Subtelna, symboliczna kompozycja inspirowana estetyką współczesnej ikony. Uproszczone sylwetki anielskie o wyraźnie zaznaczonych, złoconych nimbach wyłaniają się z wielowarstwowej materii malarskiej, budując nastrój skupienia i duchowej kontemplacji. Praca reprezentuje nurt nowoczesnej ikony typu „cienie” – formy niezwykle rzadkiej i wyjątkowej na rynku sztuki sakralnej.

Ikona powstaje na płótnie, w które wklejane są autentyczne fragmenty dawnych płócien pochodzących z renowacji historycznych kościołów i cerkwi. Autorka, będąca doktorem konserwacji zabytków, pozyskuje je za zgodą i z błogosławieństwem osób duchownych, z poszanowaniem ich pierwotnego, sakralnego przeznaczenia. Nadaje to dziełu szczególny duchowy wymiar „obrazu z duszą” – już wcześniej obecnego w przestrzeni modlitwy i liturgii, a więc symbolicznie „obmodlonego”.

Całość została oprawiona w unikatowe, welurowe, pozłacane passe-partout oraz klasyczną złotą ramę, które harmonijnie podkreślają sakralny charakter kompozycji oraz jej trójwymiarową, reliefową strukturę.

Dochód z zakupu obrazu przeznaczony jest na renowację cerkwi w Baligrodzie – artystka aktywnie wspiera prace konserwatorskie, przekazując środki ze sprzedaży swoich dzieł na ten cel.


Małgorzata Dawidiuk (ur. 1967)

Prezentowane dzieło autorstwa Małgorzaty Dawidiuk – jednej z najbardziej cenionych współczesnych ikonopisarek w Polsce – stanowi wyjątkowe połączenie tradycji ikony bizantyjskiej z autorską, nowoczesną interpretacją malarską.

Artystka urodziła się w 1967 roku w Wisznicach na Podlasiu. W 1994 roku ukończyła Akademię Sztuk Pięknych im. I. E. Repina w Petersburgu, na Wydziale Malarstwa i Konserwacji, w specjalizacji ikona – jednej z najbardziej wymagających i prestiżowych ścieżek artystycznych. Jest założycielką i prowadzącą pracownię konserwatorsko-artystyczną „IKOS”.

Małgorzata Dawidiuk jest autorką licznych realizacji sakralnych: ikon, ikonostasów i polichromii, m.in. w Chołowicach k. Krasiczyna, Koszalinie, Krynicy, Olsztynie, Zamienicach k. Legnicy oraz w Niagou na Słowacji. Jest także współautorką malowideł ściennych w Kaplicy Sanktuarium Miłosierdzia Bożego w Krakowie-Łagiewnikach. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i muzealnych w Polsce oraz za granicą.

Twórczość artystki wyrasta z dwóch źródeł:
– wieloletniej praktyki konserwatora dzieł sztuki sakralnej,
– głębokiego zakorzenienia w kanonie ikony.

Początkowo artystka tworzyła wierne kopie i trawestacje dawnych ikon, zachowując ścisłe zasady „pisania” świętych wizerunków – wraz z duchowym przygotowaniem i poszanowaniem tradycji teologicznej. Z czasem kanon stał się dla niej punktem wyjścia, a nie ograniczeniem – ustępując miejsca autorskiej inwencji i współczesnej formie wyrazu.

Szczególne miejsce w jej dorobku zajmują ikony-cienie oraz późniejsze realizacje na płótnie, w których fragmenty oryginalnych, starych płócien – odnajdywane podczas prac konserwatorskich w cerkwiach – zostają naklejone na nowy blejtram. Są to autentyczne relikty dawnych świątyń, niosące w sobie pamięć miejsca, modlitwy i historii. Z pojedynczych postaci wyłaniają się tu wielowątkowe sceny figuralne, budujące narrację na pograniczu sacrum i współczesnej wrażliwości.

