"Warszawa Starówka” Joanny Mieszko to niezwykle energetyczna i pełna życia interpretacja jednego z najpiękniejszych miejsc stolicy. Artystka ukazuje historyczne centrum Warszawy z lotu ptaka, tworząc kompozycję, która zachwyca zarówno rozmachem architektonicznym, jak i odważnym, mistrzowskim operowaniem kolorem.

Największą siłą obrazu jest jego niepowtarzalna kolorystyka. Intensywne czerwienie dachów, rozświetlone złociste place, błękity i turkusy dachów świątyń oraz subtelne akcenty różu i fioletu tworzą harmonijną, a zarazem niezwykle dynamiczną całość. To właśnie dzięki tej odwadze kolorystycznej artystka wydobywa wyjątkowy charakter warszawskiej Starówki, pokazując ją nie jako wierny zapis rzeczywistości, lecz jako miejsce pełne światła, energii i emocji.

Joanna Mieszko należy do grona twórców, którzy potrafią połączyć rozpoznawalny temat z własnym, autorskim językiem malarskim. Jej charakterystyczna kreska, widoczna w architekturze, uliczkach i detalach miejskiej tkanki, nadaje kompozycji lekkość i rytm, prowadząc wzrok widza przez kolejne fragmenty obrazu.

Przedstawiona panorama tętni życiem. Wśród zabytkowych kamienic, kościołów i placów dostrzec można codzienny ruch mieszkańców oraz odwiedzających Starówkę gości. Dzięki temu obraz staje się nie tylko widokiem miasta, lecz również opowieścią o jego historii, kulturze i niepowtarzalnej atmosferze.

Szczególną wartość dzieła stanowi fakt, że jest ono obrazem bazowym dla limitowanej edycji Inkografii, co czyni je pracą o wyjątkowym znaczeniu kolekcjonerskim. Oryginał pozostaje bowiem źródłem całego projektu i jedynym egzemplarzem, z którego powstała zamknięta seria reprodukcji.

„Warszawa. Starówka” to propozycja dla kolekcjonerów poszukujących dzieł wyrazistych, rozpoznawalnych i silnie związanych z tożsamością miasta. To obraz, który przyciąga uwagę od pierwszego spojrzenia, zachwyca bogactwem barw oraz stanowi interesującą propozycję zarówno do kolekcji prywatnej, jak i inwestycyjnej.

Oryginał dzieła dostępny jest po raz pierwszy wraz z możliwością zakupu limitowanych Inkografii, co czyni tę ofertę wyjątkową na rynku sztuki współczesnej.

Kolekcja inkografii obejmuje zaledwie 25 numerowanych egzemplarzy Fine Art (Giclée), co dodatkowo podkreśla wyjątkowy charakter dzieła oraz jego znaczenie kolekcjonerskie. Zakup oryginału oznacza posiadanie obrazu źródłowego – jedynej i najważniejszej pracy, od której rozpoczyna się cała limitowana seria.

Prezentowana kompozycja Andrejusa Kovelinasa to wyjątkowo zmysłowe i nowoczesne malarstwo figuratywne, w którym artysta łączy perfekcyjny warsztat malarski z wyrazistą, autorską deformacją formy. Centralna postać – subtelna tancerka uchwycona w dynamicznym geście – emanuje elegancją, lekkością i wewnętrzną energią, podczas gdy surrealistyczny motyw pszczoły wprowadza do obrazu element symboliczny, balansujący między pięknem, naturą a metaforą siły.

Kovelinas mistrzowsko operuje kolorem, światłem oraz płynnym rozmyciem form, tworząc kompozycję o niezwykle nowoczesnym charakterze, przy jednoczesnym zachowaniu klasycznej jakości warsztatowej. Ciepłe, bursztynowo-złote tło nadaje pracy głębi, luksusowego wyrazu oraz kolekcjonerskiej elegancji.

Atuty kolekcjonerskie:
Duży, prestiżowy format: 80 × 100 cm
Olej na płótnie
Rozpoznawalny styl Andrejusa Kovelinasa
Połączenie realizmu, symbolizmu i współczesnej ekspresji
Silny walor dekoracyjny oraz inwestycyjny
Idealna propozycja do nowoczesnych, luksusowych wnętrz

To dzieło przyciąga uwagę nie tylko kunsztem wykonania, ale również emocjonalnym napięciem i niejednoznaczną narracją, która pozostawia przestrzeń do indywidualnej interpretacji. Prace Andrejusa Kovelinasa cieszą się rosnącym zainteresowaniem kolekcjonerów poszukujących sztuki o wyrazistym charakterze, dekoracyjnej sile oraz wysokim poziomie artystycznym.


Wyjątkowa okazja nabycia efektownego, dużego obrazu artysty o ugruntowanej pozycji, którego twórczość harmonijnie łączy klasyczne malarstwo z nowoczesną estetyką rynku premium.

Prezentowana praca Joanny Mieszko to wyjątkowa ikonografia współczesnej Warszawy – pulsująca kolorem, rytmem architektury i energią miejskiego pejzażu. Artystka z charakterystyczną dla siebie precyzją buduje panoramiczny widok historycznego centrum miasta, tworząc kompozycję pełną światła, kontrastów oraz dynamicznych linii inspirowanych grafiką i malarstwem ekspresyjnym.

