GĄSIOROWSKA Hanna (1986) — (ur. 1986) ukończyła UMK w Toruniu, Wydział Sztuk Pięknych, Projektowanie graficzne. Otrzymała Stypendium Kulturalne Miasta Gdańsk; 2018, Stypendium Prezydenta Miasta Głogowa; 2008-2012 oraz Stypendium Prezesa Rady Ministrów; 2003-2005. Uczestniczka licznych wystaw, aukcji m. in.: Hanna Gąsiorowska, Zima/Lato, Galeria Katarzyny Napiórkowskiej, Warszawa, 2018; Zima/Lato, MOK, Galeria Edukacji Twórczej, Głogów, 2018; 7 Młodych Malarzy, Galeria Katarzyny Napiórkowskiej, Warszawa, 2017; I Pomorskie Biennale Sztuki Młodych-Potok Sztuki; Sopot Centrum, Sopot; 2016; finał konkursu na plakat „Nie ma dzieci są ludzie” organizowany przez Rzecznika Praw Dziecka, Warszawa; 2012.

LESZCZYŃSKA Paulina (Pola) — absolwentka warszawskiej ASP 2005 rok - Wydział Grafiki Użytkowej. Wywodzi się z rodziny o tradycjach artystycznych, tworzy w sposób wszechstronny, łącząc malarstwo olejne, akrylowe oraz grafikę. Jej twórczość to wędrówka między intensywną abstrakcją a malarstwem przedstawiającym. Autorka wielu wystaw indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą (m.in. Warszawa, Poznań, Wrocław, Bruksela). Należy do Związku Polskich Artystów Plastyków w Warszawie oraz Stowarzyszenia Marynistów Polskich w Ustce. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych na świecie. Biogram artystki podkreśla ewolucję w stronę dojrzałej abstrakcji oraz ugruntowania pozycji na polskim rynku sztuki. W latach 2023-2026 Paulina Leszczyńska umocniła swoją pozycje jako jedna z ciekawszych kolorystek współczesnego malarstwa warszawskiego. Okres ten charakteryzuje przejście od malarstwa figuratywnego i florystycznego - czego wyrazem była wystawa „Impresje kwiatowe” (2023-2024) - ku dojrzałej, wielowarstwowej abstrakcji, zaprezentowanej na indywidualnej ekspozycji „Z abstrakcją w tle” (OWZPAP). W swojej najnowszej twórczości artystka skupia się na badaniu struktury obrazu i emocjonalnej sile koloru, co znajduje odzwierciedlenie w rosnącym zainteresowaniu jej pracami na czołowych aukcjach sztuki w Polsce. Ostatnia wystawa pt. „Synteza koloru” w Misjach Afrykańskich (2025) była malarskim zapisem podróży, często pejzaży emocjonalnych, gdzie każda plama i pociągnięcie szpachli jest oddaniem chwili, wewnętrznego rytmu i niedopowiedzianej historii. „Moja twórczość to dialog między konkretną formą natury a wolnością abstrakcyjnego gestu, struktury i gry świateł. W moich płótnach przedstawiam precyzję kształtów lub dynamiki - stają się one punktem do budowania abstrakcyjnych przestrzeni. To proces rozpadu formy na rzecz czystego koloru i światła. Łączę warsztat klasyczny z nowoczesną ekspresją".

SYSŁO Łukasz — absolwent historii na Uniwersytecie Adama Mickiewicza w Poznaniu, ukończył także podyplomowe studia plastyczne w Collegium Da Vinci w Poznaniu. Obecnie mieszka i tworzy w Wiedniu. Jego prace obejmują głównie malarstwo. Czerpie inspiracje z kubizmu, bauhausu i sztuki najnowszej. Najlepiej odnajduje się w formie figuratywnej. W swoich pracach zestawia posągowość z defragmentacją, organiczność z formami kubistycznymi oraz monumentalizm z subtelnym erotyzmem. Często sięga po klasyczne archetypy ukazując je w kontekście współczesnych problemów. Jego dotychczasowy dorobek można było podziwiać na czterech indywidualnych wystawach: „Formy ciała”, Ziębickie Centrum Kultury (2022); „Osoby kubistyczne”, Studio Korczak w Poznaniu (2023); „Boginie Olimpu”, Hair Bazaar Studio w Poznaniu (2024) oraz „Samce Alfa”, Fort Sokolnickiego w Warszawie (2025). W 2024 roku jego prace brały udział w wystawie zbiorowej w Galerie Calabro w Zurychu, natomiast w 2025 roku obrazy artysty można było podziwiać na III Przeglądzie Sztuki Współczesnej „Nowa Awangarda” w Galerii Szyb Wilson w Katowicach a także na wystawie zbiorowej „Mężczyzno, co Ci zabrał patriarchat?” w Pyramida Gallery w Poznaniu.

ABRA Joanna — absolwentka politologii na Uniwersytecie Warszawskim, zawodowo przez kilkanaście lat związana z branżą mediowo-kreatywną. Jej prace oscylują między realizmem magicznym a surrealizmem, z których czerpie największą inspirację. Silne kontrasty i intensywne barwy są obecne w jej artystycznych realizacjach, podobnie jak fascynacja kosmosem i jego obiektami. Zarówno nocne, jak i dzienne niebo, z bogactwem zjawisk, które się na nim pojawiają, często stanowi główny temat lub ważny kontekst dla innych przedstawianych treści. Tworzy również z wyobraźni, budując tajemnicze, niedookreślone przestrzenie, które znajdują się poza czasem i rządzą się własnymi prawami. W swoich obrazach stara się połączyć. materialny świat ziemski z tym, co duchowe i nieuchwytne, wykraczające poza zmysłowe doświadczenie i logiczną analizę. Abra brała udział w wielu wystawach w Polsce, m.in. w wystawie indywidualnej w Galerii Jaś i Małgosia w Warszawie (2025).

