WOJNICKA Marta – (ur. 1989) ukończyła Państwowe Liceum Plastyczne w Krakowie, absolwentka Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie, obroniła dyplom w 2015 roku w pracowni Wklęsłodruku pod opieką Henryka Ożoga, aneks do dyplomu w Pracowni Malarstwa Rektora Stanisława Tabisza. Odbyła półroczne stypendium „Erasmus” na Akademii Sztuk Pięknych we Florencji w 2015 roku. Zajmuje się głównie grafiką, rysunkiem, malarstwem oraz szeroko pojętym projektowaniem graficznym. Uczestniczka wielu wystaw w Polsce I na świecie.

pseud. KEJTER 61 —------------------------------------------------ ------------------------------------------------------------ ------------------------------------------------------ ---------------------------------------------------------

NOWAK Kornelia — graficzka i ilustratorka. Projektuje identyfikacje wizualne, tworzy plakaty i ilustracje, poruszając się między projektowaniem graficznym a praktyką artystyczną. Ukończyła studia na kierunku projektowanie graficzne na Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu, gdzie mieszka i pracuje.

SLAVS AND TATARS — to międzynarodowy kolektyw artystyczny założony w 2006 roku przez Kasię Korczak oraz Payama Sharifiego. Grupa bada obszar Eurazji (pomiędzy dawnym murem berlińskim a Wielkim Murem Chińskim), łącząc kulturę popularną, historię i lingwistykę z humorem. Dzieła prezentowane są w wiodących muzeach i galeriach na całym świecie (m.in. MoMA, Tate Modern, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie). Praca podarowana ze zbiorów fajkiscollection.

OSTRZESZEWICZ Krzysztof — (ur. 1985 w Warszawie) w latach 2005-2010 odbył studia na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Jego rzeźba dyplomowa pt. „Pieta” obroniona w pracowni prof. Adama Myjaka została wyróżniona wyborem do udziału w wystawie „COMING OUT – Najlepsze Dyplomy ASP 2010”. W tym samym roku wykonał nagrobek Zbigniewa Zapasiewicza na powązkowskim Cmentarzu Wojskowym w Warszawie, na zlecenie Akademii Teatralnej im. A. Zelwerowicza. Zajmuje się rzeźbą, malarstwem, grafiką wydawniczą i fotografią. W latach 2009-2012 tworzył okładki książek i ilustracje dla wydawnictwa Klin, do książek Joanny Chmielewskiej.

BOJAR-ANTONIUK Joanna — (ur. 1967 roku w Warszawie) w 1992 uzyskała dyplom na Wydziale Wzornictwa Przemysłowego warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Od tamtej pory zajmowała się projektowaniem grafiki użytkowej, współpracując m.in. przy kontynuowaniu identyfikacji wizualnej Centrali Produktów Naftowych CPN czy tworzeniu katalogu Zasad Informacji. Wizualnej dla pierwszej linii warszawskiego metra. Równolegle tworzyła serie cyfrowych kolaży, okładki płyt, ilustracje do książek, obrazy z kotami z autorskiego cyklu „Art DeKot”, a także pisała wiersze (tomiki: „Cztery pory liryczne”, WFW 2012, „Ku przebudzeniu”, Mamiko 2022). W 2019 rozpoczęła eksperymenty malarskie inspirowane zasadą działania kalejdoskopu w cyklu Color Fan, tworząc m.in. serie „Politrony”, „Magnationy”, „Tetraptyki „Firmamentum”. Od 2023 powróciła do cyklu „Art DeKot”, malując serie: „Piksoty”, czyli kocie portrety w ujęciu pikselowym, i „Kottony”, zainspirowane tonami barwnymi i muzycznymi. Wystawy indywidualne: „Moje Anioły” (2006, Galeria Bombonierka, Łomianki), „Moja droga od fotografii do ilustracji” (2010, DK Pompa, Pomiechówek), „Kolorowy Wiatrak” (2021, Cosma Gallery, Sopot), „Color Fan” (2022, Galeria SDK Przy Kozach, Warszawa), „Świat w odbiciu wiruje” (2023, Teatr Kamienica, Warszawa); zbiorowe: „Rok Tygrysa” (2022, Cosma Gallery, Sopot). https://joantoniuk.jimdo.com/.

PŁACZEK Dawid — jako artysta jest postacią bardzo wielowymiarową. Jego twórczość oscylująca wokół takich zagadnień jak szeroko pojmowana duchowość czy refleksja nad miejscem człowieka we wszechświecie łączy w sobie metafizykę z haptycznym doświadczeniem żywej materii. Jego prace zyskują niezwykłą wartość dzięki stosowanym przez niego mediom – artysta operuje bowiem bardzo szerokim wachlarzem technik – począwszy od malarstwa, przez fotografię, grafikę warsztatową, kończąc na rzeźbie, czasami zahaczając nawet o instalacje czy performance. Ponadto, widoczne są u niego wpływy twórców wprost wywodzących się z takich nurtów artystycznych jak secesja czy Art-déco, przetworzone przez pryzmat współczesnego pojmowania dzieła sztuki, gdzie surowość formy i namacalność gestu jest bardzo widoczna. Organizuje targi „Sztuka Pomocy” wspierające fundacje charytatywne.

KAMIEŃ, KAMYK, KAMYCZEK — poznańskie turkusowe szopy, będące gatunkiem inwazyjnym, który – tak jak street art – pojawia się dziki i nieproszony. Swoją obecność zaznaczają najczęściej przez wlepy, paste-upy i graffiti.