To kolekcjonerskie wydanie zostało wykonane w technologii Fine Art Giclée na profesjonalnym, muzealnym papierze archiwalnym, gwarantującym niezwykłą głębię kolorów, trwałość oraz perfekcyjne odwzorowanie detali oryginału. Egzemplarz jest numerowany i sygnowany ręcznie przez artystkę.

Wybitna i niezwykle rzadka realizacja – ORYGINALNY PROJEKT MURALU „Bitwa Warszawska”, który miał zostać przeniesiony w monumentalnej skali na ścianę miasta. To autentyczna, ręcznie wykonana praca – szkic koncepcyjny stanowiący punkt wyjścia do realizacji wielkoformatowego muralu.

Dynamiczna, ekspresyjna kreska piórka buduje napięcie starcia kawalerii, rytm galopujących koni i dramatyzm historycznego momentu. Intensywne czerwienie sztandarów kontrastują z chłodnymi błękitami nieba, tworząc kompozycję o monumentalnym, symbolicznym wymiarze. Kameralny format łączy się tu z epicką narracją.

Projekt został dodatkowo zilustrowany w albumie wydanym przez autora (fot. nr 2), co podkreśla jego znaczenie w dorobku twórcy oraz rangę koncepcji muralowej.

Oryginały projektów muralowych Rafała Roskowińskiego pojawiają się w sprzedaży niezwykle rzadko.
To jedyna praca tego autora dostępna obecnie na aukcji OneBid, co czyni ją propozycją o wyjątkowym potencjale kolekcjonerskim.

Kolekcjonerom dzieł o wymiarze historycznym nie trzeba tłumaczyć, jak fundamentalne znaczenie miała Bitwa Warszawska 1920 roku, która zatrzymała bolszewicką nawałnicę i stała się jednym z przełomowych momentów w dziejach Europy. To wydarzenie o szczególnej wadze dla mieszkańców całej Polski – symbol obrony niepodległości i tożsamości narodowej.

Rafał Roskowiński (ur. 1966)
Mistrz monumentalnego formatu i wybitny twórca współczesnej akwareliJeżeli wielki format w polskiej sztuce – to Rafał Roskowiński.

Artysta od lat pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych twórców malarstwa monumentalnego w Polsce.

Zasłynął jako autor setek murali realizowanych w kraju i za granicą, w tym najdłuższego muralu na świecie w Legionowie, a także monumentalnych kompozycji na gdańskiej Zaspie, w Muzeum Powstania Warszawskiego oraz w przestrzeniach publicznych m.in. w Bukareszcie, Kiszyniowie i Limie.

Urodzony 25 listopada 1966 roku w Radomiu, syn malarza Adama Roskowińskiego. Absolwent PWSSP w Gdańsku (1990), doktor sztuk pięknych. Jest pomysłodawcą pierwszego w Polsce Festiwalu Malarstwa Monumentalnego w Gdańsku (1997) oraz założycielem Gdańskiej Szkoły Muralu, która wyznaczyła nowy kierunek dla polskiej sztuki ściennej. Odznaczony m.in. prestiżową nagrodą Splendor Gedanensis (2011) oraz Srebrnym Krzyżem

Zasługi (2020).W ostatnich latach twórczość Rafała Roskowińskiego koncentruje się na unikatowej akwareli, tworzonej wyłącznie w autorskiej technice i dostępnej jedynie w obiegu kolekcjonerskim.

Jego prace charakteryzują się: wyrazistą, nasyconą kolorystyką, rozpoznawalnym stylem kompozycyjnym, monumentalnym myśleniem o formie, mimo kameralnego medium, połączeniem doświadczenia muralisty z subtelnością klasycznej akwareli.


Twórczość Rafała Roskowińskiego stanowi unikalne połączenie sztuki monumentalnej i kolekcjonerskiej — to dzieła o wysokiej wartości artystycznej i inwestycyjnej, reprezentujące jeden z najważniejszych nurtów polskiej sztuki współczesnej.

Ekspresyjne dzieło sakralne wykonane charakterystyczną techniką GRUBEJ SZPACHLI, w której farba buduje niemal rzeźbiarską strukturę powierzchni. Dynamiczne, wyraźne nawarstwienia impastu tworzą intensywną, trójwymiarową fakturę, sprawiając, że obraz posiada silny efekt reliefu i materialności.
Forma malarska nawiązuje do ekspresji znanej z twórczości Vincenta van Gogha, zachowując jednocześnie autorski styl artysty. Centralna postać Chrystusa została ukazana we wnętrzu historycznej cerkwi św. Paraskewy w Nowicy – miejscu o wyjątkowym znaczeniu duchowym i kulturowym.
Żywa materia farby, rytmiczne pociągnięcia szpachli oraz intensywna gra światła i cienia nadają kompozycji dramatyzm, głębię i kontemplacyjny charakter, łącząc temat sacrum z nowoczesnym, ekspresyjnym językiem malarskim.