FIEDLER Stefania — artystka interdyscyplinarna, animator kultury. Absolwentka UAP im. Magdaleny Abakanowicz oraz UAM w Poznaniu. Członkini Polskiego Komitetu Międzynarodowego Stowarzyszenia Wychowania przez Sztukę InSEA. Jest artystką w nieustannej drodze. Tworzy, aby rozumieć – siebie, człowieka i rzeczywistość, która nieustannie się odsłania. Jej obrazy są zapisem wewnętrznych podróży, spotkań z podświadomością, wspomnieniami i intuicją. Zainteresowanie naukowe toczy się wokół roli sztuki w procesie kształtowania podmiotowości oraz pojęcia “edukacji” szeroko rozumianej. Znajduje się w ciągłym poszukiwaniu siebie jako artystki, pedagoga i człowieka. Stypendium Marszałka Województwa Wielkopolskiego w dziedzinie kultury 2022. za: https://stefaniafiedler.pl

NOREK Maria — nauczyła się samodzielnie malarstwa. Jej twórczość to nieustanne poszukiwanie pierwotnej przyjemności, wyrażanej poprzez intensywne kolory i dynamiczne kompozycje. Obrazy pulsują energią, wibrują emocjami i znaczeniami, wciągając widza w senne, wewnętrzne światy. Prace Norek są głęboko osobiste, ściśle związane z tym, czego doświadcza, co czyta oraz co ją emocjonalnie porusza. Poprzez zbieranie w sobie uczuć, myśli, zapachów - aż są one nie do pomieszczenia, obrazy stają się rozwiązaniem tego wewnętrznego napięcia. Każdy obraz to poszukiwanie koloru, kształtu, symbolu i dążenie do miejsca, gdzie granica między tym, co wewnętrzne, a zewnętrzne, przestaje istnieć.

HADAKI — pracownia ceramiczna Magdaleny Kucharskiej (1983), absolwentki poznańskiej grafiki projektowej na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Przez wiele lat po studiach zajmowała się projektowaniem graficznym. Od 2014 roku prowadzi studio ceramiczne Hadaki. Ceramika Hadaki to głównie naczynia użytkowe, zaprojektowane z myślą o tych, którzy pragną mieć w swoim otoczeniu przedmioty niebanalne i przyjazne. Wszystkie prace wykonywane są ręcznie, od prostych, surowych form, po organiczne kształty i kolorowe naczynia. Główne założenia to prostota i zbliżenie do natury. Wystawy: 2023 „Sen o Galaktyce” – Mirror Cube, Poznań; 2022 „Must Have” – Łódź Design Festival, Łódź, „Dobry wzór – Muzeum Narodowe, Warszawa; 2021 „Nów w Pełni” – Warszawa; 2020 „Postęp” – Lodz Design Festival, Łódź; 2019 – „On the Table” – Lodz Design Festival, Łódź, „Dziewczyny na warsztat” – Instytut Designu, Kielce”Vilage_01” – Spot, Poznań; 2018 – „Must Have” – Lodz Design Festival, Łódz, „Salve” – Instytut Designu, Kielce; 2017, – „Make me” – Lodz Design Festival, Łódź, „12x12 Festival – Paryż, „The Bridge” – Stary Browar, Poznań, „Retrospekcje” – Gdynia Design Days, Gdynia; 2016 – „Retrospekcje” – Lodz Design Festival, Łódź.

OWCZAREK Jolanta — absolwentka socjologii na Uniwersytecie im Adama Mickiewicza w Poznaniu. Z zawodu finansistka, od lat przejawiała zainteresowanie sztuką, szczególnie malarstwem współczesnym, które sama kolekcjonuje. Własną przygodę z malarstwem zaczęła trzy lata temu uczestnicząc w zajęciach z malarstwa Uniwersytetu Artystycznego Trzeciego Wieku w Poznaniu. Specjalizuje się w malarstwie farbami akrylowymi i olejnymi. Fascynuje ją malarstwo abstrakcyjne, ale obecnie doskonali warsztat w zajmując się malarstwem figuratywnym. W kręgu jej zainteresowań jest również fotografia tradycyjna i cyfrowa. Od kilku lat uczestniczy w zajęciach dr Oleksa na UATW w Poznaniu.

GÓRSKA Magdalena (@magda_americangangsta) — kolażystka, ilustratorka, malarka, artystka NFT, eksperymentująca z AI. Jako jedyne narzędzie w swojej kolażowej pracy artystycznej wykorzystuje niezbędny w obecnych czasach przedmiot – telefon komórkowy. Jej prace to intelektualnie stymulujące dzieła, dzięki którym realizuje swoje artystyczne pasje. Kolaże powstają z potrzeby kwestionowania świata i wnikliwej jego oceny. Artystka ukazuje harmonię pomiędzy naturą i ludźmi, wyśmiewa schematy, podważa dotychczasowe postrzeganie rzeczywistości. Magda wystawia w Nowym Jorku, Barcelonie, Edynburgu, Paryżu i Warszawie, jest autorką plakatów do spektakli.

SZMIDA Ola — (ur. 1987) polska rysowniczka, ilustratorka i reżyserka filmów animowanych. Studiowała animację na ASP w Poznaniu i KHM w Kolonii (stypendium DAAD). Jej filmy animowane były pokazywane i nagradzane na wielu międzynarodowych wystawach i festiwalach (m.in.: Seville European Film Festival, Anilogue, Animafest, Mecal). Współpracowała, między innymi, z : BBC, Boiler Room, Southbank Centre. Laureatka (wraz z Wandą Hagedorn) Literackiej Nagrody m.st. Warszawy za komiks ‚Twarz, Brzuch, Głowa’.

