Proweniencja:
- kolekcja prywatna, Kraków
- kolekcja prywatna, Warszawa


Wyjątkowy przykład polskiej secesji i jeden z najważniejszych plakatów wystawienniczych przełomu XIX i XX wieku emanujący estetyką fin de siècle. Centralna postać kobiety – alegoria sztuki – spowita jest roślinnością i otulającymi ją włosami. Delikatne linie, wyrafinowany rysunek twarzy wpisują tę pracę w europejski kontekst secesyjnego plakatu artystycznego. Litografia powstała z okazji II Wystawy Towarzystwa „Sztuka”, organizacji zrzeszającej najwybitniejszych polskich twórców modernizmu – m.in. Wyczółkowskiego, Malczewskiego, Mehoffera czy Fałata. Egzemplarz kolekcjonerski o wysokiej wartości historycznej i artystycznej – dokument epoki i zarazem dzieło o ponadczasowym pięknie.

Teodor Axentowicz – malarz i grafik, jeden z czołowych przedstawicieli Młodej Polski. Studiował w Monachium i Paryżu, a w swojej twórczości łączył realizm z elementami symbolizmu i secesji. Był współzałożycielem Towarzystwa Artystów Polskich „Sztuka” oraz wieloletnim profesorem i rektorem Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Specjalizował się w portretach i scenach rodzajowych inspirowanych kulturą Huculszczyzny.

Ikona minionej epoki – pierścionek z duszą i klasą. Ten wytworny pierścionek pochodzi z czasów, gdy biżuteria była sztuką, a każdy detal świadczył o kunszcie jubilerskim. Wykonany z platyny najwyższej próby, z misternie ażurowaną koroną z motywami serc i charakterystycznym dla lat 20. XX wieku profilem, otacza imponujący, naturalny diament o masie ~1,07 ct.

Kamień oszlifowany został w szlifie starego europejskiego brylantu, co daje mu miękki, migotliwy blask – nie do pomylenia z nowoczesnym błyskiem. Diament o rzadkiej czystości VS1 i cieplejszym odcieniu, emanuje głębokim, złotawym światłem przywołującym historie z początku ubiegłego wieku.

Zawieszka z perłą Akoya i diamentami – biżuteria, która ma przeszłość i przyszłość. Ta zawieszka – z perłą słonowodną Akoya i subtelnie oprawionymi diamentami – powstała po to, by być przekazywaną z pokolenia na pokolenie. Nie tylko jako przedmiot, lecz jako symbol delikatności, wewnętrznego światła, kobiecej siły i szlachetnej skromności.

Zanurz się w klasycznym pięknie jubilerskiej tradycji z tym niezwykle subtelnym, a zarazem pełnym charakteru naszyjnikiem. To wyjątkowa kompozycja 137 pereł słodkowodnych, starannie nanizanych w sposób narastający. Każda perełka zachwyca swoją naturalną formą i delikatnym połyskiem, doskonale harmonizującym z finezją zapięcia.

Sercem tego projektu jest zapięcie szufladkowe wykonane z 14-karatowego złota, ozdobione trzema diamentami o łącznej masie ok. 0,80 ct. Kamienie o szlifie brylantowym starym europejskim, lśnią romantycznym blaskiem nieosiągalnym dla nowoczesnych diamentów.

Miśnieńska Manufaktura Porcelany (Meissener Porzellan) to najstarsza w Europie fabryka porcelany, założona w 1710 roku w Miśni, niedaleko Drezna. Słynie ona z ręcznego wykonania, wyjątkowej jakości i artystycznych zdobień. Charakterystyczne skrzyżowane, niebieskie miecze — znak firmowy manufaktury — stały się symbolem luksusu i kunsztu. Dziś Miśnia to nie tylko zakład produkcyjny, ale także żywe muzeum, w którym tradycja spotyka się ze sztuką, a historia przeplata z nowoczesnym designem.

Te filigranowe kolczyki z początku XX wieku to kwintesencja dziedzictwa biżuteryjnego Belle Époque – czasów, kiedy jubilerstwo było sztuką tworzoną z precyzją, lekkością i pasją do światła.
Wykonane ze złota próby 0,750, ozdobione czterema diamentami oraz rautami diamentowymi, kolczyki emanują miękkim, subtelnym blaskiem. Misternie giloszowane oprawy przypominają rozbłysk światła – jakby każdy kamień był punktem narodzin nowej gwiazdy. Smukła forma, elegancka długość i delikatna gra ruchu sprawiają, że kolczyki tańczą w świetle z wdziękiem właściwym tylko biżuterii, która ma duszę. Dla kobiet, które kochają przedmioty z historią – noszące w sobie pamięć o dawnym świecie, w którym klasyczna elegancja nie była wyborem, lecz naturalnym stanem rzeczy. Idealne jako biżuteria pokoleniowa, przekazywana z serca do serca.