Charakter pracy: UNIKAT – wykonany ręcznie
Styl: ekspresyjny, silna faktura, strukturalna powierzchnia

Tematyka: sakralna – Chrystus, architektura cerkiewna Krzysztof Kargol – A (ur. 1974 w Zabrzu) to polski malarz współczesny, autodidakta, który swoją artystyczną drogę uczynił świadomą podróżą serca i wyrazu indywidualnego. Początkowo związany z karierą w biznesie oraz zarządzaniem, po latach pracy w korporacjach zdecydował się podążać za powołaniem i całkowicie poświęcić twórczości artystycznej. Artysta jest współzałożycielem grupy artystycznej VIA – Volna Inicjatywa Artystyczna i prowadzi własne studio w Józefosławiu pod Warszawą. W swojej pracy realizuje zarówno duże formaty malarskie w pracowni, jak i mniejsze prace alla prima w plenerze, co daje jego twórczości różnorodność stylistyczną i techniczną.Język i tematyka twórczości

Dzieła Kargola cechuje refleksyjny, kolorowy i pogodny charakter, który pozostawia widzowi szeroką przestrzeń do własnej interpretacji. W jego malarstwie często pojawiają się motywy:ludzi i portretów, ukazanych z wnikliwością emocjonalną;natura, jej cykle i trwanie, będąca ważnym elementem ludzkiego doświadczenia;krajobrazy i sceny codzienne, zarówno w dużych formatach, jak i niewielkich miniaturach;akcenty związane z kulturą i inspiracjami historycznymi, szczególnie średniowieczem i sztuką dawną (wg niektórych wypowiedzi artysty).Technika i stylMalarstwo Kargola wyróżnia się bogatą strukturą farby – artysta wykorzystuje często grubą warstwę nałożonego medium, silny impast i intensywną paletę kolorów. To podejście nadaje pracom dużą fakturalność i głębię, przyciągając widza do eksploracji zarówno tematu, jak i samej materii obrazu.Realizacje i obecność na rynku aukcyjnymTwórczość artysty jest prezentowana w galeriach i pojawia się na aukcjach sztuki, gdzie jego obrazy osiągały różne wyniki sprzedażowe — od mniejszych kwot do kilkuset euro za poszczególne prace, co świadczy o zainteresowaniu kolekcjonerów i rynku sztuki współczesnej.PodsumowanieKrzysztof Kargol to artysta, który poprzez malarstwo stara się wyrazić własne emocje, relacje z naturą i człowiekiem, łącząc wrażliwość refleksyjną z żywą kolorystyką i bogatą fakturą. Jego dzieła zapraszają do osobistej interpretacji i tworzą szeroką przestrzeń do dialogu między artystą a odbiorcą.

Subtelna, symboliczna kompozycja inspirowana estetyką współczesnej ikony. Uproszczone sylwetki anielskie o wyraźnie zaznaczonych, złoconych nimbach wyłaniają się z wielowarstwowej materii malarskiej, budując nastrój skupienia i duchowej kontemplacji. Praca reprezentuje nurt nowoczesnej ikony typu „cienie” – formy niezwykle rzadkiej i wyjątkowej na rynku sztuki sakralnej.
Ikona powstaje na płótnie, w które wklejane są autentyczne fragmenty dawnych płócien pochodzących z renowacji historycznych kościołów i cerkwi. Autorka, będąca doktorem konserwacji zabytków, pozyskuje je za zgodą i z błogosławieństwem osób duchownych, z poszanowaniem ich pierwotnego, sakralnego przeznaczenia. Nadaje to dziełu szczególny duchowy wymiar „obrazu z duszą” – już wcześniej obecnego w przestrzeni modlitwy i liturgii, a więc symbolicznie „obmodlonego”.
Całość została oprawiona w unikatowe, welurowe, pozłacane passe-partout oraz klasyczną złotą ramę, które harmonijnie podkreślają sakralny charakter kompozycji oraz jej trójwymiarową, reliefową strukturę.
Dochód z zakupu obrazu przeznaczony jest na renowację cerkwi w Baligrodzie – artystka aktywnie wspiera prace konserwatorskie, przekazując środki ze sprzedaży swoich dzieł na ten cel.


Małgorzata Dawidiuk (ur. 1967)

Obraz / Art Print – ikona współczesna

Prezentowane dzieło autorstwa Małgorzaty Dawidiuk – jednej z najbardziej cenionych współczesnych ikonopisarek w Polsce – stanowi wyjątkowe połączenie tradycji ikony bizantyjskiej z autorską, nowoczesną interpretacją malarską.

Artystka urodziła się w 1967 roku w Wisznicach na Podlasiu. W 1994 roku ukończyła Akademię Sztuk Pięknych im. I. E. Repina w Petersburgu, na Wydziale Malarstwa i Konserwacji, w specjalizacji ikona – jednej z najbardziej wymagających i prestiżowych ścieżek artystycznych. Jest założycielką i prowadzącą pracownię konserwatorsko-artystyczną „IKOS”.

Małgorzata Dawidiuk jest autorką licznych realizacji sakralnych: ikon, ikonostasów i polichromii, m.in. w Chołowicach k. Krasiczyna, Koszalinie, Krynicy, Olsztynie, Zamienicach k. Legnicy oraz w Niagou na Słowacji. Jest także współautorką malowideł ściennych w Kaplicy Sanktuarium Miłosierdzia Bożego w Krakowie-Łagiewnikach. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i muzealnych w Polsce oraz za granicą.

Twórczość artystki wyrasta z dwóch źródeł:
– wieloletniej praktyki konserwatora dzieł sztuki sakralnej,
– głębokiego zakorzenienia w kanonie ikony.