Artystka łączy mistrzostwo warsztatowe, doświadczenie konserwatorskie i zaplecze akademickie – po studiach w Petersburgu uzyskała stopień doktora sztuki na Uniwersytecie Technologiczno-Humanistycznym w Radomiu, co potwierdza jej wysoką pozycję zarówno jako twórcy, jak i badacza ikonografii.


Wartość kolekcjonerska i społeczna

Zakup prezentowanego obrazu lub certyfikowanego Art Printu to nie tylko inwestycja w dzieło uznanej artystki, ale również realne wsparcie dla dziedzictwa kulturowego.

Subtelna, symboliczna kompozycja inspirowana estetyką współczesnej ikony. Uproszczone sylwetki anielskie o wyraźnie zaznaczonych, złoconych nimbach wyłaniają się z wielowarstwowej materii malarskiej, budując nastrój skupienia i duchowej kontemplacji. Praca reprezentuje nurt nowoczesnej ikony typu „cienie” – formy niezwykle rzadkiej i wyjątkowej na rynku sztuki sakralnej.

Ikona powstaje na płótnie, w które wklejane są autentyczne fragmenty dawnych płócien pochodzących z renowacji historycznych kościołów i cerkwi. Autorka, będąca doktorem konserwacji zabytków, pozyskuje je za zgodą i z błogosławieństwem osób duchownych, z poszanowaniem ich pierwotnego, sakralnego przeznaczenia. Nadaje to dziełu szczególny duchowy wymiar „obrazu z duszą” – już wcześniej obecnego w przestrzeni modlitwy i liturgii, a więc symbolicznie „obmodlonego”.

Całość została oprawiona w unikatowe, welurowe, pozłacane passe-partout oraz klasyczną złotą ramę, które harmonijnie podkreślają sakralny charakter kompozycji oraz jej trójwymiarową, reliefową strukturę.

Dochód z zakupu obrazu przeznaczony jest na renowację cerkwi w Baligrodzie – artystka aktywnie wspiera prace konserwatorskie, przekazując środki ze sprzedaży swoich dzieł na ten cel.


Małgorzata Dawidiuk (ur. 1967)

Obraz – ikona współczesna

Prezentowane dzieło autorstwa Małgorzaty Dawidiuk – jednej z najbardziej cenionych współczesnych ikonopisarek w Polsce – stanowi wyjątkowe połączenie tradycji ikony bizantyjskiej z autorską, nowoczesną interpretacją malarską.

Artystka urodziła się w 1967 roku w Wisznicach na Podlasiu. W 1994 roku ukończyła Akademię Sztuk Pięknych im. I. E. Repina w Petersburgu, na Wydziale Malarstwa i Konserwacji, w specjalizacji ikona – jednej z najbardziej wymagających i prestiżowych ścieżek artystycznych. Jest założycielką i prowadzącą pracownię konserwatorsko-artystyczną „IKOS”.

Małgorzata Dawidiuk jest autorką licznych realizacji sakralnych: ikon, ikonostasów i polichromii, m.in. w Chołowicach k. Krasiczyna, Koszalinie, Krynicy, Olsztynie, Zamienicach k. Legnicy oraz w Niagou na Słowacji. Jest także współautorką malowideł ściennych w Kaplicy Sanktuarium Miłosierdzia Bożego w Krakowie-Łagiewnikach. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i muzealnych w Polsce oraz za granicą.


Twórczość artystki wyrasta z dwóch źródeł:
wieloletniej praktyki konserwatora dzieł sztuki sakralnej,
głębokiego zakorzenienia w kanonie ikony.
Początkowo artystka tworzyła wierne kopie i trawestacje dawnych ikon, zachowując ścisłe zasady „pisania” świętych wizerunków – wraz z duchowym przygotowaniem i poszanowaniem tradycji teologicznej. Z czasem kanon stał się dla niej punktem wyjścia, a nie ograniczeniem – ustępując miejsca autorskiej inwencji i współczesnej formie wyrazu.