Bibliografia:
Salvador Dali. Catalogue Raisonné of Prints II. Lithographs and Wood Engravings 1956-1980. Edited by Ralf Michler and Lutz W. Löpsinger, Prestel, Munich – New York 1995, il. b. 88, s. 179, kat. i il. 1587 (barwna)


Zjawiskowa praca „La rose papillon” to Dalí w swojej najbardziej poetyckiej i zarazem surrealnej odsłonie. Kompozycja oparta na strukturze rozkwitającego kwiatu róży, przemienionej w fantasmagoryczną oś wszechświata, to pełna symboli opowieść o przemianie, pięknie i dualizmie natury. Z barwnymi motylami unoszącymi się jak marzenia i postaciami z pogranicza roślinności, mitologii i bajki, ta litografia uwodzi i hipnotyzuje – niczym senne wspomnienie, które nie chce zniknąć. W technice gaufrage, na szlachetnym papierze Arches, to ukoronowanie jego fascynacji seksualnością natury i metamorfozą życia.

Salvador Dali był ikoną surrealizmu – awangardowego ruchu XX wieku, który dążył do uwolnienia nieświadomego potencjału twórczego poprzez sztukę o charakterze onirycznym. Fantastyczne grafiki, obrazy, rzeźby, filmy i pisma Dalíego pomogły ukształtować tożsamość ruchu surrealistycznego. Czerpiąc z idei psychoanalizy, artysta tworzył niezwykłe istoty i pejzaże, które jednocześnie niepokoiły i wprawiały w zachwyt. Jego obraz Trwałość pamięci z 1931 roku to jedno z najbardziej rozpoznawalnych dzieł sztuki wszech czasów. Dalí za życia wystawiał się na całym świecie, a jego prace znajdują się dziś w kolekcjach takich instytucji jak Tate, Museum of Modern Art czy Art Institute of Chicago oraz wielu innych. Na rynku wtórnym jego dzieła osiągają wielomilionowe ceny.

Ikona skandynawskiego Art Nouveau.
Ta niezwykła brosza to wczesny projekt z ok.1907 roku Kristiana Møhl-Hansena, jednego z czołowych twórców związanych z pracownią Georga Jensena. Wykonana ze srebra o próbie 830 stanowi kwintesencję secesyjnej estetyki – motyw stylizowanego gołębia otoczonego wieńcem liści łączy w sobie symbolikę pokoju, harmonii i odnowy z dynamiczną, ornamentalną formą inspirowaną naturą.

Ten konkretny egzemplarz został stworzony w latach 1933-44, zachwyca nie tylko mistrzowskim reliefem, ale także subtelną siłą kompozycji – organiczne linie tworzą zamknięty krąg, jednocześnie spokojny i pełen ruchu. To forma, która idealnie oddaje ducha skandynawskiej szkoły jubilerskiej początku XX wieku: czysta, funkcjonalna, lecz głęboko symboliczna.

Uwzględniona w albumie „Georg Jensen, A Tradition of splendid Silver” - Janet Drucker, 200

„Tancerka z talerzami" to rzeźba pełna elegancji i dynamiki, która doskonale oddaje ducha epoki art déco. Smukła sylwetka tancerki, zatrzymana w tańcu, emanuje gracją i lekkością, charakterystyczną dla estetyki lat 20. i 30. XX wieku. Artysta mistrzowsko operuje linią i formą, podkreślając ruch poprzez subtelne drapowanie sukni oraz starannie oddane detale anatomiczne.

Złotniczy ukłon w stronę epoki, w której liczył się każdy detal.
Te wyjątkowe kolczyki, wykonane z 18-karatowego złota, olśniewają mistrzowską formą przypominającą kwiat lilii lub stylizowany płomień, znany z dekoracyjnych motywów okresu Belle Époque i art déco. Ich lekko rzeźbiarska forma to nie tylko ozdoba, to dzieło precyzyjnej pracy jubilerskiej, która łączy aż cztery typy historycznych szlifów diamentowych.

Dwa główne kamienie – diament w szlifie starym europejskim oraz przejściowym – przyciągają światło z elegancką miękkością typową dla epoki przednowoczesnej. Otacza je aż 36 drobnych kamieni w starych szlifach: rozetach i rautach, które podkreślają dekoracyjność i kolekcjonerski charakter kolczyków.

Subtelny, a zarazem wyrazisty – ten klasyczny pierścionek zachwyca ponadczasową elegancją. Wykonany z 14-karatowego złota (próba 0,585), kryje w sobie finezyjne zestawienie kamieni szlachetnych: dwóch starych brylantów oraz szafiru o głębokiej, niebieskiej barwie. Pierścionek stanowi idealne połączenie klasyki z romantyczną nutą. Starannie wykonany detal w koronie oprawy podkreśla niepowtarzalny charakter klejnotów.

Ten delikatny pierścionek przywodzi na myśl baśniowe opowieści o królewskich zaręczynach i elegancji dawnych epok. W centrum kompozycji lśni śnieżnobiała perła Akoya – hodowana w słonowodnym środowisku, o średnicy 5,6 mm, otoczona subtelnymi detalami z diamentowym akcentem. Pierścionek dla romantyczki z duszą. Idealny jako prezent z okazji rocznicy lub po prostu, by powiedzieć "jesteś wyjątkowa".

Akt kobiecy w uproszczonej, syntetycznej formie. Postać ukazana w pozycji frontalnej. Twarz o wyidealizowanych, harmonijnych rysach. Uproszczona forma modelunku oraz syntetyczne opracowanie powierzchni wskazują na wpływy Art Déco. Praca charakteryzuje się dużym wyczuciem proporcji oraz subtelnym traktowaniem anatomicznych detali. Doskonale odnajdzie się w nowoczesnym wnętrzu – jako rzeźba dekoracyjna lub obiekt kolekcjonerski – szczególnie w estetyce mid-century modern, Art Déco lub klasycznej minimalistycznej.