DZYCIMSKI I Łukasz — (ur. 1982) absolwent filologii angielskiej UAM oraz projektowania graficznego UAP. Art Director, ilustrator, projektant graficzny, tatuator związany z Poznaniem. Współtwórca kolektywu ilustratorskiego ILU NAS JEST. facebook: lukasz.drzycimski instagram: lukasz_drzycimski;

FAUSEK-KACZANOWSKA Aneta — artystka wizualna i edukatorka. Absolwentka Arteterapii na UIK oraz Edukacji artystycznej w zakresie sztuk plastycznych na ASP w Krakowie. W swojej twórczości porusza wątki społeczne, psychologiczne i terapeutyczne. Zajmuje się rysunkiem, malarstwem a także działaniami wizualnymi o zasięgu artystycznym i społecznym. Podejmując je pragnie poznać istotę człowieczeństwa oraz wspierać kontakty międzyludzkie. Wykorzystuje do tego różne techniki plastyczne łącząc je w nieoczywiste zestawienia. Jest finalistką konkursu o Nagrodę Eibischa w roku 2021. Uczestniczyła w konkursach i wystawach: I Ogólnopolski Konkurs z cyklu Nowe Sytuacje "Ożywienie", Międzynarodowa Wystawa Rysunku Studenckiego: #rysować / on-line. Wystawy indywidualne „Człowiek nie jest tylko człowiekiem" w Galerii Studenckiej „Punkt zwrotny" oraz w Wojewódzkiej Bibliotece Publicznej w Krakowie.

GOS Kamil — malarz samouk. Inspiracją dla jego twórczości jest fascynacja światłem, którą wyniósł ze swojej pracy zawodowej i przeniósł na kanwę malarstwa abstrakcyjnego. Na potrzeby swoich dzieł wypracował autorską technikę, za pomocą której uzyskuje efekt kontrastowego rozmycia kształtów i przestrzeni. Rezultatem zastosowania pogrubionej warstwy farby są cienie nadające obrazom dodatkowej głębi. Jego prace charakteryzują się wyjątkową wrażliwością na światło, które projektuje wrażenia odbiorcy swoim natężeniem, barwą oraz kątem, pod którym pada na obraz.

pseud. SOMEART — po ukończeniu kilku szkół artystycznych, skupił się na szeroko pojętym malarstwie, wyklejaniu vlakatów oraz fotografii analogowej. Interesuje się teorią strun i wielowymiarowością przestrzeni. Jego prace malarskie są próbą przedstawienia świata, w którym dostrzegalne są wyższe wymiary. Ośmiościan to znak, którym posługuje się do przedstawiania niedostrzegalnych przez ludzi wyższych wymiarów, bryła Platońska. Sam ‘znak’ przedstawiany jest w różnych lokalizacjach. Czasami jest tylko obserwatorem, wyłącznie analizując i badając nasz odrealniony świat. Z kolei innym razem sieje zniszczenie i niepokój. Innym, długoterminowym, ulicznym projektem artysty są vlepki i vlakaty, będące zarazem przenośną, naścienną wizytówką Someart’a. Przedstawiają ludzkie głowy, twarze obcych i znajomych oraz przedstawicieli różnych religii i zawodów. Można je odnaleźć w wielu miastach całej Europy i nie tylko. Zamysłem projektu jest ukazanie różnorodności, ale też indywidualności każdego z nas. Wszyscy jesteśmy dziełami sztuki. Prace artysty prezentowane były w takich galeriach jak: Desa – Warszawa, Pure Evil Gallery - Londyn, Stary Browar - Poznań, Centrum Kultury Zamek – Poznań, Microsoft Store NYC Flagship - Nowy Jork, WellHung - Londyn, Centrum Promocji Kultrury - Warszawa, Punkt – Gdynia. A.

pseud. BIOSME BROCKI — (ur. 1988 w Jeleniej Górze), w swojej twórczości łączy outdoor z indoorem, graffiti z muralem, twarde projektowanie z lekkim ilustrowaniem. Jego prace składają się na autorskie uniwersum artystyczne nazywane MutoLandem – jak mawia sam artysta "jest to świat z pogranicza snu i koszmaru z widokiem na Karkonosze." Brocki swoje prace najczęściej umieszcza w przestrzeniach zniszczonych i zapomnianych, nadając im pierwiastek nowego życia. Jego obrazy znajdują się w kolekcjach prywatnych w Polsce, Niemczech, Irlandii, Francji, Norwegii, Hiszpanii, USA oraz Hongkongu.

KUBISIAK Zofia — (ur. 1961) dekorator wnętrz w Polsce i w Europie. Tę pasję uzupełnia fascynacja malarstwem, które niejednokrotnie jest jej własnym artystycznym dodatkiem w zaprojektowanych i zrealizowanych wnętrzach. Oprócz projektowania i malarstwa zajmowała się grafiką komputerową, projektowaniem okładek do książek, folderów reklamowych (m.in. na rynek amerykański). Jej obrazy znajdują się w prywatnych kolekcjach w Polsce, Danii, Irlandii, Niemczech, Szwajcarii, Stanach Zjednoczonych i we Włoszech. Jej obrazy wystawiane były na Aukcjach w Galerii Miejskiej Arsenał, w Centrum Kultury Zamek, również za pośrednictwem portalu rynku sztuki ARTINFO. Uczestniczyła w kilkunastu wernisażach, między innymi w Pomarańczarni w Wielkopolskim Centrum Onkologii – która dała jej największą satysfakcję. Uczestniczyła w wystawie ,,Architekt Artysta” w Galerii Sztuki ,,MO”. Założycielka inicjatywy społecznej ,,art!show” w której propaguje sztukę w przestrzeniach publicznych, promując artystów z różnym wykształceniem, dając przy tym obcowanie z sztuką i artystami na żywo. Wspomaga wiele charytatywnych instytucji szczególnie zaangażowana jest w pomoc osobom ze spektrum autyzmu.

DZIKLIŃSKA Agnieszka — (ur. 1994) pochodzi z Warszawy.W 2018 roku ukończyła studia magisterskie na kierunku edukacja artystyczna w zakresie sztuk plastycznych, specjalność arteterapia w Kolegium Edukacji Artystycznej APS im. Marii Grzegorzewskiej w Warszawie. Dyplom artystyczny obroniła w pracowni malarstwa dr hab. prof. APS Grzegorza Mroczkowskiego. Pracowała z Markiem Sułkiem w tworzeniu ogólnie rozumianej sztuki na rzecz Warszawy. Obrazy Dziklińskiej pojawiały się na Aukcjach Sztuki w Polsce oraz wystawach w Londynie. Od kilku lat współpracuje z galerią sztuki w Gdańsku. Malarka w swoich obrazach chce pokazać ukryte emocje podczas przebywania z żywiołem wody. W swoich pracach nawiązuje do wspomnień, osobistych doświadczeń, ważnych miejsc.