Początkowo artystka tworzyła wierne kopie i trawestacje dawnych ikon, zachowując ścisłe zasady „pisania” świętych wizerunków – wraz z duchowym przygotowaniem i poszanowaniem tradycji teologicznej. Z czasem kanon stał się dla niej punktem wyjścia, a nie ograniczeniem – ustępując miejsca autorskiej inwencji i współczesnej formie wyrazu.

Szczególne miejsce w jej dorobku zajmują ikony-cienie oraz późniejsze realizacje na płótnie, w których fragmenty oryginalnych, starych płócien – odnajdywane podczas prac konserwatorskich w cerkwiach – zostają naklejone na nowy blejtram. Są to autentyczne relikty dawnych świątyń, niosące w sobie pamięć miejsca, modlitwy i historii. Z pojedynczych postaci wyłaniają się tu wielowątkowe sceny figuralne, budujące narrację na pograniczu sacrum i współczesnej wrażliwości.

Artystka łączy mistrzostwo warsztatowe, doświadczenie konserwatorskie i zaplecze akademickie – po studiach w Petersburgu uzyskała stopień doktora sztuki na Uniwersytecie Technologiczno-Humanistycznym w Radomiu, co potwierdza jej wysoką pozycję zarówno jako twórcy, jak i badacza ikonografii.


Wartość kolekcjonerska i społeczna

Zakup prezentowanego obrazu lub certyfikowanego Art Printu to nie tylko inwestycja w dzieło uznanej artystki, ale również realne wsparcie dla dziedzictwa kulturowego.

Nastrojowy, pełen światła pejzaż górski autorstwa Renaty Siewierskiej, wykonany w charakterystycznej dla artystki technice olejnej z wykorzystaniem szpachli, tworzącej wyraźną, grubą strukturę malarską. Obraz przedstawia rozświetloną słońcem przestrzeń górskiego krajobrazu, w której ciepłe barwy złotych pól kontrastują z chłodnymi tonami błękitnego nieba i monumentalnych szczytów w oddali.

Na pierwszym planie widoczna jest bogata faktura kwiatów i traw budowana grubą warstwą farby olejnej, co nadaje kompozycji wyjątkową plastykę i niemal rzeźbiarski charakter. Dynamiczne pociągnięcia szpachli sprawiają, że powierzchnia obrazu żyje światłem i zmienia się w zależności od kąta patrzenia. Malarska materia tworzy intensywny efekt przestrzenności i głębi, podkreślony przez szerokie, ekspresyjne ujęcie krajobrazu.

Centralną część kompozycji wypełnia rozległa, słoneczna polana, przez którą podążają dwie niewielkie postacie, wprowadzające do obrazu element narracji i poczucie wędrówki. Po prawej stronie kompozycję zamyka ekspresyjnie ukazane drzewo o dynamicznie skręconym pniu, stanowiące mocny akcent kompozycyjny i wizualną przeciwwagę dla górskiego horyzontu.

Praca została wykonana na grubym, sześciocentymetrowym podobraziu 3D, co nadaje jej nowoczesny i przestrzenny charakter. Boki obrazu są starannie zamalowane z każdej strony, dzięki czemu dzieło stanowi kompletną, zamkniętą formę i może być eksponowane bez dodatkowej oprawy, prezentując się niezwykle efektownie bezpośrednio na ścianie.

Obraz wyróżnia się bardzo grubą, reliefową strukturą farby olejnej nakładanej szpachlą, co stanowi znak rozpoznawczy twórczości artystki i nadaje pracy wyjątkową energię oraz wyrazistość.

To oryginalna i wyjątkowo dekoracyjna praca malarska, łącząca ekspresję koloru, światła i materii z nastrojem spokojnego pejzażu – idealna zarówno do nowoczesnych, jak i klasycznych wnętrz.


Renata Siewierska

Jest malarką związaną z Lublinem, tworzącą w ramach współczesnego malarstwa figuratywnego z wyraźnym naciskiem na nastrojowość, światło i emocjonalną głębię obrazu. Jej prace wyróżniają się subtelną wrażliwością kolorystyczną, harmonijną kompozycją oraz indywidualnym językiem wypowiedzi malarskiej.

Twórczość artystki koncentruje się na człowieku, atmosferze chwili i relacji przestrzeni z formą. Jej obrazy oddziałują poprzez świadome zestawienia barw i światła, prowadząc widza w obszar refleksji bardziej indywidualnej niż narracyjnej. Faktura i struktura powłoki malarskiej są ważnym elementem kompozycji — Siewierska świadomie poszukuje równowagi pomiędzy materią farby a sugestią znaczenia, unikając dosłowności na rzecz wrażeniowej obecności obrazu.

Uwaga:
Istnieje możliwość zakupu pozostałych trzech prac artystki, które tworzą z prezentowanym obrazem spójną serię / 4 obrazów CZTERY PORY ROKU ( ZAŁACZONE OSTATNIE ZDJĘCIE )

Prace te dostępne są w Galerii, a ich zestawienie tworzy niezwykle efektowną, dekoracyjną całość, idealnie prezentującą się jako większa kompozycja na ścianie.