KUBISIAK Zofia — (ur.1 961) dekorator wnętrz w Polsce i w Europie. Tę pasję uzupełnia fascynacja malarstwem, które niejednokrotnie jest jej własnym artystycznym dodatkiem w zaprojektowanych i zrealizowanych wnętrzach. Oprócz projektowania i malarstwa zajmowała się grafiką komputerową, projektowaniem okładek do książek, folderów reklamowych (m.in. na rynek amerykański). Jej obrazy znajdują się w prywatnych kolekcjach w Polsce, Danii, Irlandii, Niemczech, Szwajcarii, Stanach Zjednoczonych i we Włoszech. Jej obrazy wystawiane były na Aukcjach w Galerii Miejskiej Arsenał, w Centrum Kultury Zamek, również za pośrednictwem portalu rynku sztuki ARTINFO. Uczestniczyła w kilkunastu wernisażach, między innymi w Pomarańczarni w Wielkopolskim Centrum Onkologii – która dała jej największą satysfakcję. Uczestniczyła w wystawie ,,Architekt Artysta” w Galerii Sztuki ,,MO”. Założycielka inicjatywy społecznej ,,art!show” w której propaguje sztukę w przestrzeniach publicznych, promując artystów z różnym wykształceniem, dając przy tym obcowanie z sztuką i artystami na żywo. Wspomaga wiele charytatywnych instytucji szczególnie zaangażowana jest w pomoc osobom ze spektrum autyzmu.

RAKOCZY Marlena — (ur. 1976) w latach 1996 - 2001 studia na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu na kierunku malarstwo sztalugowe w pracowni profesora Lecha Wolskiego oraz w latach 1997 - 1999 ceramika w pracowni dodatkowej profesor Hanny Brzuszkiewicz. W 2001 roku dyplom z wyróżnieniem z malarstwa u prof. L. Wolskiego. W dorobku artystycznym ma wystawy indywidualne i kilkadziesiąt zbiorowych w kraju i za granicą. Brała udział w polskich i międzynarodowych projektach artystycznych. Jej prace są własnością min. Uniwersytetu Getynga, Muzeum Srema w Serbii oraz znajdują się w licznych zbiorach prywatnych w Polsce i za granicą, min. w Niemczech, Francji, Holandii, Wielkiej Brytanii, Norwegii, Australii, Kanadzie i USA. Jest członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków od 2002r..

SOBIEPAN Andrzej (ur. 1982) — absolwent wrocławskiej ASP na Wydziale Malarstwa i Rzeźby. Autor obrazów-reliefów, mozolnie modelowanych i całościowo zaprojektowanych obiektów, wyznaczających pewien precedens i zapotrzebowanie na inną kategorię przedmiotów. Tworzy prace o niezwykle silnym oddziaływaniu optycznym, które są monumentalne, sugestywne i metaforyczne. Artysta porusza w swoich pracach tematykę przestrzeni, światła i ruchu, które stanowią oś jego twórczości. W ostatnich pracach, podejmuje decyzję o częściowej zmianie kierunku poszukiwań, czyniąc znaczący zwrot ku klarowności i prostocie. Są to obrazy bardzo przejrzyste w założeniu, głównie układy centryczne wpisane w moduł kwadratowego tła. Charakteryzują się większą ekonomią środków, bardzo staranną artykulacją kolorów oraz dającą się tym razem zauważyć dyscypliną w zakresie motywu. Głównym animatorem jego obiektów pozostaje światło naturalne, które przemieszczając się płynnie przyznaje ważność kolejnym elementom pracy. Są to obrazy-spektakle, tworzone z założenia, że obserwator pozostaje w ruchu. Dzięki położeniu szczególnego akcentu na złudnym zmyśle wzroku, odbiorca dostrzega nieistniejącą głębię, uzyskaną poprzez zaciemnienie środka i postępujący stopniowo gradient koloru. To dzieła abstrakcyjne, które osadzone są w nurcie op-artu. Dla Sobiepana impulsem do powstania dzieła nadal można uznać głębokie przeżycie natury. Artysta stara się objąć widziany świat rodzajem podwójnego spojrzenia, realizując zarówno widoki z bliska, jak i widoki z daleka. Jego prace wydają się być światem widzianym przez okular mikroskopu, przeniesionym do makroskali. Jest to dynamiczna wizja natury – witalna, nasycona intensywnością koloru i ruchu. Jego długotrwałe poszukiwania eksperymenty prowadzą do nowych i fascynujących sposobów interpretacji rzeczywistości. W swoich pracach artysta zwodzi widza, wciąga w optyczną grę, a następnie zachwyca. Finalista konkursu Artystyczna Podróż Hestii, Gdańsk, 2012. Autor indywidualnych realizacji przestrzennych z zakresu site specific min. w Mieszkaniu Gepperta (Wrocław 2010) oraz Galerii R46 (Wrocław, 2014). Kilkukrotny gość Przeglądu Sztuki Survival, jako autor instalacji dźwiękowych i performer. Uczestnik wystaw zbiorowych: Woliery 2 w Muzeum Współczesnym Wrocław, 2012; PALINDROM w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie, 2015; Nabytki 2 w BWA w Bydgoszczy, 2020; FOTOMORGANA w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie, 2021; E X P [ L ] O w Muzeum Okręgowym im. Leona Wyczółkowskiego w Bydgoszczy, 2023; Punkty Zmienne w Galerii Sotto 63 w Warszawie, 2023 (Tekst: Karolina Żebrowska).

pseud. ΞSΚΛΞЯ — to artysta obecnie tworzący w Poznaniu, skupiający się na przeróżnych formach street artu. Biorący udział w licznych wystawach zbiorowych, oraz trzech solowych. Związany ze sceną street artu od 10 lat. Słynący ze swoich naklejek, plakatów, murali, ilustracji, które zdobią nie tylko Poznań ale różne miasta na całym świecie. Tworzy swoje prace w przeróżnych technikach i formach, próbując coraz to nowszych rozwiązań. Zainteresowany zarówno rysunkiem, malarstwem jak i sitodrukiem. Za pomocą satyrycznych, symbolicznych obrazów stara się zwrócić uwagę widza na problemy jakie niesie ze sobą nasz nowoczesny świat. Prezentuje nam skrajny, surrealistyczny obraz rzeczywistości , w którym człowiek zatraca się w technologii. Eskaer tworzy swoje prace na ulicach, pozwala mu to nie tylko kreować otaczającą nas przestrzeń ale też przekazywać ludziom istotne wartości aby doceniać prawdziwy, realny świat, podnieść wzrok znad monitora.