FAUSEK-KACZANOWSKA Aneta — artystka wizualna i edukatorka. Absolwentka Arteterapii na UIK oraz Edukacji artystycznej w zakresie sztuk plastycznych na ASP w Krakowie. W swojej twórczości porusza wątki społeczne, psychologiczne i terapeutyczne. Zajmuje się rysunkiem, malarstwem a także działaniami wizualnymi o zasięgu artystycznym i społecznym. Podejmując je pragnie poznać istotę człowieczeństwa oraz wspierać kontakty międzyludzkie. Wykorzystuje do tego różne techniki plastyczne łącząc je w nieoczywiste zestawienia. Jest finalistką konkursu o Nagrodę Eibischa w roku 2021. Uczestniczyła w konkursach i wystawach: I Ogólnopolski Konkurs z cyklu Nowe Sytuacje "Ożywienie", Międzynarodowa Wystawa Rysunku Studenckiego: #rysować / on-line. Wystawy indywidualne „Człowiek nie jest tylko człowiekiem" w Galerii Studenckiej „Punkt zwrotny" oraz w Wojewódzkiej Bibliotece Publicznej w Krakowie.

pseud. TECHNAZJA / KULIŃSKA Anastazja — (ur. 1990, Olsztyn) Uzyskała tytuł magistra (Collegium Civitas w Warszawie) oraz licencjata (Uniwersytet Mikołaja Kopernika w Toruniu) w dziedzinie politologii ze specjalizacją w marketingu politycznym. Zajmowała się zawodowo marketingiem przez 10 lat. Ostatnie 5 lat poświęciła pracy w branży gier komputerowych, gdzie była odpowiedzialna za promocję tytułów, które sprzedały się w milionach kopii na całym świecie. Od 2021 Technazja buduje swój własny głos w sztuce tatuażu oraz w malarstwie. Swoją twórczość opiera na dychotomiach zaczerpniętych z zakresu polityki, ekologii oraz współczesnej popkultury. Jej prace były wystawiane na wystawach zbiorowych w Poznaniu oraz na międzynarodowej wystawie nagrody Art@Climate2030 w Göteborgu w Szwecji, w której brała udział jako finalistka. Mieszka i tworzy w Poznaniu.

NOWACKA Sara — studentka malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, w pracowni profesora Normana Smużniaka. Wychowanie w religijnej rodzinie wpłynęło na podejmowaną tematykę twórczości. Zajmują ją tematy mitów, snów, duchowości. Szczególnie zaś miejsce kobiety w micie. Maluje akrylem i flashe (farbami winylowymi) na nietypowych podłożach np. Tyvek czy washpapa. Ceni gładki efekt jaki dają te techniki. W pracach powraca do klasycznych, biblijnych tematów, jak Walka Jakuba z Aniołem, czy Pieta, ale też do wizji bogiń i postaci, które przekraczają granice uzgodnionej rzeczywistości. Czytam min. Campbella, Junga, Eliade, Arnolda Mindella, Clarisę Pinkolę Estes. Jej obrazy mają dotykać tego co pierwotne, wspólne i służyć do kontaktu z czymś większym.

DRZEWIECKA Izabela — ukończyła studia wyższe na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu Instytut Pedagogiczno- Artystyczny w Kaliszu. Edukację z malarstwa odbyła w pracowni profesora Andrzeja Niekrasza. Najbardziej lubi malarstwo akrylowe, olejne oraz akwarele. To przede wszystkim abstrakcje, ale duża część to także motywy roślinne i kwiatowe, pejzaże, portrety. Osobną grupą, są obrazy, do których artystka przywiązuje szczególny sentyment, ponieważ są to prace powstałe na plenerze malarskim we włoskiej Toskanii oraz prace inspirowane tym wyjazdem. Jeśli chodzi o czytelność motywów, stara się nie stawiać i nie podkreślać za każdym razem wyraźnej granicy między abstrakcją a przedstawianiem jakiejś określonej rzeczywistości. W malarstwie ważna jest wolność i wolność wyboru, a nie jej ograniczanie i to samo dotyczy tego, co przeżywa odbiorca. Każdy z nas ma własne życie i własną prawdę, opartą na przeżyciu. Dokładnie tak samo powstaje obraz. To właśnie przeżycie i wrażenie skłania artystkę do malowania. To, jak odbiera rzeczywistość, jak odbiera kolor, jak przekłada to na język malarski, czyli pracę z farbami i płótnem. Nie naśladuje rzeczywistości, tylko wyraża ją, właśnie dlatego, żeby odbiorca miał większą satysfakcję z oglądania i żeby miał większą swobodę w odbiorze autorskich prac. Jeśli trzeba by było określić w skrócie nurt tej sztuki, jest to nurt ekspresyjny oscylujący między abstrakcjonizmem a realizmem, ale do realizmu nie zbliżający się. Jednak artystka nie stara się zawsze płynąć z jednym nurtem. Podstawą jest dla niej być wierną sobie, ale też być w relacji z odbiorcami. Zależy jej na tym, aby wzbudzać w widzach pozytywną energię, poczucie ukojenia, wynikające z powiązania naszego życia i naszej natury z przyrodą. Wierzy w to, że obraz, który może podkreślić pewne wrażenia, wzmocnić je, jest w stanie napełnić człowieka mocą i dać energię wynikającą z naturalnej relacji z naturą. Ta harmonia jest nam teraz potrzebna jak nigdy wcześniej. Jej prace znajdują się w zbiorach prywatnych w Polsce i zagranicą.

SADOWSKA Anna — malarstwem zajmuje się amatorsko. "Ogromną przyjemność sprawia mi portretowanie ludzi w różnych, często zabawnych sytuacjach. Maluję farbami olejnymi a także akwarelami".

