowana naturą, rustykalnymi motywami i charakteryzuje się wyjątkowym naciskiem na fakturę. W swoim procesie twórczym artysta czerpie tematy z otaczającego nas kosmicznego świata, nasycając swoje dzieła energią i światłem Zaangażowanie Wysockiego w swoje rzemiosło i jego niezachwiana pasja do malarstwa sprawiły, że wyróżnia się na tle innych artystów.

Oprawa widoczna na zdjęciu drugim nie stanowi oferty sprzedaży.

Andrzej Gudański wypracował własny i niepowtarzalny styl. Prace malarskie artysty w części nawiązują do kierunku w sztuce zwanego futuryzmem, gdzie artysta dąży do wyrażenia ruchu, ekspresji, ekspansji oraz do zburzenia w sposób natychmiastowy wszystkich dotychczasowych tradycji. Malarstwo to jest też nieco poetycko – bajkowe, pełne alegorii przeważnie tematycznie związanych jest z miastem i postaciami, gdzie widoczna jest fascynacja artysty migocącym kolorem, barwą i symboliką bajkowych postaci.

Jan Szary ur. 1961 w Zakopanem. Ukończył Liceum Plastyczne im. Kenara w Zakopanem. Przyjaźnił się tam z Maciejem Berbeką artystą malarzem, grafikiem i scenografem Teatru im. Stanisława Ignacego Witkiewicza. Ten słynny himalaista wywarł ogromny wpływ na jego twórczość. Szary otrzymał dyplom Krakowskiej ASP u profesora Leszka Wajdy "Dzieje formy" gdzie studiował Architekturę wnętrz.
Kilkanaście lat pracował jako nauczyciel plastyki. Wypromował wiele młodych talentów. Artysta tworzy również grafikę. Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych w Europie, ale również w USA i Kanadzie.

Oprawy widoczne na wizualizacjach mają charakter poglądowy i nie stanowią oferty handlowej.

Granolitografia - to jedna z najbardziej szlachetnych i precyzyjnych technik druku płaskiego, będąca nowoczesną ewolucją klasycznej litografii. W granolitografii wykorzystuje się zaawansowaną metodę optyczno-chemiczną - obraz jest rozbijany na niezwykle drobne punkty (ziarna – stąd nazwa grano). Używa się do tego specjalnych matryc (zazwyczaj od 8 do 12 różnych płyt dla jednego obrazu), gdzie każda odpowiada za inny kolor i odcień. Wypukłości na pracy to efekt embossingu (suchego tłoku). W tej edycji matryca dociskała papier tak mocno, że postacie jeźdźców czy byków dosłownie „wychodzą" z płaszczyzny, tworząc efekt płaskorzeźby.

W 1960 roku Salvador Dalí namalował wielkoformatową akwarelę pod tym samym tytułem (obecnie uznawaną za arcydzieło z tego okresu).

W terminologii hiszpańskiej tienta to nie jest zwykła korrida. To próba dzielności, której poddawane są młode byki (i krowy), aby sprawdzić, czy nadają się do hodowli lub na arenę. Dalí, będąc zafascynowany hiszpańską tradycją i mistyką walki byków, często wracał do tego tematu, widząc w nim starcie sił pierwotnych z elegancją. Uwagę zwraca pusta przestrzeń dziedzińca. Dalí uwielbiał taką „przestrzenną pustkę", która nadaje scenie oniryczny, nieco nierealny klimat. W lewym dolnym rogu widzimy dostojną postać w szatach liturgicznych. Dalí często umieszczał autorytety religijne w nietypowych kontekstach, co może sugerować sakralny wymiar rytuału tienty. Zegar w tle to niemal „podpis" artysty. Czas u Dalego jest zawsze obecny, choć zazwyczaj w formie płynnej – tutaj jest bardziej statyczny, ale pilnuje porządku wydarzeń na placu.

To jedna z tych prac, które pokazują, że Dalí był genialnym rysownikiem. Nawet bez swoich słynnych „miękkich zegarów" potrafił stworzyć gęstą atmosferę za pomocą kilku precyzyjnych pociągnięć igłą.