Cztery Pory Roku” – Wiosna / Kardynał Szkarłatny

Pierwsza praca z wyjątkowego cyklu „Cztery Pory Roku”, przedstawiającego majestatyczne ptaki ukazane w zmieniającej się aurze natury, stanowi niezwykle efektowne otwarcie całej serii.

Centralnym bohaterem kompozycji jest kardynał szkarłatny – jeden z najbardziej rozpoznawalnych i symbolicznych ptaków świata, utożsamiany z energią, odrodzeniem, siłą życia oraz nadzieją. Artysta uchwycił go w dynamicznym, niemal triumfalnym geście rozpostartego skrzydła, dzięki czemu obraz emanuje ruchem, lekkością i niezwykłą ekspresją.

Na tle soczystej, zielonej scenerii budzącej się do życia natury, intensywna czerwień ptaka tworzy spektakularny kontrast, przyciągając wzrok i nadając dziełu wyjątkowej siły wizualnej. Subtelne rozbryzgi farby, bogata faktura oraz swobodna, nowoczesna technika malarska sprawiają, że obraz łączy realizm z artystyczną świeżością.

Symbolika dzieła

Wiosna – przebudzenie, nowy początek, energia natury
Kardynał – pasja, miłość, siła duchowa
Czerwień – życie, emocje, wyrazistość
Rozpostarte skrzydło – wolność, rozwój, transformacja
Walory kolekcjonerskie

To nie tylko samodzielne, wyjątkowe dzieło dekoracyjne, ale również część większego, limitowanego cyklu, którego pełna seria obejmuje cztery obrazy symbolizujące kolejne sezony roku.

Po zakończeniu aukcji istnieje możliwość zakupu pozostałych trzech prac z serii, tworząc kompletną, niezwykle atrakcyjną kolekcję o wysokim potencjale dekoracyjnym i inwestycyjnym.

Dlaczego warto

„Cztery Pory Roku” to cykl, który:
doskonale prezentuje się jako pojedyncze dzieło,

zyskuje jeszcze większą wartość jako pełna seria,
łączy naturę, symbolikę i nowoczesne malarstwo,
stanowi idealną propozycję dla kolekcjonerów oraz miłośników eleganckich, wyrazistych wnętrz.

To wyjątkowa okazja, by rozpocząć kolekcję od pierwszego obrazu serii i zyskać możliwość skompletowania całego cyklu.


Khrystyna Hladka to artystka o ugruntowanej pozycji na rynku sztuki, konsekwentnie i świadomie budująca swoją karierę od wielu lat. Absolwentka Architektury Wnętrz na Lwowskiej Akademii Sztuk Pięknych, łączy w swojej twórczości wrażliwość malarską z głębokim rozumieniem przestrzeni, światła i kompozycji.

Pochodząca z Ukrainy, obecnie mieszka i tworzy pod Warszawą – w otoczeniu natury, która stanowi główne źródło jej inspiracji. Przepiękne krajobrazy i obecność ptactwa sprawiają, że jej twórczość wyrasta z autentycznej obserwacji świata – tak jak u dawnych mistrzów czerpiących bezpośrednio z natury.


Artystka obecna wyłącznie w najlepszych galeriach

Prace Khrystyna Hladka znajdują się w najbardziej prestiżowych galeriach w Polsce i za granicą. Jej obrazy dostępne są wyłącznie poprzez renomowane galerie sztuki – co dodatkowo podkreśla ich rangę kolekcjonerską.

Jest artystką niezwykle rozchwytywaną – większe formaty powstają ponad miesiąc, dlatego liczba prac dostępnych w ciągu roku jest bardzo ograniczona. To sprawia, że zakup jej obrazu jest wydarzeniem, a nie codzienną transakcją. Każde dzieło to efekt czasu, skupienia i perfekcyjnego dopracowania detalu.


Dynamiczny rozwój i fenomenalny potencjał inwestycyjny

Jednym z najbardziej zauważalnych aspektów jej kariery jest dynamiczny potencjał rozwojowy. Z roku na rok wyraźnie widać postęp w sposobie przedstawiania formy, operowaniu światłem oraz budowaniu głębi kompozycji.

Jej warsztat staje się coraz bardziej dojrzały, a jednocześnie zachowuje świeżość i artystyczną odwagę. Ewolucja stylu, coraz większa precyzja realistyczna oraz konsekwentne budowanie rozpoznawalnej estetyki stanowią rewelacyjny i fenomenalny prognostyk na przyszłość.

Dla kolekcjonerów oznacza to nie tylko obcowanie z wysoką jakością artystyczną, ale również realny potencjał wzrostu wartości prac w kolejnych latach.


Mistrzyni realistycznych przedstawień ptaków

Centralnym motywem jej twórczości są ptaki – zarówno majestatyczne pawie symbolizujące królewskość i nieśmiertelność, jak i gatunki zamieszkujące polski krajobraz.

Artystka wychowała się na wsi, w naturalnym otoczeniu przyrody, co dało jej wyjątkową wrażliwość na subtelność ruchu, strukturę piór i charakter ptasich sylwetek. Jej prace cechuje hiperrealistyczna precyzja, głębia spojrzenia oraz doskonałe operowanie światłem.

Szczególnie charakterystyczne są zestawienia kolorystyczne – złoto i granat, które wprowadzają do kompozycji nutę luksusu i ponadczasowej elegancji.