CZERWIŃSKI Dariusz — (ur. 1968 r.), ukończył PWSSP w Poznaniu (obecnie Uniwersytet Artystyczny im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu). Zawodowo zajmuje się grafiką użytkową, oprawą graficzną wydarzeń (np. Charytatywnej Aukcji Sztuki Współczesnej APERIO w Poznaniu!), projektowaniem książek, okładek i ich składem. Jest autorem wielu znak.w graficznych, ilustracji i plakat. W swojej pracy twórczej wykorzystuje piórko, pędzel i tusz, wszelkie tradycyjne techniki graficzne oraz techniki cyfrowe. Debiut artystyczny rozpoczął na wystawie zbiorowej „Junge Polnische Grafik” w 1993 r. w Niemczech. Obecnie częściej wraca do tradycyjnej grafiki warsztatowej. Wystawy: 20th International Biennale of Theatre Poster Rzeszów 2026, 19. Międzynarodowe Triennale MAŁE FORMY GRAFIKI ŁÓDŹ 2026, TOP10 na Festiwalu TEATROPOLIS w Łodzi za plakat „Wesele” S. Wyspiańskiego – 2025, TOP15 za plakat 60 lat od premiery „Księcia Niezłomnego” J. Grotowskiego Teatru Laboratorium – 2024.

DĄBROWSKI Paweł — w 2002 r. ukończył Katedrę Sztuki na Politechnice w Radomiu. Zajmuje się malarstwem olejnym i akwarelowym. Drugą wielką pasją artysty jest praca w szkole z młodymi ludźmi. Wspiera aukcje charytatywne, od 2007 roku uczestniczy w aukcjach fundacji Psychoonkologii i Promocji Zdrowia „Ogród nadziei” również swoimi obrazami wspiera fundację SYNAPSIS. Autor wystaw indywidualnych w Ambasadzie USA w Warszawie (2006, 2007). Uczestnik ekspozycji: Studium Plastyczne Collage, Warszawa (1998); Politechnika Radomska (2003); Netgaleria (2004); Malarstwo młodych, Galeria Gama-due, Warszawa (2005); Motto cafe, Warszawa (2006).Galeria „Uległa” wystawa indywidualna, Warszawa (2016). „Każdy obraz powinien bawić, inspirować, cieszyć oko, malować trzeba „ładnie” w każdym obrazie powinna kryć się dusza, powinien świecić wewnętrzną aurą. Bardzo ważnym elementem każdego mojego obrazu jest kolor, czasem cichy, subtelny, delikatny a czasem głośny, krzyczący, zabierający barwę wszystkim przed- miotom wkoło”. (2014 Paweł Dąbrowski) “Dziś właściwie jest tak samo, staram się by moje obrazy, pulsowały kolorem i przyciągały oko wypchnięte z szarej rzeczywistości”.

TOCHMAN Joanna — (ur. 1992 w Krakowie) absolwentka historii sztuki na Uniwersytecie Jagiellońskim oraz Wydziału Malarstwa krakowskiej ASP, gdzie w 2018 r. obroniła dyplom w pracowni prof. Andrzeja Bednarczyka. Aneks do dyplomu zrealizowała na Wydziale Grafiki w Pracowni Fotografii prowadzonej przez dr Thomasa Agata Blonskiego. Obszar jej działalności twórczej obejmuje malarstwo, fotografię oraz obiekty artystyczne. Finalistka Artystycznej Podróży Hestii 2018, laureatka drugiego miejsca w konkursie o Nagrodę Artystyczną Nowy Obraz Nowe Spojrzenie 2018, laureatka Grand Prix w Konkursie Eibischa 2019, dwukrotna finalistka Strabag Artaward International (2021, 2023), finalistka Lubelskiej Wiosny 2023. W 2019 roku w galerii Duża Scena UAP w Poznaniu miała miejsce jej pierwsza indywidualna wystawa pt. Opowiem inną przygodę, dziwniejszą. W 2022 artystka otrzymała międzynarodową nagrodę Young Space Award for Visual Arts Scotland.

GALERIA RUSZ — tworzona przez toruńskich artystów Joannę Górską i Rafała Góralskiego, specjalizuje się w kreowaniu i prezentacji sztuki w przestrzeni publicznej. Artyści poprzez swoje nowatorskie działania wprowadzają ważne, „myślące” komunikaty w przestrzeń miasta i namawiają do zastanowienia się nad istotnymi zagadnieniami, dotyczącymi współczesnego człowieka i świata. Od 1999 roku prowadzą galerię bilbordową w Toruniu, gdzie pokazują własne prace. Jest to najdłużej działająca galeria tego typu na świecie, prezentująca już ponad 20 lat sztukę w przestrzeni miasta. Aktualnie Galeria działa na 5 bilbordach (2 w Toruniu i 3 w Warszawie). Twórcy na swoim koncie mają już ponad 500 artystycznych bilbordów. Galeria Rusz była wielokrotnie nagradzana, a artyści uzyskiwali stypendia twórcze: stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, prestiżowe Stypendium „Młoda Polska”, nagroda Miasta Torunia im. Grzegorza Ciechowskiego, nominacja do Nagrody Fundacji Deutsche Bank „Spojrzenia 2007”, nagroda Marszałka Województwa Kujawsko – Pomorskiego. Artyści brali udział w 40 wystawach w Polsce i za granicą, m. in. w Londynie, Berlinie, Birmingham, Karlsruhe, Nowym Jorku oraz Oakland /Kalifornia.