DRABAREK Mariusz — (ur. 1979) roku w Mińsku Mazowieckim. Malarz i rysownik, tworzący i pracujący we Wrocławiu. Zajmuje się głównie malarstwem, używając techniki mieszanej: olej, akryl , spray, collage. Oprócz malarstwa sztalugowego zajmuje się także tworzeniem murali, projektowaniem i aranżacją wnętrz. Od roku 2006 roku jest członkiem organizacji Bow Arts w Londynie. Uczestniczył w wielu warsztatach, wystawach i konkursach. Tworzy sztukę figuratywno-abstrakcyjną, inspirując się malarstwem sakralnym. Poszukuje odmiennych form wyrazu, co przyczynia się do powstawania nowych i niezwykle różnorodnych dzieł malarskich. Styl artysty to kompilacja kilku prądów sztuki, neoekspresjonizmu, malarstwa figuratywnego z pewnym wpływem prymitywizmu. Artysta łączy różne porządki, różne rzeczywistości z duchowością i mistycyzmem. Jego prace (murale) obejrzeć można w Pracowni Rannych Pantofli, jak również w restauracji i hotelu Księżycowa w Siedlcach. Murale i obrazy jego autorstwa mają w swoich kolekcjach kolekcjonerzy w kraju, jak i za granicą.

PALAS Patryk — ekolog zafascynowany żywiołem wiatru i wody. Grafik pracowni ceramicznej Something Special Design. Muzyk, fotograf, podróżnik. Malarstwo dało mu wolność, niezależność i pozwoliło się spełniać. Czerpie inspiracje ze sztuki abstrakcyjnej i plakatu. Wiele jego obrazów poświęconych jest tematyce morskiej, a w szczególności kitesurfingowi i surfingowi. Żyje tu i teraz.

ROŚCIECHA-KANOWIK Agata — absolwentka Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Stypendium i studia na Akademie Der Bildenden Künste w Norymberdze w pracowni Malarstwa, Grafiki i Sztuki Obiektu prof. Rolfa-Guntera Diensta. Dyplom z malarstwa w pracowni prof. Włodzimierza Kunza. W 2000 stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego z Funduszu Promocji Twórczości. W 2002 uzyskała stopień doktora, a w 2014 stopień doktora habilitowanego w dziedzinie sztuk plastycznych na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Od 2004 wykłada rysunek i malarstwo na Wydziale Architektury i Sztuk Pięknych Krakowskiej Akademii im. Andrzeja Frycza Modrzewskiego. W swoim dorobku ma kilkadziesiąt wystaw indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. Laureatka nagród w tym m.in.: Medal Towarzystwa Sztuk Pięknych w Krakowie na Salonie Malarstwa i Rzeźby, I Nagroda Prezydenta Miasta Tarnowa na Salonie Wiosennym, III Nagroda Ministra Kultury i Sztuki na Ogólnopolskim Biennale Pasteli w Nowym Sączu, wyróżnienie Art&Business oraz Grand Prix Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego na IV Międzynarodowym Biennale Pasteli w Nowym Sączu. Prace w zbiorach Muzeum Okręgowego w Nowym Sączu oraz w kolekcjach prywatnych w kraju i za granicą.

PAWEŁCZAK-KLARA Barbara — ukończyła Państwowe Liceum Sztuk Plastycznych w Jarosławiu (1994). Absolwentka Wydziału Artystycznyego Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie. Uzyskała dyplom z Grafiki w pracowni prof. Artura Popka (2000). Ukończyła również studia podyplomowe z zakresu projektowania wnętrz i wzornictwa na Uniwersytecie Śląskim w Gliwicach (2008). Członkini grup artystycznych Grupa 2000 i STKP w Mielcu. Uczestniczka konkursu organizowanego przez BWA Galeria Miejska w Tarnowie, w ramach którego jej praca zakwalifikowana została do wystawy pokonkursowej „Tarnowskie Klimaty „Akty – Akty” (2005). Praca Barbary Pawełczak Klary ,,Odbierz” została zakwalifikowana do wystawy konkursowej 3 Biennale Sztuki w Tarnowie (2026).Autorka wystaw indywidualnych, m.in.: Galeria Atelier SCKM, Kraków (2006); „Skrawki Czasu”, Galerii ESCEK, Mielec (2013); „Ślady Obecności”, Galeria MBP, Mielec (2025). Uczestniczka wystaw zbiorowych, m.in.: Grupa STKP, Galerii ESCEK, Mielec (2005-2025); “Kolbuszowa 2017 – XVII Ogólnopolski Plener Malarsko – Rzeźbiarski”, BWA Rzeszów (2017); “GRUPA 2000”, Warszawskie Centrum Kultury, Warszawa (2023); “Grupa 2000”, KOKPiT, Kazimierz Dolny (2024); “Grupa 2000: 25 lat po dyplomie” pod kierunkiem prof. W. Wróblewskiego, Galeria WA UMCS, Lublin (2025).