Ujęcie zostało wykonane w 1937 roku przez amerykańską fotografkę Toni Frissell na potrzeby artykułu "Señoras of Mexico" opublikowanego w amerykańskiej edycji magazynu Vogue. Fotografka pragnęła uchwycić siłę i wyrazistość meksykańskich kobiet, a charyzmatyczna Frida, ubrana w tradycyjny strój i otoczona agawami, idealnie wpisywała się w tę wizję. Zdjęcie podkreśla jej silny związek z kulturą Meksyku, a także jej wyjątkowy styl i osobowość. W tym czasie Frida była już rozpoznawalną artystką oraz żoną Diego Rivery. Rok 1937 był momentem, gdy w jej życiu prywatnym rozgrywał się głośny epizod związany z pobytem Lwa Trockiego w ich domu.

Reprodukowany:
fotografia reprodukowana na okładce magazynu Przekrój z 17 czerwca 1951 roku


Nastrojowa fotografia autorstwa Edwarda Hartwiga – jednego z ojców polskiej fotografii artystycznej – przenosi nas w czasy powojennej Polski, pełnej nostalgii, odbudowy i chwilowego oddechu od historii. W centrum kadru widzimy marynarzy, skupionych i zamyślonych, odpoczywających nad brzegiem jeziora z towarzyszącym im akordeonistą. Hartwig uchwycił moment ciszy – zatrzymania czasu, który przemawia z niesamowitą siłą. To nie tylko dokument, ale poetycka wizja rzeczywistości, opowiedziana językiem światła, gestu i przestrzeni. Kompozycja, balans światła i cieni oraz subtelna narracja – wszystko to sprawia, że zdjęcie emanuje spokojem, ale i tęsknotą. W tym kadrze widać mistrzostwo Hartwiga w przekształcaniu rzeczywistości w obraz niemal malarski.

Proweniencja:
- Kolekcja FOZZ
- Kolekcja prywatna


Ponadczasowa, minimalistyczna i niezwykle elegancka fotografia francuskiej modelki Nelly Nyad jest kwintesencją geniuszu Miltona H. Greene’a. Została wykonana w 1952 roku w Nowym Jorku kiedy Nelly Nyad była już rozpoznawalną twarzą Givenchy. Świat zapamiętał ją jednak głównie z tego ikonicznego zdjęcia, w którym artysta za pomocą oszczędnych środków, skupiając światło jedynie na jej ustach, wydobył niezwykłą dramaturgię. Zdjęcie to stało się również jednym z najbardziej rozpoznawalnych w całym dossier artysty.

Milton H. Greene był amerykańskim fotografem znanym przede wszystkim ze swoich eleganckich portretów gwiazd Hollywood. Współpracował z takimi ikonami jak Audrey Hepburn, Frank Sinatra czy Elizabeth Taylor, ale największą sławę przyniosła mu przyjaźń i sesje zdjęciowe z Marilyn Monroe. W latach 50. stworzył z nią ponad 50 sesji, uchwycając zarówno jej zmysłową stronę, jak i naturalne, intymne chwile. Jego prace były publikowane w magazynach takich jak Life, Vogue i Harper’s Bazaar. Greene był także współzałożycielem firmy producenckiej Monroe, co miało wpływ na jej karierę filmową.

Ta wyjątkowa broszka w formie trójkwiatowego bukietu z przewiązaną wstęgą to mistrzostwo klasycznej sztuki jubilerskiej. Każdy detal – od subtelnie skręconych łodyg, przez lśniące płatki kwiatów, aż po rytmicznie wijącą się kokardę – został misternie wyrzeźbiony i wysadzany aż 73 diamentami.
Największe kamienie – o klasycznym szlifie brylantowym – osadzone są centralnie w każdym z kwiatów, niczym świetliste serca. Otaczają je diamenty o szlifie 8/8, rozmieszczone z zegarmistrzowską precyzją, tworząc efekt lekkiego, świetlistego brokatu. Ich czystość i barwa (VS–SI2 / G–J) w połączeniu z bardzo dobrą symetrią i proporcjami zapewniają maksymalny efekt blasku przy zachowaniu klasycznej elegancji.

Pablo Picasso uchwycony przed swoim domem na południu Francji, gdzie mieszkał i pracował do początku lat 60. XX wieku. Lekko pochylone ramię, spojrzenie w bok, dłonie splecione w geście zadumy, pewna siebie, artystyczna dusza.

To oryginalna, czarno-biała fotografia prasowa, opisana na odwrocie przez Deutsche Presse-Agentur (DPA). Dokument nie tylko życia, atmosfery – słonecznego światła Lazurowego Wybrzeża rozkładającego się na ciemnej koszuli mistrza, ale i artystycznego klimatu i monumentalnej obecności jednej z najważniejszych postaci w sztuce XX wieku.