Szczególne miejsce w jej dorobku zajmują ikony-cienie oraz późniejsze realizacje na płótnie, w których fragmenty oryginalnych, starych płócien – odnajdywane podczas prac konserwatorskich w cerkwiach – zostają naklejone na nowy blejtram. Są to autentyczne relikty dawnych świątyń, niosące w sobie pamięć miejsca, modlitwy i historii. Z pojedynczych postaci wyłaniają się tu wielowątkowe sceny figuralne, budujące narrację na pograniczu sacrum i współczesnej wrażliwości.

Artystka łączy mistrzostwo warsztatowe, doświadczenie konserwatorskie i zaplecze akademickie – po studiach w Petersburgu uzyskała stopień doktora sztuki na Uniwersytecie Technologiczno-Humanistycznym w Radomiu, co potwierdza jej wysoką pozycję zarówno jako twórcy, jak i badacza ikonografii.


Wartość kolekcjonerska i społeczna

Zakup prezentowanego obrazu lub certyfikowanego Art Printu to nie tylko inwestycja w dzieło uznanej artystki, ale również realne wsparcie dla dziedzictwa kulturowego.

Ta wyjątkowa akwarela przedstawia Warszawę widzianą z niecodziennej perspektywy – jako mozaikę kolorowych kamienic, dachów i ukrytych zaułków, które tworzą tętniącą życiem, a jednocześnie niezwykle malowniczą panoramę miasta. Artysta z niezwykłą lekkością połączył architektoniczną precyzję z miękkością akwareli, dzięki czemu obraz emanuje spokojem, światłem i subtelną elegancją.

Bogata paleta barw, delikatne przejścia tonalne oraz misternie opracowane detale sprawiają, że każdy fragment kompozycji zaprasza do odkrywania kolejnych elementów. Wśród zabudowy można odnaleźć charakterystyczne warszawskie motywy, które przywołują atmosferę Starego Miasta i jego niepowtarzalny klimat.

Duży format pracy pozwala w pełni docenić kunszt wykonania oraz niezwykłą ilość detali, które z bliska zachwycają precyzją, a z dalszej perspektywy tworzą harmonijną, pełną życia panoramę. To dzieło, które doskonale odnajdzie się zarówno w nowoczesnych, jak i klasycznych wnętrzach, stając się ich wyrazistym i eleganckim akcentem.

Akwarela jest propozycją dla miłośników Warszawy, kolekcjonerów oraz osób ceniących oryginalne prace artystyczne o wysokich walorach estetycznych. Łączy w sobie lekkość techniki akwarelowej z dopracowaną kompozycją i ponadczasowym charakterem, dzięki czemu pozostaje dziełem, do którego z przyjemnością wraca się każdego dnia.


Błażej Musiał, tworzący pod pseudonimem Grifeen (ur. 1985), to polski malarz i grafik, którego twórczość wyróżnia się niezwykłym połączeniem architektonicznej precyzji z malarską wrażliwością. Jest absolwentem Uniwersytetu Warmińsko-Mazurskiego w Olsztynie, gdzie ukończył kierunek architektura krajobrazu. Zdobyta wiedza o przestrzeni, kompozycji i proporcjach stała się fundamentem jego charakterystycznego stylu.

Najbardziej rozpoznawalnym nurtem twórczości artysty są autorskie panoramy miast, wykonywane tradycyjną techniką akwareli. Każda praca rozpoczyna się od precyzyjnego szkicu wykonanego piórem, który następnie zostaje ręcznie opracowany kolejnymi warstwami transparentnej akwareli. To klasyczny, niezwykle wymagający proces twórczy, pozwalający zachować wyjątkową lekkość, subtelność przejść tonalnych oraz bogactwo detalu.

Miasta Grifeena nie są wiernym zapisem istniejących miejsc. Artysta kreuje własne, niepowtarzalne przestrzenie – pełne malowniczych kamienic, zaułków, dachów i miejskich detali, które sprawiają wrażenie znajomych, choć powstały wyłącznie w wyobraźni autora. Jego kompozycje balansują pomiędzy realizmem a światem baśni, zapraszając odbiorcę do odkrywania kolejnych historii ukrytych w architekturze.