BARŁOGA Brunon — (ur. 1967) całe życie związany z Wielkopolską. Tu mieszka i oddaje się twórczej pasji. Uwielbia olej. Ta technika pozwala mu wydobyć z obrazu ulotne chwile natury, które przenosi na płótno. Mówi, że dzięki żonie – Monice (która jest jego muzą) jego obrazy wyszły z ciemności i zdobią ściany wielu domów. Były też przedmiotem kilku aukcji charytatywnych.

pseud. AQUALOOPA / CHOŁDA Igor— (ur. 1978 roku w Warszawie), iIlustrator, designer i malarz. Absolwent Wydziału Filozofii Uniwersytetu Warszawskiego, Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej i Telewizyjnej w Łodzi oraz Instytutu Psychologii Procesu. Znany jako autor murali. Należy do grupy artystów Polskiej Grafiki Cyfrowej. Tworzy i współtworzy teledyski i krótkie animacje. Jest także czynnym muzykiem, założycielem grupy Warsaw Afrobeat Orchestra. Założył własną markę projektową. Koncentruje się na ilustracji korporacyjnej, projektowaniu ścian, nadrukach ubrań. Inspiracje Aqualoopy pochodzą z różnych źródeł, takich jak: animacje rysunkowe, sztuka miejska i sztuka Pablo Picasso. Opracował swój unikalny styl oparty na zakrzywionych liniach i żywych kolorach. Autor wystawy indywidualnej malarstwa „Infection” w galerii 3678 U Artystów (Warszawa 2011), wystawy indywidualnej „Testosterror” w galerii Pragaleria (Warszawa 2015), „Między nami” w galerii „Na Lato” (Warszawa 2016). Laureat pierwszej nagrody w konkursie na mural Levi’s „Go Forth” (2011), pierwszej nagrody w konkursie na mural poświęcony Marii Curie Skłodowskiej, zrealizowany na dziedzińcu metro Centrum w Warszawie (2011). Artysta festiwalu Street Art Doping (2011, 2012), Forty Forty Street Art Festiwal (2012), Traffic Design (2012). Ma na swoim koncie również mural w biurze polskiej siedziby Facebooka. Uczestnik ogólnopolskiej trasy „Street Art przeciw GMO” organizowanym przez „3 Falę” (2012). Prezentował swoje prace m.in. w ramach wystawy „KRZY.WE 2. Polska ilustracja Wektorowa” (Warszawa, Pragaleria, 2015), Rondo Wolnego Tybetu (Warszawa, 2012), „Graffiti vs. Street Art” (Lublin, Zachęta, 2011). Autor muralu na warszawskiej Woli na skrzyżowaniu ul. Żelaznej i Solidarności oraz na Pradze Północ na skrzyżowaniu ul Targowej i Ząbkowskiej.

STALA Szymon — (ur. 1991) w 2010 ukończył z wyróżnieniem Zespół Szkół Plastycznych im. Jacka Malczewskiego w Częstochowie na kierunku ceramika. Od 2015 roku jest absolwentem Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie Wydział Rzeźby. Dyplom w pracowni prof. Bogusza Salwińskiego. Od 2015 student studiów doktoranckich na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku na Wydziale Rzeźby i Intermediów. Laureat wielu nagród i stypendiów min: Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego, Rektora ASP w Krakowie, Rektora ASP w Gdańsku. Uczestnik plenerów zagranicznych i ogólnopolskich: min. Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, Pole Sztuk w Rodowie. W Kompasie Młodej Sztuki 2016 uzyskał 20 miejsce (pozycja 102). Uczestnik wielu wystaw krajowych i zagranicznych. Zajmuje się rzeźbą, medalierstwem, rysunkiem i malarstwem.

BRZYKCY Ewelina — (ur. 1992) Ewelina Brzykcy specjalizuje się w malarstwie akrylowym. Brała udział w licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych, a jej prace zdobią prywatne kolekcje na całym świecie – od Anglii, przez Szwajcarię i Niemcy, po Islandię i Teneryfę. Początkowo eksplorowała abstrakcję i choć jej malarstwo pejzażowe stało się rozpoznawalnym elementem twórczości, nadal z pasją tworzy obrazy abstrakcyjne, które są bliskie jej sercu. Czerpie inspirację z podróży i własnych doświadczeń, tworząc zarówno nastrojowe krajobrazy, jak i ekspresyjne kompozycje, pełne głębi i emocji. Twórczość Eweliny Brzykcy wpisuje się w nurt sztuki współczesnej, w którym natura i abstrakcja przeplatają się w harmonijnym dialogu. Jej obrazy, pełne subtelnych barw i bogatych faktur, balansują na granicy malarstwa pejzażowego i impresjonistyczno-abstrakcyjnego, pozwalając widzowi zanurzyć się w magicznej atmosferze i osobistych emocjach artystki.

psedu. REZT – absolwent Wydziału Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego ww Łodzi. Dyplom zrealizował w Pracowni Sitodruku prowadzonej przez prof. Agatę Stępień. Zajmuje się malarstwem olejnym i akrylowym w nurcie realizmu magicznego oraz szeroko rozumianą sztuką ulicy.

pseud. NABARANE MH — artysta z fyrtla, którego serce bije w rytmie ulic Poznania. Tworzy w technice mieszanej, balansując pomiędzy babraniem a hasaniem. Jego sztuka to ciągłe eksperymenty, a każda nowa seria to osobny rozdział, połączony jednym stałym motywem: Jeleniem Wyboru. Nababrane stara się być pretekstem do uważniejszego patrzenia na codzienność i odkrywania zakamarków miasta. Jego akcje zachęcają do zatrzymania się, spojrzenia w bok, a czasem w górę. Człowiek z gzikiem w sercu, głową pełną szajbniętych pomysłów i wiecznie hasający.