Opis na odwrocie:
Na 75. urodziny Pabla Picassa
23 października 1956 hiszpańsko-francuski malarz, grafik, rzeźbiarz i ceramik Pablo Picasso obchodzi swoje 75. urodziny. Początkowo pielęgnując impresjonistyczny styl wczesnych lat, Picasso „odkrył” w 1906 roku kubizm, którego podstawowe formy, z pewnymi modyfikacjami, można dostrzec we wszystkich jego późniejszych dziełach.
13.10.1956 dpa/II Ff/A1/548.022/1+II, 191
Copyright: dpa, Deutsche Presse-Agentur GmbH, Frankfurt/Main

Spektakularna odbitka przedstawiająca historyczny moment detonacji pierwszej bomby wodorowej w ramach testu Ivy Mike, przeprowadzonego 1 listopada 1952 roku na atolu Enewetak. Wywołana na wysokiej jakości papierze Agfa w latach 50. prawdopodobnie na terenie Europy, fotografia ta stanowi rzadki dokument epoki, ukazując monumentalny wybuch o znaczeniu przełomowym dla historii nuklearnej.
Detonacja, opatrzona kryptonimem Ivy Mike miała moc 10,4 megaton TNT, co było 500 razy większą siłą niż bomba zrzucona na Nagasaki. W ciągu kilku sekund, cel operacji – atol Eniwetok, należący do archipelagu Wysp Marshalla dosłownie zniknął z powierzchni Ziemi.

Odbitka wykonana metodą żelatynowo-srebrową wyróżnia się głębią tonalną i detalem, charakterystycznym dla fotografii vintage z tamtej epoki. Jest to unikatowy egzemplarz kolekcjonerski przedstawiający „grzyb atomowy”, opisaną na odwrociu „Pięść Boga”.

W tej niezwykłej rzeźbie o kształcie piramidy Lucio Fontana – jeden z najważniejszych twórców XX wieku – eksploruje granice między obiektem a przestrzenią, kolorem a ciszą, gestem a wiecznością.

Powstała w 1967 roku, praca ta jest świadectwem dojrzałego okresu artysty, który swoją teorią „spatialismo” na zawsze zmienił bieg współczesnej rzeźby i malarstwa. Monumentalna w swojej prostocie forma piramidy zostaje tu przedefiniowana, jest futurystycznym znakiem nowego porządku artystycznego. Pokryta intensywnie zieloną barwą, ze strukturą wzbogaconą o charakterystyczne perforacje
staje się futurystycznym manifestem.
Fontana nie tworzył rzeczy, on tworzył przestrzenie emocji. Piramidy powstały w limitowanej edycji kolorystycznej: 50 egzemplarzy oraz 20 egzemplarzy próbnych (AP – artist's proof), a ich wydawcą był Sergio Tosi z Mediolanu.

Lucio Fontana był włosko-argentyńskim artystą, prekursorem nurtu Spatialismo (przestrzenności) i jednym z najważniejszych twórców sztuki abstrakcyjnej. Znany głównie z cyklu „Concetti Spaziali”, w których nacinał lub perforował płótna, eksplorując nowe wymiary sztuki. Jego prace wykraczały poza tradycyjne media, łącząc malarstwo, rzeźbę i architekturę. Jego poszukiwania przestrzenne miały ogromny wpływ na rozwój sztuki nowoczesnej i konceptualnej.

Klasyka, która nie przemija – ten olśniewający pierścionek to ukłon w stronę ponadczasowej elegancji i stylu „old money”. W centrum kompozycji króluje intensywnie zielony szmaragd naturalny, oszlifowany w klasycznym szlifie szmaragdowym, który eksponuje jego głębię i szlachetność.
Otoczony aurą 12 diamentów o łącznej masie 0,70 ct, kamień ten zyskuje jeszcze większą świetlistość – jakby sam emanując wewnętrznym blaskiem. Diamenty charakteryzują się doskonałymi proporcjami, symetrią i polerem. Ten pierścionek to wybór dla kobiety, która ceni autentyczność, klasę i opowieść, którą można przekazać dalej. Doskonały jako pierścionek zaręczynowy z historią, prezent o symbolicznej wartości lub obiekt inwestycyjny w kolekcji biżuterii klasycznej.

Ikoniczna fotografia będąca symbolem artystycznej bohemy lat 50. i 60. XX wieku. Ujęcie przedstawia Krzysztofa Komedę – legendę polskiego jazzu – grającego na saksofonie dla swojej żony Zofii. Intymna scena, uchwycona tuż po przebudzeniu, staje się wizualnym poematem o miłości, sztuce i codzienności artysty. W tej poetyckiej, czarno-białej kompozycji – przywodzącej na myśl estetykę Henri Cartier-Bressona przefiltrowaną przez realia socjalistycznej Polski – dźwięk saksofonu zdaje się przenikać ciszę poranka. To nie tylko portret muzyka, ale również obraz mitu, który stworzył wokół siebie jako artysta. Zdjęcie autorstwa Wojciecha Plewińskiego, wykonane w Zakopanem podczas występów zespołu Jazz Believers, uznawane jest za jeden z najbardziej rozpoznawalnych portretów Komedy. Prezentowane było m.in. na wystawie „Pozowane, podpatrzone. Fotografie Wojciecha Plewińskiego” w Domu Spotkań z Historią w Warszawie. Plewiński, mistrz subtelnej obserwacji, uchwycił chwilę przemijającą, a zarazem wieczną – pełną ciszy i muzyki.