Znakiem rozpoznawczym prac Błażeja Musiała jest wyjątkowa precyzja rysunku, dynamiczna linia tuszu oraz mistrzowskie wykorzystanie akwareli, która nadaje kompozycjom lekkość, głębię i ponadczasowy charakter. Każde dzieło zachęca do długiego oglądania – z każdą chwilą odkrywając nowe elementy i detale ukryte w miejskim pejzażu.

Twórczość Grifeena cieszy się uznaniem kolekcjonerów poszukujących oryginalnych prac o wysokich walorach artystycznych i dekoracyjnych. Jego akwarele doskonale odnajdują się zarówno w nowoczesnych, minimalistycznych wnętrzach, jak i w klasycznych przestrzeniach, stając się ich wyrazistym, ponadczasowym akcentem.

Autorskie panoramy miast Błażeja Musiała są doskonałym przykładem tego, że tradycyjna technika akwareli – wykonywana ręcznie, z ogromną cierpliwością i dbałością o każdy detal – pozostaje jedną z najbardziej szlachetnych form współczesnego malarstwa.

Prace dostępne w galerii

„Smak czasu” – subtelna podróż między epokami

"Smak czasu 7” została wykonana na podstawie kompozycji Arthura Anokhina – artysty znanego z niezwykle precyzyjnych, hiperrealistycznych przedstawień, w których estetyka dawnych mistrzów spotyka się ze współczesnymi symbolami kultury popularnej.

Centralną postacią kompozycji jest młoda kobieta ubrana w bogatą, historyzującą suknię, nawiązującą do mody XVIII i XIX wieku. Porcelanowa cera, elegancka fryzura, subtelność rysów oraz starannie oddane detale tkaniny budują atmosferę klasycznego portretu.

Ten harmonijny, niemal pałacowy wizerunek zostaje świadomie przełamany elementami współczesności. Butelka popularnego napoju oraz opakowanie frytek tworzą intrygujący kontrast pomiędzy minioną epoką a kulturą codzienną XXI wieku.

Zestawienie z pozoru niepasujących do siebie światów staje się osią całej kompozycji. To opowieść o przemijaniu, zmianie obyczajów i tempie, w jakim współczesność przechodzi do historii. To, co dzisiaj wydaje się zwyczajne i oczywiste, w przyszłości może stać się symbolem naszej epoki – podobnie jak dawne stroje, przedmioty i rytuały są obecnie świadectwem czasów minionych.

„Smak czasu 9” zachwyca bogactwem detali, elegancką kolorystyką oraz niezwykłym połączeniem klasycznego piękna z odważnym, współczesnym przekazem. Kompozycja przyciąga wzrok, a jednocześnie skłania do refleksji nad pamięcią, przemijaniem i zmieniającym się stylem życia.

WYJĄTKOWA OPRAWA

Szczególnym atutem prezentowanej ikonografii jest jej niezwykle efektowna, starannie skomponowana oprawa.

Pracę otacza podwójne, welurowe passe-partout, którego głęboka kolorystyka doskonale współgra z barwami kompozycji. Zastosowanie kontrastujących odcieni weluru nadaje całości elegancji, szlachetności oraz wyrazistego, dekoracyjnego charakteru.

Obydwie warstwy passe-partout zostały osadzone na wysokich, złotych sliperach, dzięki czemu powstał efekt przestrzenności i wieloplanowej głębi. Złote krawędzie subtelnie odbijają światło, elegancko oddzielają poszczególne warstwy oprawy i kierują uwagę widza ku centralnej części pracy.

Całość została umieszczona za szkłem, które zabezpiecza ikonografię i welurowe elementy oprawy, a jednocześnie podkreśla jej galeryjny charakter. Bogato zdobiona rama harmonijnie dopełnia kompozycję, nadając jej elegancji i reprezentacyjnego wyglądu.