Podróże jako źródło koloru i energii

Liczne podróże – zwłaszcza do dzikich i autentycznych zakątków Azji – stanowią dla niej niewyczerpane źródło inspiracji. Różnorodność kultur, światła i pejzaży przekłada się na bogactwo barw oraz głębię emocjonalną jej prac.

To właśnie doświadczenie świata sprawia, że jej obrazy są nie tylko realistyczne, ale również nasycone historią i wewnętrzną narracją.


Siła i subtelność kobiecej natury

Jako kobieta artystka często wplata w swoje kompozycje motyw siły i delikatności kobiecej natury. W jej rozumieniu kobiecość to synteza subtelności i determinacji – harmonijne połączenie miękkości i wewnętrznej mocy.

Malując, przekazuje emocje trudne do wyrażenia słowami. Tworzy z energią i radością, wierząc, że pozytywna wibracja przenika każdą linię, fakturę i kolor jej dzieła.


Sztuka, która łączy naturę, elegancję i kolekcjonerską wartość

Twórczość Khrystyna Hladki to połączenie nowoczesnej elegancji, architektonicznej świadomości przestrzeni oraz głębokiego zakorzenienia w naturze. Jej obrazy nie są jedynie dekoracją – stanowią wyraz dojrzałej, konsekwentnej drogi artystycznej oraz świadomej pracy nad jakością i detalem.

To propozycja dla kolekcjonerów ceniących:
unikalność i ograniczoną dostępność,
najwyższy poziom warsztatu realistycznego,
prestiż galerii reprezentujących artystkę,
dynamiczny rozwój i wyraźny potencjał wzrostu wartości,
ponadczasową estetykę inspirowaną naturą.


Khrystyna Hladka to nazwisko, które coraz mocniej zaznacza swoją obecność w świecie współczesnego malarstwa – subtelnie, ale zdecydowanie, z bardzo obiecującą przyszłością.

Subtelna i pełna ekspresji akwarela autorstwa Tatiany Majewskiej – artystki specjalizującej się w przedstawieniach baletnic. Jej prace wyróżnia niezwykła lekkość formy, swoboda pociągnięcia pędzla oraz umiejętność uchwycenia ruchu i ulotności chwili. Delikatna paleta barw oraz oszczędna kompozycja nadają scenie poetycki, niemal eteryczny charakter.
Praca została profesjonalnie oprawiona w eleganckie, ręcznie wycinane passe-partout, które subtelnie podkreśla kompozycję oraz w klasyczną czarną ramę, idealnie eksponując walory artystyczne dzieła. Całość prezentuje się wyjątkowo estetycznie i jest gotowa do zawieszenia.
Dzieło stanowi doskonałą propozycję dla miłośników baletu, sztuki współczesnej oraz kolekcjonerów akwareli o wysokich walorach estetycznych.


Tatiana Majewska – urodziła się w 1961 r. w Rosji w Joszkar – Olińskiej Republice Autonomicznej Marij – Eł (Powołże). Jest absolwentką Akademickiej Szkoły Artystycznej w Joszkar – Ole (1997 – 1981) oraz Omskiego Instytutu Sztuki w Omsku na Syberii (1982 – 1987), gdzie otrzymała dyplom magistra sztuk. Od 20 lat mieszka w Polsce, gdzie tworzy w technice olejnej i akwarelowej. Maluje portrety, akty, sceny rodzajowe, pejzaże, kwiaty, martwą naturę. Uczestniczy w wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. Zajmowała się konserwacją zabytków. Pracowała m. in. w zespole konserwatorów zajmujących się renowacją w: Archikatedrze w Lublinie, Bazylice w Krakowie, Klasztorze na Jasnej Górze oraz wielu innych. Jej obrazy doceniane są przez kolekcjonerów na całym świecie, m. in. w USA, Rosji, Niemczech i Polsce. Artystka należy do Związku Polskich Artystów Plastyków Okręgu Warszawskiego oraz Stowarzyszenia Akwarelistów Polskich.

Malarstwo Tatiany Majewskiej to furtka do tajemniczego świata, to nagość która nie zawstydza; to zmysłowość; to ruch zaklęty w płótnie. Przedstawione kobiety, otulone światłocieniem przedstawiają obraz subtelny ale i bezkompromisowy. Artystka sięga po realizm, wprowadzając odbiorcę w metafizyczny, tajemniczy świat Świat, wciąż obecny obok nas, a jednak daleki i fantastyczny.



Najważniejsze wystawy indywidualne i zbiorowe:

2012 r. | Związek Polskich Artystów Plastyków | Gdańsk, Polska
2014 r. | Galeria Spiegel
2014 | Minden, Niemcy2015 r. | Związek Polskich Artystów Plastyków | Warszawa, Polska
2016 r. | RONiK | Praga, Czechy

2017 r. | 19th European Watercolour Exhibition | Avignon, Francja
2017 r. | Wystawia SAP | Haldensleben, Niemcy
2017 r. | Fabriano in AQUARELLO | Fabriano, Włochy

2018 r. | 21 ECWS European Watercolour | Kraków, Polska
2018 r. | 5 Biennale d Aquarelle du Bassin d Arkachon | Francja
2019 r. | Galeria ATTYKA | Kazimierz Dolny, Kraśnik, Janów Lubelski