JOHNSSON Jolanta — polska artystka, uprawia malarstwo i grafikę. W latach 1984–1989 studiowała na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie pod kierunkiem profesorów Haliny Chrostowskiej i Rafała Strenta (grafika) oraz Jerzego Tchórzewskiego (malarstwo).W 1990 uzyskała tytuł magistra sztuki na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. W 2012 uzyskała stopień doktora w dyscyplinie artystycznej „sztuki piękne” uzyskany na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie.Domeną główną artystki jest malarstwo, zajmuje się też rysunkiem i grafiką. Wiodące tematy w jej sztuce to pejzaż i motywy figuratywne. Jej uogólnione, bliskie abstrakcji pejzaże charakteryzują wysmakowaną kolorystyką i fakturą. Bogactwo impulsów i wrażeń płynących przede wszystkim z natury artystka ujmuje w kompozycje uporządkowane i harmonijne.”Choć twórczość Johnsson nie ma nic wspólnego z impresjonizmem, dobrze do niej pasuje słowo wrażeniowość. Nie kryje się za nim szybkość notacji, a wystudiowane staranie i dbałość, o jak najcelniejsze oddanie postrzeganego przez artystkę wrażenia, wyniesionego z obcowania z przyrodą. Ta pełnia jest być może jedną z najbardziej charakterystycznych cech malarstwa Johnsson. Patrząc na jej obrazy, od pierwszego rzutu oka wiemy, że są kompletne, nic w nich nie brakuje, ale też nie zawierają elementów zbędnych. Nie są przegadane, zbyt ozdobne, przeładowane, przeciwnie – budują wyważoną, przemyślaną i zamkniętą kompozycję.” (Agnieszka Gniotek) Od 1988 prezentowała swoje prace malarskie i graficzne na 29 wystawach indywidualnych i 53 zbiorowych. W kraju i za granicą. Obecnie artystka mieszka w Szwecji. Prowadzi galerię autorską.

ROZPARA Hanna — (ur. 1990 roku w Sosnowcu) jest absolwentką Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach; dyplom w Pracowni Druku Płaskiego w 2014 r. Studiowała na Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Antwerpii w ramach programu ERASMUS oraz historię sztuki na Uniwersytecie Śląskim. Obecnie jest doktorantką na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach. W swoim doktoracie zajmuje się tematyką kamuflażu jako strategią maskowania i wypierania rzeczywistości. Dąży do uzyskania obrazu oddziałującego na widza, pobudzającego intuicyjne, nieracjonalne pokłady świadomości. Artystka zajmuje się malarstwem, grafiką warsztatową, fotografią, projektowaniem graficznym oraz tworzy kompozycje muzyczne. Swoje prace wystawiała na ponad 50 wystawach zbiorowych w kraju i za granicą, m.in.: 18. International Print Biennial Varna (Bułgaria, 2015); I Międzynarodowe Triennale Rysunku Studentów Wyższych Szkół Artystycznych, Rondo Sztuki, Katowice (2014); „Pozdrowienia z KATO”, Galeria Sztuki Współczesnej „MD_S”, Wrocław (2014).

KĘDZIORA Anna — (ur. 1965) artystka z Wielkopolski. Prace Anny powstają z myślą o pozytywnym odbiorze, poprzez zastosowane w nich wachlarze kolorystyczne, oraz struktury, a wszystko po to aby przenosić widza w kolorowy, abstrakcyjny, inny świat...Obrazy Anny emanują energią, a każdy kolejny Jej obraz zaskakuje odbiorcę jak i Ją samą dając możliwość indywidualnej interpretacji, artystka nigdy niczego nie sugeruje. Specjalizuje się w malarstwie farbami akrylowymi, fascynuje Ją to co nieprzewidywalne, dlatego stosuje „swoją technikę" wykorzystując w swoich pracach niekonwencjonalne przedmioty, niekoniecznie malarskie. Swoje prace prezentowała między innymi na Międzynarodowym Festiwalu Kobiet " „NoWomen, No Art" w MuzaArt Galery w 2009 r., we francuskim miasteczku Chateaugiron w ramach artystycznej wymiany. W roku 2015, oraz 2018 można było zobaczyć prace (między innymi serię 12 obrazów pt. „Kobiety Świata") w Pomarańczarni Wielkopolskiego Centrum Onkologii w Poznaniu, a w 2016 r. w Kawiarni Artystycznej „Poema Cafe", oraz w Mosinie na cyklicznej wystawie plenerowej z dwudziestoletnią już tradycją, a mianowicie „Szeroko na Wąskiej".Prace Anny znajdują się w prywatnych kolekcjach we Francji, Anglii, USA, oraz Brazylii. W chwili obecnej stała ekspozycja niektórych prac Anny znajduje się w Lulu Cafe Lounge Avenida w Poznaniu.

BACHEWICZ Karol — jest studentem grafiki artystycznej na Uniwersytecie im. M. Abakanowicz w Poznaniu. Eksperymentuje z różnymi technikami graficznymi, ale w swojej twórczości nie ogranicza się tylko do dwuwymiarowej przestrzeni. Wykracza poza nią, tworzą projekty na ubrania, książki artystyczne, czy biżuterię. Zajmuje się zagadnieniami męskości, kondycji ludzkiego ciała skorelowanej z rolami społecznymi, psychiką, rodzinnym współbyciem. Współzałożyciel kolektywu ekk.

LACHETA Aleksandra — absolwentka Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi. Dyplom uzyskała w pracowni prof. Łukasza Chmielewskiego. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem oraz projektowaniem graficznym. Motyw przewodni jej twórczości stanowi animalistyka. Inspiruje się naturą, którą ukazuje zarówno w sposób realistyczny jak i fantastyczny. Stara się. aby zwierzęta przedstawione na jej obrazach wzbudzały emocje: ciekawość, nostalgię, sympatię a nawet uśmiech wywołany miłym wspomnieniem lub skojarzeniem. Malując portrety, skupia się na zwierzęciu jako istocie żywej i ważnej, próbuje tym samym stworzyć z odbiorcą więź, która ma wywołać empatię i refleksję. Nominowana do ‚Prime Stage’, Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, 2020. Uczestniczyła w wystawach: ‚Art Naif Festiwal’, Galeria Szyb i Wilson, 2021. Maluje również charytatywnie m.in. dla Fundacji WOŚP.