Podwójny welur, wysokie złote slipery oraz starannie dobrana rama sprawiają, że praca prezentuje się niezwykle przestrzennie, luksusowo i efektownie.

Ikonografia jest w pełni gotowa do zawieszenia. Doskonale sprawdzi się jako dekoracyjny obraz w eleganckim salonie, gabinecie, bibliotece, restauracji, hotelu lub przestrzeni komercyjnej. To propozycja dla osób poszukujących oryginalnej dekoracji wnętrza, która łączy klasyczne piękno ze współczesnym, inteligentnym przekazem.

Arthur Anokhin

(ur. 1990 w Charkowie w Ukrainie) należy do interesujących przedstawicieli młodego pokolenia artystów figuratywnych. Konsekwentnie rozwija własny język hiperrealistycznego portretu, zakorzenionego w tradycji klasycznego malarstwa europejskiego.

W latach 2009–2015 studiował na Wydziale Malarstwa Monumentalnego Charkowskiej Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki. Wcześniej, w latach 2005–2009, kształcił się w Charkowskiej Szkole Sztuk Pięknych. Jego twórczość wyróżniają: niezwykła precyzja i dbałość o szczegóły, mistrzowskie operowanie światłem i cieniem, subtelność portretowanych postaci,

inspiracje malarstwem dawnych mistrzów,

łączenie klasycznej estetyki ze współczesną kulturą wizualną.

Artysta czerpie inspiracje między innymi z malarstwa holenderskiego, neoklasycyzmu oraz estetyki prerafaelitów. Charakterystycznym elementem jego kompozycji jest zestawianie historyzujących postaci i eleganckich kostiumów z przedmiotami codziennego użytku oraz symbolami współczesnej kultury konsumpcyjnej.

Dzięki temu jego twórczość zyskuje świeży, rozpoznawalny i niezwykle dekoracyjny charakter. Klasyczne piękno spotyka się w niej z nowoczesnym poczuciem humoru i refleksją nad zmieniającym się światem.

Prace Arthura Anokhina znajdują się w kolekcjach prywatnych między innymi w:

Ukrainie, Niemczech, Austrii, Wielkiej Brytanii, Włoszech, Polsce oraz Stanach Zjednoczonych.

Twórczość artysty była prezentowana na międzynarodowym rynku aukcyjnym, między innymi w:

Twórczość Arthura Anokhina po raz pierwszy prezentowana jest na aukcji OneBid w Polsce. Prezentowana ikonografia stanowi atrakcyjne połączenie wysokiej jakości przedstawienia, rozpoznawalnej stylistyki artysty oraz wyjątkowo dekoracyjnej, kolekcjonerskiej oprawy.

To propozycja dla osób poszukujących pracy, która nie tylko zdobi wnętrze, ale również przyciąga uwagę i opowiada historię o spotkaniu dwóch odległych światów – dawnej elegancji i współczesnej codzienności.

Fragment Drzwi z Mediolanu – wyjątkowa ikonografia inspirowana sztuką sakralną, Fragment Drzwi z Mediolanu

Prezentowana praca to niezwykle starannie wykonana ikonografia przedstawiająca fragment słynnych drzwi z Mediolanu, będąca efektem ponad sześciu miesięcy intensywnej pracy artystycznej. Każdy detal został z niezwykłą precyzją opracowany techniką rysunku ołówkiem, dzięki czemu kompozycja zachwyca bogactwem form, światłocieniem oraz niemal rzeźbiarską głębią.

To nie jest zwykła grafika– to profesjonalnie wykonana reprodukcja Fine Art, drukowana na najwyższej jakości papierze archiwalnym, który doskonale oddaje wszystkie niuanse oryginalnego rysunku i gwarantuje jego wieloletnią trwałość.