Z wykształcenia architektka, polska malarka specjalizująca się w surrealistycznych portretach kobiecych z elementami geometrycznymi i abstrakcyjnymi, inspirowanych surrealizmem, psychologią i problematyką współczesnej tożsamości.

Zgłaszam chęć przesłania mojej najnowszej serii „Fragmenty Tożsamości”, która eksploruje tematykę kobiecej tożsamości, masek społecznych i fragmentacji we współczesnym świecie.

Wystawy:
I Wystawa w Pałacu MęcirÎSkiCh w Działoszynie;
2. Sztuka wysoka, Bytom
3. LAB ART PRIZE Malamegi Lab artist
4. Uczestniczka BIJAT GALLERY Barcelona Visual Matter 2026
S. Uczestniczka Ponrait Society of Amerika Floryda 2026
6. Uczestniczka Artemisia 2026
7. Uczestniczka Biennale 2026
8. Uczestniczka FIKVA 2026
9. Uczestniczka 8BAPrizes 2026
10. Uczestniczka Malamegi LAB Art Prize 2026 w Mediolanie
11. Zostałam wybrana do Oficjalnej Wystawy Sztuki Lab
12. Artystka wystawiająca. IDENTITY International Contemporary Art Exhibition.

OŚWIADCZENIE
Seul, Korea Południowa

Moja WMk koncentruje się na badaniu kobiecej tożsamości w świecie naznaczonym nawarstwieniami społecznymi, emocjonalnymi i kulturowymi. Łącząc realistyczne portrety kobiet z geometrycznymi, witrażowymi i abstrakcyjnymi elementami, tworzę przestrzeń, w której postać ludzka jest jednocześnie odsłaniana i ukrywana.

Linie, trójkąty, koła i podziały symbolizują fragmentację osobowości, maski, które nosimy na co dzień, i próby znalezienia równowagi w chaosie współczesnego życia.

Inspirację czerpię z surrealizmu, psychologii Junga i klasycznych motywów witrażowych, które nadają moim obrazom mistyczny, oniryczny charakter

Wyjątkowa kompozycja Arthura Anokhina – artysty znanego z niezwykle precyzyjnych, hiperrealistycznych przedstawień, w których estetyka dawnych mistrzów spotyka się ze współczesnymi symbolami kultury popularnej.


Profesjonalne giclée w limitowanej edycji

Prezentowana praca jest profesjonalną realizacją giclée wykonaną na wysokogatunkowym płótnie artystycznym. Zastosowana technologia pozwoliła uzyskać niezwykle wierne odwzorowanie oryginalnej kompozycji, wyjątkową precyzję detali, głębię kolorów oraz subtelne przejścia tonalne.

Płótno zostało naciągnięte na profesjonalne krosno malarskie, dzięki czemu praca formą oraz sposobem prezentacji nawiązuje do tradycyjnego obrazu.

Szczególną wartość stanowi wyjątkowo ograniczony nakład wynoszący zaledwie 10 egzemplarzy. Oferowana praca posiada numer 2/10, co podkreśla jej indywidualny i kolekcjonerski charakter.

Wyjątkowa propozycja kolekcjonerska

To prawdziwa gratka dla miłośników:
hiperrealizmu i realistycznego portretu,
klasycznej estetyki w nowoczesnym wydaniu,
wyjątkowych i nieoczywistych kompozycji,
profesjonalnych realizacji giclée,
prac pochodzących z bardzo krótkich, numerowanych edycji.

Dzięki niezwykle ograniczonemu nakładowi oraz wysokiej jakości wykonania praca posiada wyraźny potencjał kolekcjonerski. Doskonale zaprezentuje się w eleganckim salonie, gabinecie, bibliotece, hotelu, restauracji, galerii lub reprezentacyjnej przestrzeni komercyjnej.


Arthur Anokhin

Urodził się w 1990 roku w Charkowie w Ukrainie. Należy do interesujących przedstawicieli młodego pokolenia artystów figuratywnych i konsekwentnie rozwija własny język hiperrealistycznego portretu, zakorzenionego w tradycji klasycznego malarstwa europejskiego.