OFFERT Kinga — ilustratorka i projektantka, autorka ilustracji reklamowych, prasowych, plakatów, murali, krótkich animacji, ilustracji na tkaninach. Jej ilustracje cechuje humor i autentyzm. Inspiracją są podparzone sceny np. miejskie, a ostatnio także świat mediów społecznościowych. Tak powstał jej cykl wystawienniczy pt. It’s only a game, który stanowi autorski komentarz do rzeczywistości on-off. Ponad to prowadzi na instagramie profil kingaoffert_digital, na którym przedstawia siebie jako zdygitalizowaną postać żyjącą w świecie cyfrowym.Ilustratorka jest laureatką wielu uznanych konkursów, m.in: I Nagrody Projektantów czy Cover awArts 2016 (okładka płytowa dla How Dare you Alexis). Dwukrotnie nagrodzona w konkursie Polish Graphic Design Awards (ilustracja reklamowa dla Browaru Minister oraz Seria plakatów do gry Golfclub-Wasteland). Oprócz realizacji autorskich Kinga ma na swoim koncie również współpracę z markami, takimi jak np. Facebook, Zalando, T-mobile. Współpracowała również z instytucjami kultury, między innymi z Narodowym Instytutem Dziedzictwa, w ramach projektu polsko-czeska „Ściana kultury”. Na zaproszenie Ambasady Niemiec zaprojektowała Figurę jubileuszowego „Buddy Bear” z okazji jubileuszu 30 lecia polsko-niemieckiego Traktatu o dobrym sąsiedztwie i przyjaznej współpracy.

DZIKLIŃSKA Agnieszka — (ur. 1994) pochodzi z Warszawy.W 2018 roku ukończyła studia magisterskie na kierunku edukacja artystyczna w zakresie sztuk plastycznych, specjalność arteterapia w Kolegium Edukacji Artystycznej APS im. Marii Grzegorzewskiej w Warszawie. Dyplom artystyczny obroniła w pracowni malarstwa dr hab. prof. APS Grzegorza Mroczkowskiego. Pracowała z Markiem Sułkiem w tworzeniu ogólnie rozumianej sztuki na rzecz Warszawy. Obrazy Dziklińskiej pojawiały się na Aukcjach Sztuki w Polsce oraz wystawach w Londynie. Od kilku lat współpracuje z galerią sztuki w Gdańsku. Malarka w swoich obrazach chce pokazać ukryte emocje podczas przebywania z żywiołem wody. W swoich pracach nawiązuje do wspomnień, osobistych doświadczeń, ważnych miejsc.

BARŁOGA Brunon — (ur. 1967) całe życie związany z Wielkopolską. Tu mieszka i oddaje się twórczej pasji. Uwielbia olej. Ta technika pozwala mu wydobyć z obrazu ulotne chwile natury, które przenosi na płótno. Mówi, że dzięki żonie – Monice (która jest jego muzą) jego obrazy wyszły z ciemności i zdobią ściany wielu domów. Były też przedmiotem kilku aukcji charytatywnych.

KURYLUK Ewa — artystka awangardowej instalacji tekstylnej i sztuki powietrza, malarka i fotografka, pisarka i poetka. Inspiruje się autobiografią i figuracją, cieniem, śladem i lustrem, mitem dziewczyny z Koryntu i legendą Weroniki, poezją i podróżą. Artystka jest znana z 43 wystaw solo i ponad 60 wystaw zbiorowych, z katalogów i książek. Jej prace znajdują się w zbiorach publicznych i prywatnych w Europie i USA; w Muzeach Narodowych Warszawy, Krakowa, Poznania, Wrocławia i w Muzeum Sztuki w Łodzi.

WALENDZIK-STEFAŃSKA Joanna – Profesor doktor habilitowany w dziedzinie sztuki, architekt, malarka; profesor Wydziału Architektury Wnętrz Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie i Wydziału Sztuki Nowych Mediów PJATK. W różnorodnej twórczości artystki ważny nurt stanowią działania projektowe w obiektach zabytkowych oraz architektura i sztuka sakralna. Jest projektantką architektury i wnętrz, mebli, elementów dekoracyjnych i witraży. Jej obrazy olejne, rysunki, pastele i projekty witraży były wielokrotnie eksponowane na wystawach indywidualnych, zbiorowych i festiwalach sztuki.

MACZAN Anita — (ur. 1996) to polska malarka, absolwentka biologii medycznej Uniwersytetu Gdańskiego. W swojej twórczości łączy naukową wrażliwość na to, co niewidzialne, z refleksją nad relacjami międzypokoleniowymi i tym, jak doświadczenie, edukacja i technologia kształtują nasz sposób patrzenia na świat. Jej prace malarskie wystawiane były w Polsce i za granicą, m.in. w Chinach, Japonii, Wielkiej Brytanii i na Gibraltarze. Jest laureatką nagród, w tym Emerging Woman Artist Award (2024) oraz Style Award i Outstanding Work Award w Chinach (2025). Jej prace znajdują się w stałej ekspozycji Galerii w Zaułku w Gdańsku.