Włoski luksus "La Grande belleza".
Ten wyjątkowy pojemnik na szampana lub wino to esencja włoskiego kunsztu rzemieślniczego – wykonany ze srebra najwyższej próby (A1000), co jest absolutną rzadkością wśród przedmiotów użytkowych. Głęboko tłoczone, ręcznie grawerowane motywy roślinne tworzą dynamiczny, niemal architektoniczny układ, który zachwyca zarówno w świetle dziennym, jak i przy blasku świec.

Trapezowy korpus o wachlarzowatym profilu został zwieńczony geometrycznym uchwytem z subtelnym ornamentem roślinnym, tworząc niezwykle dekoracyjny, a zarazem funkcjonalny obiekt – idealny do ekspozycji podczas eleganckich przyjęć, kolacji czy jako ekscentryczny akcent w salonie.

Pierścionek o wyjątkowej formie i aurze vintage. Stworzony z połączenia żółtego i białego złota. Jego forma przypomina rozkwitający kwiat, w którego sercu lśni aż 19 drobnych diamentów. Misternie teksturowane płatki złota otulają błyszczący środek, tworząc efektowną, ale subtelną kompozycję. Idealny dla miłośniczki biżuterii z charakterem.

Klasyczna i ponadczasowa forma z nutą arystokratycznej elegancji. Ta wyjątkowa bransoletka łączy solidność złotego splotu z subtelnym blaskiem naturalnych szafirów w rzadko spotykanym szlifie kaboszonowym. Trzy kamienie, osadzone w rytmicznych odstępach, budują kompozycję o spokojnym rytmie i głębokiej symbolice – bo szafir to od wieków kamień mądrości, prawdy i duchowej czystości.
Szafiry użyte w tej bransoletce mają głęboką, ciemnoniebieską barwę, charakterystyczną dla kamieni o wysokiej zawartości tytanu i żelaza – co dodaje im nobliwej intensywności. Ich ręczny szlif kaboszonowy sprawia, że światło ślizga się po powierzchni jak aksamit, a oprawy podkreślają organiczną miękkość formy.

Ten wyjątkowy pierścionek koktajlowy o imponującej formie i rzeźbiarskiej sylwecie to manifest kobiecej siły. Na gładkiej, wypukłej powierzchni z żółtego złota lśni dziewięć diamentów w klasycznym szlifie 8/8, osadzonych w ręcznie grawerowanych gwiazdozbiorach. Masywna forma jest wyważona subtelnym, świetlnym rytmem – całość zachwyca równowagą i przyciąga uwagę.

Duńskie wzornictwo w najlepszym wydaniu.
Ten masywny, a jednocześnie subtelnie elegancki pierścionek to projekt autorstwa Ole W. Jacobsena – skandynawskiego jubilera, którego prace łączą klasyczne formy z modernistycznym sznytem. Wykonany z 14-karatowego złota, pierścionek zachwyca rzeźbiarską formą i wyważoną proporcją.
W centrum oprawy znajduje się szafir o głębokiej barwie granatu, oszlifowany w klasycznym owalnym szlifie fasetowym. Kamień otacza subtelny wianek z szesnastu diamentów w szlifie rozetowym, który pięknie migoce przy każdym ruchu dłoni, zachowując przy tym dystyngowany charakter.

Dzieło w surrealistycznej estetyce, pełne subtelnych form przypominających przyrodę i jednocześnie oddalonych od jej dosłownego przedstawienia. Niejednoznaczne kształty i organiczne linie tworzą kompozycję balansującą na granicy między rzeczywistością a światem wyobrażeń. Autor nierozpoznany.

Pop-art w swojej najbardziej wojennej, kinetycznej i kultowej formie.
„As I Opened Fire” to wizualna eksplozja dźwięków, ruchu i emocji – jeden z najbardziej rozpoznawalnych tryptyków autorstwa Roya Lichtensteina, mistrza komiksowej dekonstrukcji obrazów kultury masowej.
Stworzony w 1964 roku, a wydany w 1966 r. przez legendarne Stedelijk Museum w Amsterdamie, ten tryptyk to nie tylko dzieło sztuki, to ikona ery, w której granice między wysoką sztuką a masową narracją zaczęły się zacierać z głośnym „BRATATATA!”. Trzy panele tworzą sekwencję jak z kadru wojennego komiksu – narracja rozgrywa się na poziomie koloru, ekspresji i czcionki. Każdy z paneli jest samodzielnym krzykiem, razem – furią w pełnej synchronizacji.
Lichtenstein odnosi się do kultury obrazkowej Ameryki lat 60., przekształcając ilustracje tanich komiksów w monumentalne obrazy galerii i muzeów. Ten wydruk powstał na podstawie oryginalnego obrazu znajdującego się w zbiorach Stedelijk Museum (akryl na płótnie, 173 x 142,5 cm).
Na odwrocie paneli znajdują się oznaczenia dokumentujące pochodzeni. Brak daty śmierci Lichtensteina na odwrocie świadczy o tym, że litografie powstały za jego życia, co podkreśla ich wartość kolekcjonerską jako reprodukcji zatwierdzonych przez samego twórcę.