Całość została oprawiona z najwyższą dbałością o estetykę – w eleganckie czarne, welurowe passe-partout ze złotymi zdobieniami, które podkreśla wyjątkowy charakter pracy, oraz w stylową, dekoracyjną ramę, tworząc gotowe do zawieszenia dzieło o ponadczasowym wyglądzie.

To propozycja dla osób ceniących:
wyjątkowe rzemiosło artystyczne,
sztukę sakralną i historyczną,
klasyczną elegancję wnętrz,
limitowane i starannie wykonane realizacje kolekcjonerskie.

Połączenie wielomiesięcznej pracy twórczej, najwyższej jakości druku Fine Art oraz ekskluzywnej oprawy sprawia, że ta ikonografia staje się nie tylko piękną dekoracją, ale również wartościowym elementem każdej kolekcji sztuki. Doskonale odnajdzie się zarówno w klasycznych, jak i nowoczesnych wnętrzach, nadając im wyjątkowy, szlachetny charakter.

Inkografia kolekcjonerska – edycja limitowana, prawiona w passe-partout i ramę

Wyjątkowa kompozycja pełna koloru, elegancji i przewrotnego humoru.

Prezentowana inkografia Ewy Stawiarskiej zachwyca odważnym zestawieniem kobiecego piękna, teatralnej elegancji oraz zaskakującej, niemal surrealistycznej symboliki. Centralną postacią kompozycji jest wytworna dama przedstawiona podczas wystawnej uczty. Jej dostojny wizerunek zostaje przewrotnie przełamany przez monumentalnego homara, który niczym ekstrawaganckie nakrycie głowy góruje nad całą sceną.

To praca z charakterem – dekoracyjna, barwna, nieoczywista i pełna inteligentnego humoru. Artystka z dużą swobodą łączy klasyczną formę portretu z elementami współczesnej fantazji, tworząc obraz, który natychmiast przyciąga uwagę i pozostaje w pamięci. Intensywne czerwienie, oranże oraz głębokie odcienie bordo pięknie kontrastują z chłodnym tłem, podkreślając ekspresję przedstawienia.

Inkografia została wykonana w imponującym formacie 60 × 60 cm, dzięki czemu znakomicie oddaje bogactwo detali oraz siłę wyrazu pierwowzoru. Powstała na podstawie monumentalnego, oryginalnego obrazu o wymiarach aż 160 × 160 cm, znajdującego się obecnie w kolekcji prywatnej i niedostępnego na rynku.

Prezentowany egzemplarz pochodzi z limitowanej edycji, co podkreśla jego kolekcjonerski charakter. Starannie dobrane, głębokie passe-partout w ciepłej tonacji doskonale współgra z kolorystyką kompozycji, natomiast elegancka rama nadaje całości odpowiednią rangę i tworzy efektowną, gotową do zawieszenia dekorację.

To propozycja dla osób poszukujących sztuki oryginalnej, efektownej i pełnej osobowości – pracy, która doskonale odnajdzie się zarówno w eleganckim, klasycznym wnętrzu, jak i w nowoczesnej przestrzeni, stając się jej wyrazistym, niebanalnym akcentem.

Ewa Stawiarska

Artystka młodego pokolenia, rzeźbiarka i malarka, absolwentka Wydziału Sztuki Uniwersytetu Technologiczno-Humanistycznego im. K. Pułaskiego w Radomiu (kierunek: grafika). Mieszka i tworzy w Ostrowcu Świętokrzyskim. Od początku swojej drogi twórczej rozwija portfolio w sposób niezwykle dynamiczny, konsekwentnie budując rozpoznawalność zarówno w Polsce, jak i za granicą. Jej praktyka artystyczna jest wyjątkowa – łączy rzetelność naukową z wrażliwością plastyczną. Specjalizuje się w rzeźbie modeli paleontologicznych tworzonych na podstawie skamieniałości. Współpracuje zawodowo z firmą kamyk.pl, realizując projekty dla instytucji naukowych i muzealnych.