MICHALIK Anna — w lipcu 1998 nauka malarstwa i rysunku w pracowni artysty malarza Macieja Wiznera w Krakowie. Następnie Studia: Malarstwo Sztalugowe w pracowni prof. Lecha Wolskiego na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu 2001-2007 dyplom z malarstwa oraz witrażu, Konserwacja Papieru i Skóry na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu 2003-2008. W 2004 roku indywidualna wystawa fotografii w restauracji Yellow w Iławie, w 2007 roku zbiorowa wystawa podyplomowa w Niemczech. W 2014 wystawa towarzysząca benefisowi Zbigniewa Zamachowskiego w Galerii Anny Kareńskiej w Nekielce. W 2016 indywidualna wystawa w Galerii Port 110 w Iławie. W 2020 październik pokonkursowa wystawa online pt. PANDEMIA - Sztuka w czasach zarazy. 2021 październik zbiorowa wystawa pokonkursowa w Galerii Sztuki Nowoczesnej we Włocławku pt. „ CZAS-RUCH-PRZESTRZEŃ II Ogólnopolskie Biennale Rysunku”,2023 lipiec indywidualna wystawa pt. „What if..” w Galerii Delta w Szczecinie.

POSTAREMCZAK Malwina — artystka wizualna i poetka, absolwentka Filmu Eksperymentalnego i Edukacji Artystycznej. Zajmuje się eksperymentalnym filmem mówionym, animacją i słowem. W swojej praktyce bada relacje między językiem a obrazem, interesując się tym, co niewypowiedziane, niejednoznaczne i ukryte w przestrzeni pomiędzy. Swoje prace pokazywała na wystawach oraz festiwalach filmowych w Polsce i za granicą (m. in Niemcy, Austria, Stany Zjednoczone, Czechy)

MAZUR Maryna — absolwentka Instytutu Sztuk Wizualnych UZ oraz Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu (dyplom w Pracowni Druku Wklęsłego pod kierunkiem prof. Piotra Szurka). Doktorat obroniła w 2018 r. na Wydziale Grafiki i Komunikacji Wizualnej Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu. Adiunktka III Pracowni Grafiki na Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu oraz w Pracowni Grafiki – Wklęsłodruk i Wypukłodruk w Instytucie Sztuk Wizualnych UZ. Brała udział w wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą, m.in. w Niemczech, Japonii, Austrii, Chinach, Rumunii, Grecji, Stanach Zjednoczonych. Zajmuje się grafiką, malarstwem, fotografią, tworzy obiekty. Interesują ją wciąż na nowo definiowane relacje pomiędzy sferą publiczną i prywatną, a szczególnie ich trudno uchwytne „pomiędzy”, czyli zależne zwykle od indywidualnego postrzegania i odczuć granice. W swoich pracach odnosi się do tych pojęć, biorąc pod uwagę różne, często nieoczywiste konteksty.

PIECHOCIŃSKA Dorota — ilustratorka i projektantka, która łączy techniki analogowe z cyfrowymi. Tworzy identyfikacje wizualne miejsc i wydarzeń, murale, ilustracje, okładki oraz akcesoria. W pracy napędzają ją nowe wyzwania i podróże. Współpracowała m.in. z Volkswagenem Poznań, Miastem Poznań, Lantre, Aquanetem, Davines Polska, Geberit Polska, Wydawnictwem i Miesięcznikiem ZNAK, Wysokimi Obcasami Extra. Prywatnie miłośniczka roślin, wulkanów, roweru i sera.

NOWAK Kornelia — graficzka i ilustratorka. Projektuje identyfikacje wizualne, tworzy plakaty i ilustracje, poruszając się między projektowaniem graficznym a praktyką artystyczną. Ukończyła studia na kierunku projektowanie graficzne na Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu, gdzie mieszka i pracuje.

KIKOWSKI Andrzej — w latach 1993-1995 Stypendysta Krajowego Funduszu na rzecz Dzieci w dziedzinach plastycznych. W 1995r. przyjęty na Wydział Rzeźby na ASP w Warszawie. Dyplom na Wydziale Architektury Politechniki Warszawskiej na kierunku Architektura i Urbanistyka w Zakładzie Projektowania Urbanistycznego pod kierunkiem prof. Sławomira Gzella (2001r). W 2004 r. nabył uprawnienia budowlane w specjalności architektonicznej do projektowania bez ograniczeń. Między innymi jest autorem projektu Mazowieckiego Centrum Sztuki Współczesnej "Elektrownia" w Radomiu w wyniku zwyciężonego konkursu (2007r). Uprawia malarstwo, rzeźbę, rysunek i architekturę.

NABARANE MH — artysta z fyrtla, którego serce bije w rytmie ulic Poznania. Tworzy w technice mieszanej, balansując pomiędzy babraniem a hasaniem. Jego sztuka to ciągłe eksperymenty, a każda nowa seria to osobny rozdział, połączony jednym stałym motywem: Jeleniem Wyboru. Nababrane stara się być pretekstem do uważniejszego patrzenia na codzienność i odkrywania zakamarków miasta. Jego akcje zachęcają do zatrzymania się, spojrzenia w bok, a czasem w górę. Człowiek z gzikiem w sercu, głową pełną szajbniętych pomysłów i wiecznie hasający

BRANDYS Anna Maria — to doktora sztuki, adiunktka w I Pracowni Rysunku Profesor Joanny Imielskiej na Wydziale Edukacji Artystycznej i Kuratorstwa. Prezeska Fundacji Jak Malowana, współtwórczyni Domu Bajek i Biennale Tkaniny Artystycznej w Poznaniu. Stypendystka MKiDN. Nagrodzona m.in. na VII Międzynarodowym Biennale Malarstwa i Tkaniny Unikatowej czy 7 Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko. Od lat zaangażowana w działalność animacyjną i edukacyjną na terenie Poznania, co doceniono, przyznając jej dwukrotnie m.in. stypendium Miasta Poznania.