Jeden z czołowych amerykańskich artystów powojennych i ikona Pop Artu. Na początku lat 60. dążył do stworzenia uniwersalnego języka obrazowego, czyniąc sztukę codziennym doświadczeniem. Lichtenstein dążył do mechanicznego wyglądu swoich obrazów, mimo że malował ręcznie. Korzystał z perforowanych szablonów, by powielać i wyolbrzymiać kropki Ben-Day – charakterystyczny element jego stylu. Inspirację czerpał z komiksów młodzieżowych i akcji, ceniąc ich bezosobową estetykę. Jego styl cechowała ograniczona paleta nasyconych barw, uproszczenie detali i zwiększony kontrast.

Legendarna fotografia wykonana w 1969 roku podczas misji Apollo 11 – pierwszego załogowego lądowania człowieka na Księżycu. Przedstawia astronautę Buzza Aldrina, stojącego na powierzchni Księżyca obok amerykańskiej flagi oraz modułu księżycowego „Eagle”. Zdjęcie wykonał Neil Armstrong, pierwszy człowiek, który postawił stopę na Księżycu 20 lipca 1969 roku. W tle widoczna jest bezkresna, ciemna przestrzeń kosmiczna, a na pierwszym planie – wyraźne ślady butów na księżycowym pyle, które stały się symbolem ludzkiej obecności poza Ziemią. Amerykańska flaga, specjalnie zaprojektowana, by wyglądała na „powiewającą” w próżni, do dziś pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych elementów tej misji. To zdjęcie stało się nie tylko dokumentacją naukowego przełomu, ale też jednym z najbardziej znanych obrazów XX wieku – symbolem marzeń, technologicznego postępu i nieograniczonych możliwości eksploracji kosmosu; nieodzownie wymieniane w kategorii 100 najważniejszych zdjęć świata.

Czarno-biały fotos z kultowego filmu „Ojciec chrzestny” (1972) w reżyserii Francisa Forda Coppoli. Na zdjęciu widoczni są główni bohaterowie – Michael Corleone (Al Pacino) w mundurze wojskowym, Vito Corleone (Marlon Brando) w charakterystycznym kapeluszu, Sonny Corleone (James Caan) oraz Fredo Corleone (John Cazale). To jedna z ikonicznych scen filmu, podkreślająca hierarchię i relacje w rodzinie mafijnej.
Zdjęcie posiada certyfikowany autograf Ala Pacino, co czyni je wyjątkowym obiektem kolekcjonerskim. Jest to nie tylko pamiątka po jednym z najważniejszych filmów w historii kina, ale także niezwykle cenny przedmiot dla fanów kina gangsterskiego.

Olśniewający i bezkompromisowy — pierścionek w stylu Hollywood to ukłon w stronę klasycznej amerykańskiej elegancji lat 50., z całą jej filmową świetnością i architektoniczną geometrią. Jego forma nawiązuje do biżuterii noszonej przez Grace Kelly, ikonę stylu, która łączyła w sobie chłodną finezję i niedoścignioną klasę. Centralna kompozycja z diamentów w szlifach bagietowym i princess przypomina świetlistą mozaikę, oprawioną w podwójną ramę z lśniących brylantów. Bryła pierścionka, choć wyrazista, została zaprojektowana z idealną równowagą – tak, by nie dominować, lecz hipnotyzować. Ten pierścionek to deklaracja stylu – idealny na czerwony dywan, eleganckie przyjęcie, ale także jako pierścionek zaręczynowy z historią i duszą. Dla kobiety, która kocha klasykę, ale idzie własną drogą – jak Grace.

Naszyjnik, który jest manifestem luksusu, przemawiający subtelnością. Jego sercem jest monumentalny, fasetowany akwamaryn w szlifie łezki o masie ok. 9,30 ct – o nieskazitelnej przejrzystości i głęboko niebieskiej barwie, rzadko spotykanej w kamieniach tej klasy.
Zawieszony w centrum eleganckiej, symetrycznej kompozycji z białego złota i 49 diamentów, kamień ten przypomina czystą kroplę oceanu – szlachetną, krystaliczną, hipnotyzującą.
Precyzyjna mozaika diamentów – w szlifach bagietowym i brylantowym – podkreśla architektoniczną linię naszyjnika, budując efekt świetlistej fali na skórze.

Zmysłowa lekkość i świetlisty luksus.
Te wyjątkowe kolczyki z białego złota to połączenie klasycznej elegancji z wyrafinowanym rzemiosłem jubilerskim. W centrum kompozycji znajdują się dwa intensywnie błękitne akwamaryny o łącznej masie niemal 5 ct, oszlifowane w klasycznym owalnym szlifie, który uwydatnia ich krystaliczny blask.

Szlachetny chłód białego złota został podkreślony rzędem naturalnych diamentów, osadzonych na zapięciu w delikatnej linii światła. Ich subtelne rozświetlenie buduje pełnię kompozycji – idealną na dzień i wieczór. Nowoczesna klasyka z nutą francuskiej elegancji.

Jeśli biżuteria ma opowiadać historię, ten pierścionek snuje opowieść o wewnętrznym spokoju i kobiecej sile.

Centralny kamień – transparentny akwamaryn o masie około 2,40 ct – hipnotyzuje niebiańskim błękitem. Jego jasnoniebieska barwa, transparentność i szlif owalny fasetowany sprawiają, że światło tańczy wewnątrz kamienia, budząc skojarzenia z krystalicznie czystą wodą. To kamień, który symbolizuje harmonię, miłość i odwagę. Dawniej wierzono, że akwamaryn koi emocje.