FAGLIO Adam — traktuje malarstwo jako rzeczywiste powołanie. Jest realistą, a rzeczywistość przedstawiona w jego twórczości to: pejzaże, martwe natury, portret i temat sakralny.Jest to zwykle malarska transpozycja otaczającego świata. Prace artysty oddają urok i emocje miejsc, z którymi miał styczność i które urzekły go na drodze twórczych poszukiwań. To, co przykuwa w nich wzrok, to przemyślana kompozycja, dobór barw, precyzyjny rysunek oraz specyficzny nastrój. W pejzażach potrafił dostrzec uroki wszystkich pór roku. Widzimy warunki atmosferyczne – mgłę, wiatr, mroźny poranek, słoneczny dzień lub świetlisty wschód słońca; niebo odbijające się w tafli wody i łąkę poprzetykaną żółtymi plamami mleczy. Martwa natura wyraża metaforyczne przemyślenia artysty. Dobierane do niej rekwizyty są starannie wyselekcjonowane, tak, aby przez relację kształtów i sąsiedztwa barwne osiągnąć specyficzny nastrój i napięcie – atmosferę irrealności – wręcz marzenia. Transponowane na płótno przedmioty nabierają samoistnego znaczenia, działając na zmysł widzenia, są przynętą dla wtajemniczenia nas w treść tego, co obraz przedstawia – dlatego ich wymowa jest tak poetycka, pełna niedopowiedzianej opowieści Artyście nie można przypisać określonej gamy barwnej. Kolorystyczne zestawienia w jego obrazach są często odbiciem subiektywnych doświadczeń, wrażeń i emocji. Posiada znakomite wyczucie koloru. Bazując na barwach lokalnych, tworzy własne środki wyrazu. Potrafi osiągnąć rozmaite efekty, stosując raz gamy przygaszone, raz intensywne i migotliwe. Adam Faglio urodził się 13 grudnia 1954 roku w Wiśniczu, gdzie do dziś mieszka i pracuje. Zajmuje się wyłącznie malarstwem. Uczestniczy w życiu artystycznym, biorąc udział w plenerach oraz wystawach zbiorowych i indywidualnych. Jego prace znajdują się w licznych zbiorach prywatnych i publicznych (muzeach, kościołach) w kraju i za granicą. www.faglio.com "Mieć tylko otwarte oczy – aby się nauczyć więcej widzieć, słyszeć i odczuwać. W zasięgu jej oddziaływania przebiega życie każdego z nas – kształtuje się nasza wrażliwość i nasza historia, w niej również odnajdujemy wytchnienie".

KURAN Tomasz — ( ur. 1971) absolwent warszawskiej ASP, Wydział Konserwacji i Restauracji Dzieł Sztuki, dyplom pod kierunkiem prof. J. Szpor. Studiował także Malarstwo u prof. R. Ziemskiego - do dyplomu został załączony aneks z malarstwa pt. „Głowa". Jest autorem kilku wystaw indywidualnych, współtworzył też kilka wystaw zbiorowych w kraju i za granicą m.in. w Państwowej Galerii Sztuki w Płocku, galerii Dzwonnica w Warszawie czy w wiedeńskim Domu Kultury.

KAMIEŃ, KAMYK, KAMYCZEK — poznańskie turkusowe szopy, będące gatunkiem inwazyjnym, który – tak jak street art – pojawia się dziki i nieproszony. Swoją obecność zaznaczają najczęściej przez wlepy, paste-upy i graffiti.

KACZMARCZYK-HUDZIK Jagoda (ur. 1966 r. w Krakowie), studiowała malarstwo na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dyplom z wyróżnieniem w 2007 r. pod kierunkiem prof. Jana Pamuły. W trakcie studiów otrzymała Stypendium Ministra Kultury 2003/04 r. W 2010 r. zdobyła Medal Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz wyróżnienie czasopisma „Sztuka.pl” w konkursie malarskim organizowanym przez Fundację Kultury im. I. J. Paderewskiego. Wystawy indywidualne: „Machina” Galeria PWST Kraków 2008. Galeria Hotelu Logos wystawa malarstwa, Kraków 2008 „Tonacje” Galeria Raven, Kraków 2010 „Czy ten wszechświat jest przyjazny?” Stowarzyszenie artystyczne „Tygart”, Kraków 2011. Wystawy zbiorowe: „Quadro-Art” Łódź 2007. II Triennale Polskiego Malarstwa Współczesnego „Jesienne Konfrontacje” BWA Rzeszów 2010. Wystawy pokonkursowe: Fundacji im. I. J. Paderewskiego, Kraków, Pałac Sztuki 2009, Dom Polonii, Kraków 2010.

JACKIEWICZ Agnieszka — ukończyła studia magisterskie na wydziale malarstwa i projektowania malarstwa w architekturze i urbanistyce. Dyplom uzyskała na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Wkrótce potem przeniosła się do Stanów Zjednoczonych i zamieszkała w Connecticut, gdzie mieszka i tworzy do dziś. Bierze udział w różnych wystawach i konkursach artystycznych w USA i Europie, a jej prace można znaleźć w wielu hotelach i prywatnych kolekcjach. "Odkąd pamiętam, sztuka była ważną częścią mojego życia, a moim ulubionym zajęciem zawsze było malarstwo abstrakcyjne. Tworzenie jest czymś, co mnie relaksuje i bez względu na to, jak wielki problem napotykam w życiu, kiedy maluję, zapominam o całym świecie. W tym momencie jestem tylko ja i płótno. Sama myśl, że ludzie poświęcą kilka minut ze swojego życia, aby cieszyć się i próbować zrozumieć przesłanie kryjące się za moimi żywymi obrazami, przynosi mi wiele radości. To sprawia, że chcę włożyć jeszcze więcej serca w moje kolejne prace. Mam nadzieję, że zawsze będę w stanie tworzyć obrazy, przedstawiające piękno, które widzę wokół siebie każdego dnia".

pseud. KEJTER 61 —------------------------------------------------ ------------------------------------------------------------ ------------------------------------------------------ ---------------------------------------------------------.

pseud. ROJBER — twórca Street Artu, który od 2018 roku pojawia się na murach polskich i zagranicznych miast. Świnia stała się jego znakiem rozpoznawczym oraz nośnikiem pozytywnej energii w miejskim pejzażu. Od lat fascynuje go antropologia oraz historia śladów pozostawianych przez człowieka – od rysunków naskalnych po współczesne graffiti. Z czasem jego znak rozpoznawczy zaczął ewoluować — świnia nie jest już jedynym bohaterem obecnym w jego twórczości. Artysta rozwija własny alfabet postaci, poszerzając wachlarz charakterów i emocji, które przenosi na miejskie mury. Tworzy głównie za pomocą farb, markerów i wlepek, realizując także formy przestrzenne oraz asamblaże – traktując przestrzeń miejską jako pole do gry, eksperymentu i pozostawienia śladu.

pseud. KEJTER 61 —------------------------------------------------ ------------------------------------------------------------ ------------------------------------------------------ ---------------------------------------------------------.