CELLARY Anna — (ur. 1981) z zainteresowaniem odkrywa świat malarstwa współczesnego i mozaiki, szczególnie w ich intensywnych, pełnych energii odsłonach. Tworzy intuicyjnie, podążając za emocjami i własną wyobraźnią, bez sztywnych reguł i gotowych odpowiedzi. Na co dzień księgowa, po godzinach amatorka malarstwa, udowadniająca, że nawet najbardziej uporządkowany umysł potrzebuje czasem odrobiny twórczego chaosu. Wierzy, że sztuka nie musi być doskonała, ważne, by poruszała.

WALENTYNOWICZ Kasia – ilustratorka, graficzka. Autorka ilustracji do książek dla dzieci wydanych w wielu językach (m.in. polskim, angielskim, hiszpańskim, francuskim, koreańskim, chińskim). Na co dzień współpracuje z licznymi instytucjami kultury m.in. z Muzeum Historii Żydów Polskich POLIN, Muzeum Fryderyka Chopina czy Muzeum Narodowym w Warszawie. Laureatka wielu nagród ilustracyjnych i graficznych. Portfolio: www.kasiawalentynowicz.com

KADEN Sylwia — absolwentka Wydziału Architektury i Wzornictwa Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu, w swojej twórczości bada relacje między przestrzenią, kompozycją i kolorem. Pracuje w różnych mediach i materiałach, eksperymentując z formą i skalą. Główną rolę w praktyce artystki odgrywają intuicja, obserwacja i poszukiwanie nowych rozwiązań. Ostateczny kształt jej prac wyłania się w procesie twórczym, który otwiera przestrzeń dla nieoczywistych odkryć i nowych zależności.

LACHETA Aleksandra — absolwentka Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi. Dyplom uzyskała w pracowni prof. Łukasza Chmielewskiego. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem oraz projektowaniem graficznym. Motyw przewodni jej twórczości stanowi animalistyka. Inspiruje się naturą, którą ukazuje zarówno w sposób realistyczny jak i fantastyczny. Stara się. aby zwierzęta przedstawione na jej obrazach wzbudzały emocje: ciekawość, nostalgię, sympatię a nawet uśmiech wywołany miłym wspomnieniem lub skojarzeniem. Malując portrety, skupia się na zwierzęciu jako istocie żywej i ważnej, próbuje tym samym stworzyć z odbiorcą więź, która ma wywołać empatię i refleksję. Nominowana do ‚Prime Stage’, Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, 2020. Uczestniczyła w wystawach: ‚Art Naif Festiwal’, Galeria Szyb i Wilson, 2021. Maluje również charytatywnie m.in. dla Fundacji WOŚP.

SUCHARSKI Bartosz (Bart) — absolwent wzornictwa przemysłowego na Politechnice Koszalińskiej. DJ, animator klubowej sceny muzycznej w Polsce, który w malarstwie, rzeźbie, sztuce street art’u i plakacie odnalazł największą pasję.Artysta tworzący na styku form, struktur i dziedzin. Jego prace często „wychodzą na zewnątrz”, uciekając od płaskiej powierzchni. Docenia geometrię, lecz również powietrze w plastyce. Inspirują go wszystkie bodźce i wrażenia, których doświadcza. Natura, wielkie miasta, „Mistrz i Małgorzata”. Miłość. Zamyka je w malarskim piktogramie.

LEBEDZ Zlata — (ur. w Mińsku, Białoruś) studiowała na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach, gdzie obroniła dyplom pod kierunkiem Andrzeja Tobisa i Dominiki Kowyni. Jej praktyka artystyczna koncentruje się na malarstwie olejnym, ale obejmuje również tworzenie obiektów. Jak mówi o swoim malarstwie: "Obraz zaczyna się od zalążka. Podczas malowania nadal się ujawnia – i to jest ciekawy, niezwiedzany teren. Każda mała wiedza o świecie staje się podłożem obrazu.Każdy obraz ma swój punkt ciężkości. Może nim być postać, kolor, format albo odczucie. Szkicuję szybko, żeby nie przegadać obrazu i nie zgubić jego energii. Kolor przychodzi. Format jest częścią obrazu. Obraz nie jest ilustracją słów, lecz miejscem, w którym znaczenie dopiero się wyłania. Dlatego tytuły są dla mnie równie ważne jak obrazy. Kolory nie ilustrują emocji – towarzyszą sposobowi, w jaki doświadczamy rzeczywistości. Moje obrazy nie tworzą zamkniętych cykli, lecz wspólny język. Rzeczy zachowują swoją tożsamość, jednocześnie przeobrażając się i wchodząc w nowe relacje. Obrazy i tytuły powstają z tego samego intelektu emocjonalnego. Kończę malować wtedy, kiedy obraz zaczyna mieć sens".

HOFFMAN Hanna – nauczycielka plastyki, od lat związana ze sztuką i rękodziełem. Jej liczne pasje – od decoupage’u, soutache’u i szycia zabawek, przez techniki mixed media, aż po akwarelę – z czasem doprowadziły ją do największej miłości: tkactwa. To właśnie w tkaninie odnalazła przestrzeń dla swojej kreatywności, wrażliwości i radości tworzenia. Fascynuje ją możliwość łączenia kolorów, faktur i form oraz tworzenia unikatowych prac, w których tradycyjne rzemiosło spotyka się z indywidualną wyobraźnią.

KOCHANIEC Grzegorz — wrocławianin, absolwent Uniwersytetu Przyrodniczego, od kilku lat artysta każdą swą wolną chwilę przeznaczający na tworzenie. Wśród inspiracji, które wywarły największy wpływ na jego twórczość znajdują się utwory Schulza, Kafki, Gombrowicza czy Cortazara oraz malarstwo Dalego, Greya, Beksińksiego czy grafiki Eschera. Jego obrazy są wyrazem buntu przeciw odczarowanemu światowi popkultury, poszukiwaniem magii i niezwykłości w zwyczajnym życiu. Co ciekawe w pracach najczęściej używa ...długopisu.