Kamień oprawiony jest w żółte złoto 18K, którego tonacja zdaje się ocieplać lodowy błękitem akwamarynu. Dwa boczne detale z białego złota skrywają po trzy brylanty każdy, które dodają całości luksusowego błysku i subtelnej struktury.

Oryginalna serigrafia autorstwa Kaspara Thomasa Lenka, jednego z czołowych przedstawicieli niemieckiego op-artu. Grafika ukazuje abstrakcyjny, geometryczny układ czterech czarnych form z miękkimi krawędziami, rozciągających się w przestrzeni przez rytmiczne, szare pasma. Dzieło balansuje na granicy iluzji przestrzennej i optycznej gry – typowej dla sztuki percepcji lat 60. i 70.

Kompozycja jest niezwykle dynamiczna, mimo swojej matematycznej precyzji – sprawia wrażenie ruchu, pulsacji, a zarazem architektonicznej stabilności. Praca emanuje chłodną elegancją i futurystycznym duchem epoki. To doskonały przykład na to, jak artyści op-artu badali granice wizualnego odbioru i złudzenia przestrzeni.
Dynamiczny układ czterech kwadrantów złożonych z rytmicznych, geometrycznych form – półkoli i trójkątów – które tworzą subtelny gradient od gęstości do rozrzedzenia, potęgując efekt świetlistości i przestrzenności. Użycie srebrzystej powierzchni intensyfikuje interakcję dzieła z otoczeniem, angażując widza w grę światła i cienia.

Dynamiczny układ czterech kwadrantów złożonych z rytmicznych, geometrycznych form – półkoli i trójkątów – które tworzą subtelny gradient od gęstości do rozrzedzenia, potęgując efekt świetlistości i przestrzenności. Użycie srebrzystej powierzchni intensyfikuje interakcję dzieła z otoczeniem, angażując widza w grę światła i cienia.

Biżuteria w stylu, który Diana upodobała sobie najbardziej – duże perły oprawione w złoto, z subtelnym diamentowym akcentem – ten model oddaje hołd jej ponadczasowej elegancji, delikatnej sile i kobiecości.
W centrum kolczyków znajdują się dwie wyjątkowej urody perły MABE – słonowodne, o pięknym białym kolorze i subtelnym różowym refleksie, przypominającym satynowy blask. Ich okrągła forma i rozmiar 16 mm budują efekt „statement”, ale pozostają jednocześnie pełne klasy i harmonii.
Złoto 14K o ciepłym odcieniu otacza perły jak delikatna rama portretu, zaś osiem naturalnych diamentów w dolnej partii oprawy przywodzi na myśl finezyjny, lekki i pełen światła wachlarz.

Miękka forma inspirowana stylem Cartier/Chaumet z lat 70.–90. w duchu ponadczasowego, paryskiego szyku.
Żółte złoto, o subtelnych liniach, zostało oplecione pasmami doskonale oszlifowanych diamentów o rzadko spotykanej i bardzo cenionej barwie E-F. Każdy kamień został osadzony z precyzją charakterystyczną dla najlepszych warsztatów Place Vendôme. Całość tworzy efekt fali – miękko oplatającej płatek ucha światłem i strukturą. To biżuteria, która przemawia formą i blaskiem. Zapięcie typu Omega ze sztyftem.

Pierścionek, który jak fala francuskiej rewolucji filmowej Nouvelle Vague zrywa z utartym schematem i wprowadza zupełnie nową narrację. Tu forma podąża za funkcją i opowiada historię o kobiecości, której nie da się zaszufladkować.

Wykonany z białego złota 14K (0,585) o imponującej masie 8,60 g, prezentuje się jak dzieło nowoczesnego jubilerstwa – precyzyjny, harmonijny i przy tym zmysłowo falujący.

Biżuterię zdobi 36 starannie oprawionych brylantów, których łączna masa to około 0,72 ct w dwóch splecionych pasmach. Diamenty emanują blaskiem, który subtelnie rozchodzi się po powierzchni pierścionka, tworząc efekt miękkiego, kinowego światła. To pierścionek z duszą i kadrem – jak z klasycznego filmu.

To doskonały wybór dla kobiety, która celebruje nowoczesność i niezależność, ale kocha estetykę przeszłości.

Kompozycja oparta na rytmicznej grze pionowych i poziomych pasów w kontrastowych barwach – czerni, bieli oraz subtelnej szarości. Iluzjonistyczna głębia i dynamiczne napięcie wizualne osiągnięte zostały wyłącznie poprzez manipulację linią i kolorem, bez odwołania do tradycyjnej perspektywy.Praca ta oddaje charakterystyczne cechy stylu Stażewskiego: rygor geometryczny, dążenie do czystości formy oraz intelektualny wymiar artystycznego przekazu.
Henryk Stażewski był jednym z najważniejszych przedstawicieli polskiej awangardy XX wieku, oraz jednym z czołowych teoretyków sztuki abstrakcyjnej w Europie Środkowo-Wschodniej. Jego twórczość, konsekwentnie rozwijana przez dekady, łączyła racjonalizm formy z eksperymentem wizualnym i intelektualną precyzją.