JACZYŃSKI Kamil Jakuza — artysta plastyk, zawodowo związany z branżą muzyczną. Mieszka i tworzy na warszawskiej Pradze. Wykładowca oraz specjalista do spraw public relations i marketingu muzycznego. Członek Akademii Fonograficznej, Związku Polskich Artystów Plastyków „Polska Sztuka Użytkowa” i Związku Producentów Audio Video. Jego twórczość plastyczna to szeroko rozumiany neo-ekspresjonizm tworzony przy użyciu technik mieszanych. Najczęściej z wykorzystaniem farb i tuszy akrylowych, choć pojawia się również farba w sprayu, markery oraz collage. Tematyka prac to przeważnie studium człowieka poddanego różnym charakterystycznym deformacjom. To kolorowy kalejdoskop emocji i charakterów będący wynikiem codziennych obserwacji przeniesionych na papier i płótno. W swoich obrazach często komentuje aktualne wydarzenia i jednocześnie nawiązuje do filmów i książek z gatunku fantastyki naukowej, szczególnie tych o dystopijnym charakterze…

pseud. INKO I GNITO — narodził się pomiędzy 2012/2013 r, a kluczową rolę w jego powstaniu miał film dokumentalny “Wyjście przez Sklep z Pamiątkami”. Znakiem rozpoznawczym Inko i Gnito jest dwukolorowy kot pojawiający się na murach i rogach różnych budynków. Na ogół jest malowany lub mozaikowy, czasami przybiera postać różnych bohaterów z historii czy świata kultury i sztuki. Kot to buntownik i podróżnik, można go spotkać od Zakopanego po Jastrzębią Górę, od Dominikany, po Paryż, Amsterdam, Berlin i jego rodzinne miasto Płock.

TYMKOWSKI Mateusz — (ur. 1993 roku w Ciechanowie). Dyplom uzyskał w 2024 roku na Wydziale Malarstwa ASP we Wrocławiu. Na co dzień zajmuje się malarstwem figuratywnym i ekspresjonistycznym prowadząc rozważania na temat kondycji człowieka w XXI wieku i jego miejsca w świecie. Jego prace prezentowane były na wystawach grupowych i indywidualnych w Niemczech oraz Polsce.

pseud. ODSTAF – artysta związany ze sztuką ulicy. Współzałożyciel kolektywu Wild Voice Crew. Jego prace można było oglądać podczas poznańskiego festiwalu Street Art Review, warszawskiego niezależnego festiwalu Paste up Warsaw, Steezy Jam w Śremie, w Kawalerka Cafe we Wrocławiu.

pseud. EXER — absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, dyplom z Architektury Wnętrz w 2012 roku. Dwukrotny laureat Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne osiągnięcia artystyczne. Na polu urban art wykreował indywidualną stylistykę będącą sumą doświadczeń wyniesionych z akademickiej edukacji artystycznej oraz równoległego zainteresowania i uprawiania graffiti. „Architektoniczne” pielęgnowanie przestrzeni, materii czy faktury jest w jego twórczości równie ważne jak szukanie optymalnego kształtu form – tak jak w graffiti przez lata najważniejszą kwestią było umiejętne operowanie kształtem liter w tworzonych kompozycjach. Liczne realizacje w przestrzeni tworzone zarówno w ramach festiwali urban art w kraju i za granicą, jak i oddolnie na ulicach czy szczególnie preferowanych pustostanach z czasem zostały w szerszym stopniu zastąpione działaniami studyjnymi. Obecnymi polami eksploracji artysty są zatem zarówno malarstwo muralowe jak i studyjne, ale i działania obejmujące obiekty przestrzenne. Skupienie na klasycznym malarstwie sztalugowym, w którym kontynuowane są estetyczne poszukiwania zapoczątkowane na ścianach zaowocowało wystawami indywidualnymi i zbiorowymi. Na wyróżnienie zasługują tu indywidualne ekspozycje „Obiekty Nieistniejące” (Leonarda Art Gallery, Warszawa 2025), „Transformacja” (2024) w Muzeum Częstochowskim, “Ex” (Monocity Gallery, Kraków 2023) oraz solowy projekt w ramach “Meeting of Styles” (Tytonie.Art, Lublin 2024) – osadzony w industrialnych, surowych przestrzeniach, w których prace Exera szczególnie trafnie korespondowały z otoczeniem.

HAŁADUDA Marek — (ur. 1961) studia: 1983 – 1988 Państwowa Wyższa Szkoła Sztuk Plastycznych w Poznaniu (obecnie Uniwersytet Artystyczny im. Magdaleny Abakanowicz).Profesor w dziedzinie sztuki, kierownik IX Pracowni Malarstwa na Wydziale Malarstwa i Rysunku Uniwersytetu Artystycznego im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu. Realizacja kilkudziesięciu wystaw indywidualnych w Polsce i za granicą, udział w kilkudziesięciu wystawach zbiorowych w Polsce i za granicą.

SADOWSKA Anna — malarstwem zajmuje się amatorsko. "Ogromną przyjemność sprawia mi portretowanie ludzi w różnych, często zabawnych sytuacjach. Maluję farbami olejnymi a także akwarelami".