Jej realizacje znajdują się w prestiżowych placówkach na świecie, m.in. w:
NaturBornholm (Bornholm)Moab Giants Dinosaur Park (Utah, USA)Dinosaur Isle (Wielka Brytania)Musée de la Mer (Martynika)Sauriermuseum Aathal (Szwajcaria)

W Polsce jej prace można oglądać m.in. w:
Centrum Edukacji Przyrodniczej Uniwersytetu Jagiellońskiego Muzeum Przyrodnicze Uniwersytetu Łódzkiego

Równolegle rozwija autorską twórczość malarską, która stanowi dla niej przestrzeń wolnej ekspresji. Jej obrazy – intensywne, nasycone emocją i symboliką – prezentowane są na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych. Artystka regularnie uczestniczy w konkursach oraz aukcjach sztuki, zdobywając nagrody i wyróżnienia, co potwierdza rosnące uznanie środowiska artystycznego.

Wystawy indywidualne (wybór):
„Disturbia”, Galeria Łaźnia, Radom, 2023
„Neon-Demon”, Belweder Centrum Kultury, Pińczów, 2024
Centrum Edukacji Przyrodniczej UJ, 2024
Wydział Biologii Uniwersytetu w Białymstoku, 2025
Maison Rêve de Desert, Maroko, 2025

Wystawy zbiorowe (wybór):
„Przedwiośnie”, BWA Kielce, 2022, 2023
„Kapitał Sztuki – Suplement 2024”, BWA Kielce, 2024/2025
Wystawa stała, Galeria Malarstwa Współczesnego „Palarnia”, Uniwersytet Gdański, 2025
„Rytuały Ukryte”, Salon Goldenmark, Warszawa, 2025
„Insomnia”, CEP UJ, Kraków, 2025

Nagrody i wyróżnieia: Laureatka Nagrody Specjalnej Grupy Goldenmark w konkursie „Przedwiośnie 2023” (BWA Kielce)

Potencjał inwestycyjny

Ewa Stawiarska znajduje się na wczesnym, lecz bardzo dynamicznym etapie kariery, co w kontekście rynku sztuki stanowi istotny czynnik wzrostowy. Regularna obecność na wystawach, udział w konkursach oraz współpraca z renomowanymi instytucjami muzealnymi budują solidne fundamenty jej pozycji artystycznej. Połączenie międzynarodowych realizacji muzealnych z autorską, rozwijającą się twórczością malarską sprawia, że jej dorobek ma duży potencjał kolekcjonerski i prognozy wzrostu wartości w kolejnych latach. To artystka, która konsekwentnie buduje markę – łącząc profesjonalizm, naukową precyzję i wyrazistą, współczesną wrażliwość.

Joanna Mieszko – „Warszawa”, Fine Art Giclée, edycja kolekcjonerska 3/25

Prezentowana praca Joanny Mieszko to wyjątkowa ikonografia współczesnej Warszawy – pulsująca kolorem, rytmem architektury i energią miejskiego pejzażu. Artystka z charakterystyczną dla siebie precyzją buduje panoramiczny widok historycznego centrum miasta, tworząc kompozycję pełną światła, kontrastów oraz dynamicznych linii inspirowanych grafiką i malarstwem ekspresyjnym.

To kolekcjonerskie wydanie zostało wykonane w technologii Fine Art Giclée na profesjonalnym, muzealnym papierze archiwalnym, gwarantującym niezwykłą głębię kolorów, trwałość oraz perfekcyjne odwzorowanie detali oryginału. Egzemplarz jest numerowany i sygnowany ręcznie przez artystkę na froncie – numer 3/25, co podkreśla jego limitowany i kolekcjonerski charakter.

Na szczególną uwagę zasługuje również niezwykle elegancka, luksusowa oprawa, zaprojektowana specjalnie pod kolorystykę pracy. Kompozycję podkreślają:
podwójne złote slipery,
dwa poziomy welurowego passe-partout w intensywnych, szlachetnych kolorach,
starannie dobrana rama harmonizująca z charakterem grafiki,
całość zabezpieczona szkłem, nadającym pracy ekskluzywny, galeryjny charakter.