2019 r. | Przestrzeń transgraniczna w sztuce | Rosja, Moskwa | Włochy, Fabriano | Polska, Pałac Zamojskich w Kozłówce
2020 r. | Aigullon Festival International | Francja
2020 r. | IX Międzynarodowy Festiwal Brunona Schulza | Ukraina, Drohobycz


2020 r. | Wystawy online: 2nd Universal Watercolour Exposition, Step by Step - international watercolor art competition | Moskwa 2020 r. | Magie des lichts- aquarellen malerei galerie Spiegel Barbara J.Warcholek Minden | Germany2021 r. | 6 Biennale d Arcachon | Francja

Prezentowany obraz pt. „Wyścig” stanowi dynamiczną, figuratywną i monumentalną kompozycję ukazującą galopujące konie w pełnym pędzie – symbol siły, rywalizacji, wolności i nieokiełznanej energii.

Artysta buduje formę przy pomocy szerokich, zdecydowanych pociągnięć pędzla oraz wyraźnej faktury farby, osiągając efekt intensywnego ruchu i napięcia kompozycyjnego. Sylwetki zwierząt przenikają się i nakładają, tworząc zwartą, rytmiczną strukturę, która niemal „wychodzi” w stronę widza.

Kolorystyka obrazu oparta jest na ciepłych tonach ochry i złamanych żółci, kontrastujących z dynamicznymi akcentami czerwieni, bieli i szarości, co potęguje wrażenie szybkości oraz dramatyzmu sceny. Tło zostało zbudowane syntetycznie, bez dosłownego pejzażu, dzięki czemu cała uwaga skupia się na ekspresji ruchu i napięciu między postaciami koni.

Dzieło jest przykładem dojrzałego stylu artysty, w którym realistyczne przedstawienie formy łączy się z malarską ekspresją i silnym gestem, charakterystycznym dla jego twórczości animalistycznej.

Autentyczność pracy potwierdzają fotografie wykonane bezpośrednio w pracowni artysty.
Ceny porównywalnych prac Krzysztofa Jarockiego osiągały na rynku poziom do 30 000 zł.

Prawdziwa gratka dla kolekcjonerów malarstwa Krzysztofa Jarockiego oraz miłośników sztuki figuratywnej i animalistycznej.

Krzysztof Jarocki (ur. 1959) – polski malarz, rysownik i rzeźbiarz, jeden z najbardziej rozpoznawalnych współczesnych twórców animalistyki w Polsce. Od lat konsekwentnie rozwija temat konia jako symbolu energii, wolności i ruchu.

Polska epopeja z narodowa ze słynnymi, wielokrotnie nagradzanymi ilustracjami malarza i rzeźbiarza Józefa Wilkonia, który plamą barwną i fantazyjną kreską powołuje do życia świat Pana Tadeusza. Artysta nie odtworzył treści dzieła, zilustrował natomiast romantyczny krajobraz dzieciństwa poety: wielkie drzewa i bujna roślinność, w której niemal giną ludzie i zwierzę ń poprzez swoje grafiki rzuca nowe światło na odczytanie utworu nasyca go ironią oraz mroczną atmosferą, pełną niepewności i tęsknoty. Pozycja znana ze szkolnego kanonu zyskuje odmienną perspektywę, wartą (być może wielokrotnej) lektury. Edycja zaprojektowana przez wybitnego grafika, Janusza Górskiego, profesora Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku, kierownika Pracowni Projektowania Graficznego.

Unikatowy obiekt rzeźbiarski z ceramiki artystycznej, oprawiony w American Box w odcieniu miedzi. Centralnym motywem kompozycji jest twarz wykonana na bazie bezpośredniego odlewu ludzkiej twarzy, następnie ręcznie opracowana i wypalana w wysokiej temperaturze.
Zróżnicowana faktura oraz widoczne ślady pracy artystycznej nadają formie wyraz surowej ekspresji. Praca balansuje między realizmem a formą symboliczną, podejmując refleksję nad tożsamością i śladem obecności człowieka.
Obiekt w pełni autorski, przeznaczony do ekspozycji ściennej. Sylwia Walania (ur. 1995)

Sylwia Walania – rzeźbiarka, ceramiczka i rysowniczka – urodzona w 1995 roku w Leżajsku. Absolwentka Wydziału Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz historii sztuki na Uniwersytecie Jagiellońskim. W 2020 roku ukończyła studia z wyróżnieniem, otrzymując Medal Rektora ASP, a jej praca dyplomowa powstała w pracowni prof. Karola Badyny. Wcześniej, w roku akademickim 2017/2018, była stypendystką Rektora ASP.

Artystka brała udział w licznych plenerach, konkursach i wystawach w Polsce, zdobywając m.in. nagrodę w konkursie Współczesna transpozycja dzieła Konstantego Laszczki (2016). W 2021 roku zaprezentowała indywidualną wystawę w Miejskim Centrum Kultury w Leżajsku, a miesiąc później zdobyła Grand Prix w II Międzynarodowym Konkursie i Wystawie Sztuki Współczesnej Quadriennale Betesda.