W latach 2009–2015 studiował malarstwo monumentalne w Charkowskiej Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki. Wcześniej, w latach 2005–2009, kształcił się w Charkowskiej Szkole Sztuk Pięknych.

Twórczość artysty wyróżniają niezwykła precyzja, mistrzowskie operowanie światłem i cieniem, subtelność portretowanych postaci oraz niemal fotograficzna jakość odwzorowania materii. Anokhin czerpie inspiracje z malarstwa holenderskiego, neoklasycyzmu oraz estetyki prerafaelitów.

Prace artysty znajdują się w kolekcjach prywatnych między innymi w Ukrainie, Niemczech, Austrii, Wielkiej Brytanii, Włoszech, Polsce i Stanach Zjednoczonych. Jego twórczość była prezentowana na międzynarodowym rynku aukcyjnym, między innymi w Christie’s, Sworders oraz Southgate Auction Rooms.

Krzysztof Jarocki – wyścig

Wyjątkowo ekspresyjna i niezwykle figuratywna akwarela Krzysztofa Jarockiego, przedstawiająca jeden z najbardziej charakterystycznych dla artysty motywów – konia uchwyconego w pełnym galopie wraz z pochylonym nad nim jeźdźcem.

Kompozycja powstała poprzez połączenie swobodnego szkicu wykonanego piórem z akwarelą. Nerwowa, dynamiczna kreska buduje anatomię konia i sylwetkę jeźdźca, natomiast zdecydowane plamy brązów, błękitów i szarości nadają przedstawieniu głębię oraz niezwykłe poczucie ruchu. Jarocki nie próbuje zatrzymać konia w statycznej pozie – przeciwnie, pokazuje go jako czystą energię, pęd i napięcie, jak gdyby na papierze utrwalona została zaledwie jedna sekunda wyścigu.

Szczególną uwagę zwraca oszczędność środków. Fragmenty pozostawione niemal wyłącznie w szkicu sąsiadują z mocniejszymi akcentami akwareli. Dzięki temu przedstawienie zachowuje lekkość, spontaniczność i charakter autorskiego studium, a jednocześnie tworzy pełną, niezwykle sugestywną kompozycję figuratywną.

Praca została znakomicie dopełniona oprawą. Dekoracyjne, jasne passe-partout o wyrazistej fakturze pięknie koresponduje z papierem i podkreśla lekkość akwareli, natomiast starannie dobrana rama w głębokiej, brązowej tonacji nawiązuje do barwy konia. Subtelny metaliczny detal pomiędzy ramą a passe-partout dodatkowo porządkuje kompozycję. Obraz wraz z oprawą tworzy spójną, elegancką i gotową do ekspozycji całość o zdecydowanie kolekcjonerskim charakterze.

To jedna z tych prac Jarockiego, w których szczególnie dobrze widoczna jest jego umiejętność połączenia figuratywności, znakomitej obserwacji konia oraz niemal kaligraficznej swobody kreski.

Krzysztof Jarocki (ur. 1959) – polski malarz, rysownik i rzeźbiarz, którego twórczość jest silnie związana z animalistyką, a przede wszystkim z motywem konia. W swoich pracach artysta koncentruje się nie tylko na anatomii zwierzęcia, lecz przede wszystkim na ruchu, dynamice, sile i elegancji jego sylwetki.

Charakterystycznym elementem jego języka artystycznego jest zdecydowana, ekspresyjna kreska oraz umiejętność budowania przedstawienia za pomocą skrótu i swobodnej plamy barwnej. Konie Jarockiego często sprawiają wrażenie uchwyconych w jednej krótkiej chwili – podczas galopu, wyścigu czy gwałtownego ruchu – dzięki czemu jego kompozycje pozostają lekkie i pełne energii.

Motyw konia stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych elementów jego dorobku, a prezentowana akwarela jest znakomitym przykładem charakterystycznego stylu artysty – połączenia szkicowej spontaniczności, figuratywności i fascynacji ruchem.