Efekt końcowy tworzy obiekt niezwykle dekoracyjny, a zarazem kolekcjonerski – łączący nowoczesną ikonografię miasta z estetyką luksusowej oprawy artystycznej.

To jedna z tych realizacji, które przyciągają wzrok już z daleka – intensywnością barw, architektonicznym detalem i dopracowaną formą prezentacji. Idealna zarówno do nowoczesnych wnętrz prywatnych, jak i prestiżowych przestrzeni gabinetowych czy kolekcji sztuki współczesnej.

Dodatkowym atutem tej realizacji jest możliwość zakupu również oryginalnego obrazu Joanny Mieszko, na podstawie którego powstał prezentowany wydruk Fine Art.

Oryginalny obraz dostępny jest w galerii Art of Poland.

"Minotaur i Syreny” jest surrealistycznym przedstawieniem mitologicznych postaci. Obraz ukazuje Minotaura – pół człowieka, pół byka – niosącego nagą kobietę, co jest silnie dramatycznym i symbolicznym przedstawieniem. Syreny, znane z greckiej mitologii jako uwodzicielskie i niebezpieczne stworzenia, są również obecne na obrazie, dodając mu mistycznego i mrocznego charakteru.
Obraz ten, podobnie jak wiele innych prac Picassa z tego okresu, jest bogaty w symbolikę: Minotaur jest często używany przez Picassa jako symbol wewnętrznych konfliktów, brutalności i pierwotnych instynktów. W tym obrazie, minotaur niosący nagą kobietę może symbolizować przemoc, dominację oraz skomplikowaną relację między siłą a słabością. Minotaur w twórczości Picassa jest również symbolem nieokiełznanej seksualności. Syreny, znane z greckiej mitologii jako uwodzicielskie i niebezpieczne stworzenia, są również obecne na obrazie, dodając mu mistycznego i mrocznego charakteru.
Wiele jego prac ukazuje Minotaura w sytuacjach pełnych napięcia erotycznego, co może odzwierciedlać osobiste życie artysty i jego skomplikowane relacje z kobietami.

Minotaur jest często interpretowany jako alter ego Pabla Picassa.
W latach 30., kiedy Picasso intensywnie pracował nad motywem Minotaura, przeżywał wiele osobistych i politycznych zawirowań. Wojna domowa w Hiszpanii, jego burzliwe relacje z kobietami, a także ogólny klimat społeczno-polityczny tego okresu, miały duży wpływ na jego twórczość. Minotaur stał się dla niego potężnym symbolem do wyrażania tych intensywnych emocji i doświadczeń.

Oprawy widoczne na wizualizacjach mają charakter poglądowy i nie stanowią oferty handlowej.

Nowy album poświęcony twórczości Jacka Yerki, wybitnego malarza i ilustratora. Artysta zdobył uznanie za swój unikalny styl, który harmonijnie łączy surrealistyczne kompozycje z detalicznym realizmem. Jego dzieła, określane jako „realizm fantastyczny, cechują się niezwykłą precyzją i bogactwem szczegółów. Album oferuje przegląd najbardziej znanych prac artysty, które przenoszą widza do świata pełnego fantastycznych krajobrazów i surrealistycznych scen. Inspirowane baśniami, mitologią oraz surrealistycznymi marzeniami obrazy Jacka Yerki zachwycają głębią i magicznym charakterem, tworząc unikalne i niezapomniane wizje. Album liczy ponad około 160 reprodukcji obrazów, wśród których możemy zobaczyć takie prace jak: Erozja, Życie na ogryzku czy Czas muchomorów. Jacek Yerka jest cenionym artystą zarówno w Polsce, jak i na arenie międzynarodowej. Jego dzieła były wielokrotnie wystawiane na międzynarodowych wystawach sztuki i zdobiły okładki książek wielu autorów.