Zjawiskowe kolczyki w formie sztyftów z diamentową linią, wieńczoną kroplami naturalnych pereł South Sea. Wykonane z białego 18-karatowego złota, zachwycają delikatnym blaskiem i subtelną elegancją – wprost stworzone do klasycznej wieczorowej stylizacji. Zestawienie chłodnego złota z ciepłymi tonami białych pereł i brylantową strukturą przywodzi na myśl estetykę vintage glamour oraz perły noszone przez ikony stylu – od Elizabeth Taylor po Cate Blanchett.

Ikoniczna elegancja z duszą Mademoiselle Coco.
Ten naszyjnik to kwintesencja stylu CHANEL – ponadczasowa perła wśród pereł. Ten vintage'owy naszyjnik CHANEL to Lariat, czyli długi sznur pereł bez zapięcia, który możesz nonszalancko owinąć wokół szyi – raz, dwa razy, puścić swobodnie lub przewiązać w supeł. Gra formą, światłem i… wyobraźnią. Zwieńczony podwójnym logo CC inkrustowanym białą emalią, wybrzmiewa luksusem w sposób subtelny, ale niezapomniany.
Noszony jak Coco – na białej koszuli.
Jak Karl – do tweedowego żakietu.
Albo jak Ty – po swojemu. Zmysłowo. Z odwagą.

Nowoczesna i oryginalna forma pierścionka z dużym Ametystem o szlifie Fancy cut, którego naturalna, bogato-purpurowa barwa zachwyca intensywnością! Dopełnieniem formy są piękne brylanty, które jednocześnie dodają efektu glamour. 

To nie jest zwykła bransoletka. To biżuteryjny manifest kobiecości z charakterem – hołd dla niezależnych dusz. Powstała z żółtego złota próby 0,585 i waży solidne 17,03 grama, co nadaje jej wyrazistego, rock'owego charakteru. Formę oparto na nowoczesnym, masywnym splocie typu pancerka, jednak największe zaskoczenie kryje się w szczegółach...

Między ogniwami osadzono siedem starych europejskich brylantów – kamieni o szlifie, który narodził się na przełomie XIX i XX wieku. Mają łączną masę około 0,80 ct, a ich barwa (H–J) i czystość (VS–P3) nadają im niepowtarzalnego, miękkiego blasku. Każdy z nich jest inny, każdy ma za sobą historię. Razem tworzą unikatowy układ, który jest poza trendami.

Ta bransoletka to dialog dwóch światów: starego i nowego, klasycznego i współczesnego. Jakby została stworzona dla współczesnej, odważnej kobiety.

Spektakularna forma, szlachetne materiały, jubilerska precyzja.
Ten pierścionek to prawdziwe arcydzieło rzemiosła – masywny, świetlisty i hipnotyzujący. Zbudowany na planie szerokiej obrączki typu cocktail ring, olśniewa aż 81 diamentami o łącznej masie ponad 3 ct. Kompozycja oparta jest na kontrastowym zestawieniu miękkiego blasku brylantów i chłodnej geometrii diamentów bagietowych, tworzących pas centralny – jak lśniący pas haute couture.

Każdy detal – od precyzyjnej oprawy po krzywiznę profilu – świadczy o najwyższej klasie wykonania.
Pierścionek sygnowany imiennikiem „BRK” – pracowni specjalizującej się w luksusowej biżuterii – oraz potwierdzony certyfikatem SRJ, co gwarantuje jego autentyczność i wysoką wartość jubilerską.

Biżuteria, która emanuje kobiecością.
W centrum kompozycji kolczyków znajdują się dwa rubiny o łącznej masie 0,54 ct. Rubin to nie tylko kamień – to energia. Jego intensywna barwa działa jak magnes - przyciąga spojrzenia i wywołuje emocje. Ich szlif owalny, fasetowany, wydobywa naturalny blask i głębię koloru. Otaczają je 76 misternie oprawionych brylantów (ok. 0,48 ct, G–H / SI1–SI2), tworzących podwójne aureole światła.

Całość wykonana z 18-karatowego białego złota (0,750), z eleganckim wykończeniem i wygodnym zapięciem na sztyft. Lekkie, ale z ogromnym oddziaływaniem.
Niech rubiny mówią same za siebie: o sile, o kobiecości, o wyjątkowości.
To kolczyki, które mogą stać się talizmanem siły lub biżuterią „na zawsze”.

Ten pierścionek jest wyznaniem. Manifestem. Symbolicznym ogniem, który nigdy nie gaśnie.

W jego centrum jest rubin o masie ok. 1,20 ct, o intensywnie czerwono-różowej barwie, nasyconej emocją, pasją, żarem uczucia. Inkluzje w postaci delikatnych welonów świadczą o jego naturalnym pochodzeniu i dodają mu charakteru – bo piękno to autentyczność. Otoczony aureolą diamentów, w tym dwoma w romantycznym szlifie łezki, tworzy kompozycję dynamiczną i pełną światła – jak błysk wspomnienia pierwszego spojrzenia. Kompozycja klasycznej karmazucji z akcentem haute joaillerie.

Oprawiony w platynę próby 850 – najszlachetniejszy z metali, wybór dla tych, którzy cenią trwałość uczuć.
Ten pierścionek to historia o prawdziwej miłości.

Wykonany z 18-karatowego złota pierścionek zachwyca swoim klasycznym designem. Jego centralnym punktem jest wyjątkowy, intensywnie niebieski szafir pochodzący z Cejlonu, otoczony aureolą 18 lśniących diamentów.