Opis pracy
Warszawa w pełnym kolorze – wyjątkowa akwarela Błażeja Musiała „Grifeena”
Akwarela na papierze | ponad miesiąc pracy artystycznej
Wymiary w świetle passe-partout: 48 × 63 cm
Wymiary w oprawie: 70 × 90 cm

Fantazyjna architektura kamienic, piętrzących się jedna nad drugą, tworzy pełną uroku, niemal baśniową kompozycję. Żółte elewacje, zielone dachy, niebiesko-białe markizy i korony drzew w ciepłych, różowych tonach nadają scenie pogodny, nieco nostalgiczny charakter. Starannie poprowadzone detale fasad i dachów przyciągają wzrok i pozwalają odkrywać kolejne elementy tej niezwykłej miejskiej zabudowy.

Akwarela została oprawiona w efektowną, głęboką ramę o głębokości około 7 cm. Jej konstrukcja buduje wyrazisty efekt trójwymiarowości, a ciemna, zielonkawa kolorystyka nawiązuje do dachów przedstawionych na pracy. Intensywnie żółte passe-partout pięknie koresponduje z elewacjami kamienic, podkreśla kompozycję i tworzy z ramą zdecydowany, elegancki kontrast.

Praca wraz z oprawą stanowi dekoracyjny akcent, który ożywi wnętrze i przyciągnie uwagę zarówno z bliska, jak i z większej odległości.

Błażej Musiał „Grifeen”

Błażej Musiał (ur. 1985), tworzący pod pseudonimem Grifeen, jest polskim malarzem i grafikiem, absolwentem architektury krajobrazu na Uniwersytecie Warmińsko-Mazurskim w Olsztynie. Wykształcenie związane z przestrzenią, perspektywą i kompozycją wyraźnie widoczne jest w jego twórczości.

Znakiem rozpoznawczym artysty stały się autorskie panoramy miast, tworzone tradycyjną techniką – od precyzyjnego rysunku piórem po ręczne nakładanie kolejnych warstw akwareli. Grifeen łączy architektoniczną dokładność z niemal baśniową swobodą budowania przestrzeni, dzięki czemu jego miasta znajdują się na pograniczu rzeczywistości i fantazji.

Prezentowana „Warszawa” jest szczególnym przykładem tej twórczości. Artysta zdecydował się tutaj na wyjątkowo odważną, intensywną paletę barw, tworząc pracę niezwykle dekoracyjną, pełną energii i natychmiast przyciągającą wzrok.

Duży format 48 × 63 cm w świetle passe-partout oraz efektowna oprawa 70 × 90 cm sprawiają, że jest to dzieło o bardzo mocnej obecności we wnętrzu.

To propozycja dla miłośników Warszawy, współczesnej akwareli oraz kolekcjonerów poszukujących prac charakterystycznych i natychmiast rozpoznawalnych. Rzadka okazja nabycia tak dużej, niezwykle pracochłonnej i wyjątkowo kolorowej realizacji Grifeena – Warszawy pełnej światła, fantazji i niepowtarzalnej miejskiej energii.

Prace dostępne w galerii na życzenie

Polska epopeja z narodowa ze słynnymi, wielokrotnie nagradzanymi ilustracjami malarza i rzeźbiarza Józefa Wilkonia, który plamą barwną i fantazyjną kreską powołuje do życia świat Pana Tadeusza. Artysta nie odtworzył treści dzieła, zilustrował natomiast romantyczny krajobraz dzieciństwa poety: wielkie drzewa i bujna roślinność, w której niemal giną ludzie i zwierzę ń poprzez swoje grafiki rzuca nowe światło na odczytanie utworu nasyca go ironią oraz mroczną atmosferą, pełną niepewności i tęsknoty. Pozycja znana ze szkolnego kanonu zyskuje odmienną perspektywę, wartą (być może wielokrotnej) lektury. Edycja zaprojektowana przez wybitnego grafika, Janusza Górskiego, profesora Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku, kierownika Pracowni Projektowania Graficznego.