Twórczość Sylwii Walanii obejmuje ceramikę, małą formę rzeźbiarską oraz rysunek. W swoich pracach łączy realizm z abstrakcją, poszukując indywidualnego języka ekspresji i nowych sposobów opowiadania o ludzkiej duchowości, doświadczeniach oraz współczesnej wrażliwości. Ważnym elementem jej sztuki jest dialog z historią i tradycją – nie po to, by ją powtarzać, lecz by ją przetwarzać na nowo, w zgodzie z własną wyobraźnią i emocjonalnością.

Jak sama podkreśla:
„Nie ważne, że coś zostało powiedziane wielokrotnie, ważne, że za każdym razem można powiedzieć to inaczej."


Właśnie ta postawa – ciekawość formy, szacunek do przeszłości i odwaga w poszukiwaniu własnych rozwiązań – wyznacza kierunek jej sztuki.

Opis dzieła

To niezwykle poetycka i emocjonalna kompozycja, która natychmiast przywołuje skojarzenia z ponadczasową historią „Małego Księcia” – opowieścią o dziecięcej wrażliwości, przyjaźni i zachwycie nad światem. Artystka buduje tutaj obraz oparty nie na realistycznym detalu, lecz na emocji, świetle i kolorze, dzięki czemu dzieło działa na widza intuicyjnie i bardzo bezpośrednio.

Centralną część kompozycji zajmuje sylwetka chłopca oraz siedzącego obok lisa – symbolu lojalności, zaufania i wyjątkowej więzi. Oboje spoglądają ku rozświetlonemu, niemal magicznemu kręgowi gwiazd, który tworzy wokół nich aurę przypominającą portal do świata wyobraźni i marzeń.

Największym atutem obrazu jest jego niezwykle malarska faktura. Grube, dynamiczne impasty budują światło oraz ruch kompozycji, a wyraźne ślady szpachli i pędzla nadają pracy autentyczności oraz energii. Intensywne błękity kontrastujące ze złotymi i pomarańczowymi akcentami tworzą efekt niemal świecącego nocnego nieba. Dzięki temu obraz zmienia się w zależności od światła i odległości oglądania — z bliska zachwyca strukturą farby, z dalszej perspektywy buduje niezwykle ciepły, baśniowy klimat.

To dzieło, które mimo kameralnej i subtelnej narracji posiada bardzo nowoczesny, dekoracyjny charakter. Doskonale odnajdzie się zarówno we współczesnych wnętrzach premium, jak i przestrzeniach bardziej klasycznych, wprowadzając atmosferę spokoju, nostalgii oraz dziecięcej wyobraźni.

Obraz posiada wyjątkowo kolekcjonerski charakter — łączy emocjonalną narrację z modnym, ekspresyjnym malarstwem strukturalnym, które obecnie cieszy się ogromnym zainteresowaniem na rynku sztuki współczesnej.

Atuty pracy:
• wyrazista, gruba struktura farby i dynamiczne impasty
• niezwykle dekoracyjna kolorystyka oparta na kontraście granatu i złota
• subtelna symbolika inspirowana światem „Małego Księcia”
• silny efekt świetlny i emocjonalny odbiór obrazu
• nowoczesna, bardzo efektowna forma malarska
• idealna propozycja zarówno do kolekcji prywatnej, jak i eleganckiego wnętrza premium

Andżelika Kucharska to artystka wywodząca się z malowniczych Bieszczad — krainy ciszy, światła i mistyki, które stały się fundamentem jej rozpoznawalnego stylu malarskiego. Jej twórczość, inspirowana dziką naturą oraz kontemplacyjną obserwacją codzienności, przyciąga coraz szersze grono kolekcjonerów i odbiorców w mediach społecznościowych.

Artystka buduje silną obecność na Instagramie i Facebooku, gdzie jej prace osiągają wysokie zasięgi, a każda nowa publikacja spotyka się z żywą reakcją odbiorców. Jej obrazy cechuje subtelne połączenie impresjonistycznej wrażliwości z osobistą narracją emocjonalną. Lekka, dynamiczna plama barwna oraz umiejętna gra światła i cienia nadają kompozycjom ulotność i poetycką głębię.

W jej twórczości pojawiają się motywy zwierząt, pejzaży i scen codziennych — od spokojnie pasących się owiec po śpiącego lisa — które stają się metaforą harmonii pomiędzy człowiekiem a naturą. Stonowana paleta barw oraz wyczuwalna melancholia budują intymny, kontemplacyjny klimat, który sprawia, że obrazy Andżeliki Kucharskiej nie tylko się ogląda, ale się je przeżywa.

Jej prace regularnie pojawiają się na aukcjach największych polskich domów aukcyjnych, m.in. DESA Unicum oraz Artbidy, gdzie spotykają się z bardzo dużym zainteresowaniem licytujących. Ostatnia aukcja zakończyła się przebiciem ceny wywoławczej ponad dziesięciokrotnie, co potwierdza wysoką wartość rynkową oraz dynamicznie rosnący popyt na jej twórczość.


Twórczość artystki wyróżnia się wysoką wartością przebiciową, co czyni jej prace atrakcyjnym wyborem zarówno dla kolekcjonerów prywatnych, jak i inwestorów rynku sztuki. Połączenie autentyczności, rozpoznawalnego stylu oraz silnej obecności medialnej sprawia, że obrazy Andżeliki Kucharskiej konsekwentnie zyskują na znaczeniu w obiegu aukcyjnym i kolekcjonerskim.