SKOCZEK-WOJNICKA Mira — (ur. 1959) studia na ASP w Krakowie, Wydział Grafiki. Dyplom w 1984 r. w pracowni wklęsłodruku (pod kierunkiem Prof. Andrzeja Pietscha) i litografii (pod kierunkiem Prof. Włodzimierza Kunza).W 1999 Grand Prix w konkursie „Najlepsza grafika miesiąca” – Kraków, 2000 – nagroda „Złota Rama” w konkursie „Mały obraz” – Kraków, 2001 – wyróżnienie w Premio Firenze, 2002 – II nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2003 – III nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2005 – wyróżnienie w konkursie „Muzyka w malarstwie” – Tychy 2005, 2006 – Grand Prix w konkursie “Najlepsza Grafika Miesiąca” – Kraków, 2006. Wyróżnienie w Salonie Zimowym ZPAP 2006 - Finalistka Międzynarodowego konkursu Grafiki i Rysunku – Taiwan 2007 – I nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2007 - Nagroda „Złota Rama” w konkursie „Mały obraz” – Kraków.,2011 – Grand Prix w konkursie Graficznym im. L.Meidnera – Oleśnica, 2012 – udział w Międzynarodowym konkursie pasteli –Francja, Saint–Aulaye.,2013 – Nagroda Generalnego Konsula w Międzynarodowym konkursie pasteli – Francja– Saint Aulaye.,2014 – wyróżnienie w konkursie “Mały obraz” – Kraków. 2020- wyróżnienie w konkursie najlepsza grafika miesiąca - Kraków Swoją twórczość przedstawiała w Polsce, we Francji (Paryż, Collioure, Tours), Włoszech (Rzym, Florencja), Danii, Holandii (Haga), Hiszpanii (Segovia), Belgii (Bruksela), na Chorwacji (Zagrzeb), na Węgrzech (Szentendre) itd. Do tej pory brała udział w przeszło 100 wystawach zbiorowych w tym kilkanaście indywidualnych. Członek ZPAP, SMTG. Uprawia malarstwo, rysunek i grafikę.

GALERIA RUSZ — tworzona przez toruńskich artystów Joannę Górską i Rafała Góralskiego, specjalizuje się w kreowaniu i prezentacji sztuki w przestrzeni publicznej. Artyści poprzez swoje nowatorskie działania wprowadzają ważne, „myślące” komunikaty w przestrzeń miasta i namawiają do zastanowienia się nad istotnymi zagadnieniami, dotyczącymi współczesnego człowieka i świata. Od 1999 roku prowadzą galerię bilbordową w Toruniu, gdzie pokazują własne prace. Jest to najdłużej działająca galeria tego typu na świecie, prezentująca już ponad 20 lat sztukę w przestrzeni miasta. Aktualnie Galeria działa na 5 bilbordach (2 w Toruniu i 3 w Warszawie). Twórcy na swoim koncie mają już ponad 500 artystycznych bilbordów. Galeria Rusz była wielokrotnie nagradzana, a artyści uzyskiwali stypendia twórcze: stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, prestiżowe Stypendium „Młoda Polska”, nagroda Miasta Torunia im. Grzegorza Ciechowskiego, nominacja do Nagrody Fundacji Deutsche Bank „Spojrzenia 2007”, nagroda Marszałka Województwa Kujawsko – Pomorskiego. Artyści brali udział w 40 wystawach w Polsce i za granicą, m. in. w Londynie, Berlinie, Birmingham, Karlsruhe, Nowym Jorku oraz Oakland /Kalifornia.

pseud. DUMIN — (ur. 1987) magister Sztuki, absolwent Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu. Twórcą unikającym jednoznacznej klasyfikacji. Balansując pomiędzy designem i sztuką realizuje jednocześnie projekty z zakresu street-art’u, malarstwa, wzornictwa, architektury, grafiki oraz digital art’u. W swoich pracach łączy media i sposoby wyrazu własnej wizji twórczej. Zainteresowanie ciałem jako obiekt energetyczny i jego relacja z otoczeniem to jeden z głównych wątków jego zróżnicowanej twórczości. Wiele jego dzieł skupia się na przedstawieniu dynamicznych kompozycji będących interpretacją i usiłowaniem przedstawienia materii, energii i ruchu. Pozornie statyczne medium, którym jest obraz staje się nośnikiem siły i idei poprzez użycie koloru i kompozycji powodujących odczucia przenikania się światów i wymiarów.

pseud. KEJTER 61 —------------------------------------------------ ------------------------------------------------------------ ------------------------------------------------------ ---------------------------------------------------------

KRÓL Paweł — (ur. 1975) artysta zajmujący się malarstwem, grafiką, plakatem i ilustracją. Finalista wielu konkursów plastycznych, m. in. zwycięzca konkursu na plakat dla Festiwalu Transatlantyk w 2014 oraz konkursu na plakat dla Festiwalu Feta w 2019. W 2022 roku otrzymał honorowe wyróżnienie za plakat Aukcji Aperio na Biennale Plakatu w Lublinie oraz 2 miejsce w konkursie na ilustracje do tekstów Jeremiego Przybory. Zdobywca pierwszej nagrody na 6. Międzynarodowym Biennale Plakatu Lublin 2023, w kategorii 80. rocznica powołania Uniwersytetu Marii Skłodowskiej-Curie w Lublinie. W 2023 roku 4 plakaty zostały zakwalifikowane do wystawy i konkursu na 28 Biennale Plakatu Polskiego w Katowicach. Mieszka i pracuje w Gdańsku.

SZUREK Piotr — w latach 1982–1987 studiował na Wydziale Malarstwa, Grafiki i Rzeźby w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych (obecnie UAP) w Poznaniu. Dyplom z wyróżnieniem uzyskał w 1987 roku. Kierownik III Pracownii Grafiki – Wklęsłodruk na Wydziale Grafiki Artystycznej Uniwersytetu Artystycznego im. Magdaleny Abakanowicz. Głównym obiektem badań artystycznych i naukowych Piotra Szurka jest autoportret, stanowiący obszar szeroko rozumianej symboliki, mający uzmysłowić ponad materialny wymiar egzystencji. W jego twórczości działania rysunkowe podążają równolegle z działaniami graficznymi. Obie te aktywności, tak samo ważne dla niego, wzajemnie się przenikają i dopełniają. W grafice są one przykładem szczególnego uwypuklenia formy wypracowanej przez artystę w rysunku, wynikającej głównie z żywiołu i energii rysunkowej.

pseud. KEJTER 61 —------------------------------------------------ ------------------------------------------------------------ ------------------------------------------------------ ---------------------------------------------------------