Wawrzyniak Aleksandra - artystka wizualna. Absolwentka filozofii (2019) i grafiki artystycznej (2024), współzałożycielka kolektywu Kompost. Zajmuje się scenografią teatralną oraz działa w zakresie sztuk wizualnych.

Galeria Rusz tworzona przez toruńskich artystów Joannę Górską i Rafała Góralskiego, specjalizuje się w kreowaniu i prezentacji sztuki w przestrzeni publicznej. Artyści poprzez swoje nowatorskie działania wprowadzają ważne, „myślące” komunikaty w przestrzeń miasta i namawiają do zastanowienia się nad istotnymi zagadnieniami, dotyczącymi współczesnego człowieka i świata. Od 1999 roku prowadzą galerię bilbordową w Toruniu, gdzie pokazują własne prace. Jest to najdłużej działająca galeria tego typu na świecie, prezentująca już ponad 20 lat sztukę w przestrzeni miasta. Aktualnie Galeria działa na 5 bilbordach (2 w Toruniu i 3 w Warszawie). Twórcy na swoim koncie mają już ponad 500 artystycznych bilbordów. Galeria Rusz była wielokrotnie nagradzana, a artyści uzyskiwali stypendia twórcze: stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, prestiżowe Stypendium „Młoda Polska”, nagroda Miasta Torunia im. Grzegorza Ciechowskiego, nominacja do Nagrody Fundacji Deutsche Bank „Spojrzenia 2007”, nagroda Marszałka Województwa Kujawsko- Pomorskiego. Artyści brali udział w 40 wystawach w Polsce i za granicą, m. in. w Londynie, Berlinie, Birmingham, Karlsruhe, Nowym Jorku oraz Oakland /Kalifornia.

Cichocki Andrzej - młody artysta, absolwent Politechniki Poznańskiej i student grafiki artystycznej na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. W sztuce bada genezy poruszeń. Ceni oddziaływanie na pełnym spektrum emocji. Korzysta z intensywnych kolorów, symboli, nawiązuje do sztuki rdzennej i energii kinetycznej. Wspiera obrazami Wielką Orkiestrę Świątecznej Pomocy. Od 2024 organizuje prywatne wystawy swoich prac.

Gąsiorowska Hanna (1986) - ukończyła UMK w Toruniu, Wydział Sztuk Pięknych, Projektowanie graficzne. Otrzymała Stypendium Kulturalne Miasta Gdańsk; 2018, Stypendium Prezydenta Miasta Głogowa; 2008-2012 oraz Stypendium Prezesa Rady Ministrów; 2003-2005. Uczestniczka licznych wystaw, aukcji m. in.: Hanna Gąsiorowska, Zima/Lato, Galeria Katarzyny Napiórkowskiej, Warszawa, 2018; Zima/Lato, MOK, Galeria Edukacji Twórczej, Głogów, 2018; 7 Młodych Malarzy, Galeria Katarzyny Napiórkowskiej, Warszawa, 2017; I Pomorskie Biennale Sztuki Młodych-Potok Sztuki; Sopot Centrum, Sopot; 2016; finał konkursu na plakat „Nie ma dzieci są ludzie” organizowany przez Rzecznika Praw Dziecka, Warszawa; 2012

Drzewiecka Izabela ukończyła studia wyższe na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu oraz Instytut Pedagogiczno-Artystyczny w Kaliszu. Edukację z malarstwa odbyła w pracowni prof. Andrzeja Niekrasza. Najbardziej lubi malarstwo akrylowe, olejne oraz akwarele. To przede wszystkim abstrakcje, ale duża część to także motywy roślinne i kwiatowe, pejzaże, portrety. Osobną grupą, są obrazy, do których artystka przywiązuje szczególny sentyment, ponieważ są to prace powstałe na plenerze malarskim we włoskiej Toskanii oraz prace inspirowane tym wyjazdem. Jeśli chodzi o czytelność motywów, stara się nie stawiać i nie podkreślać za każdym razem wyraźnej granicy między abstrakcją a przedstawianiem jakiejś określonej rzeczywistości. W malarstwie ważna jest wolność i wolność wyboru, a nie jej ograniczanie i to samo dotyczy tego, co przeżywa odbiorca. Każdy z nas ma własne życie i własną prawdę, opartą na przeżyciu. Dokładnie tak samo powstaje obraz. To właśnie przeżycie i wrażenie skłania artystkę do malowania. To, jak odbiera rzeczywistość, jak odbiera kolor, jak przekłada to na język malarski, czyli pracę z farbami i płótnem. Nie naśladuje rzeczywistości, tylko wyraża ją, właśnie dlatego, żeby odbiorca miał większą satysfakcję z oglądania i żeby miał większą swobodę w odbiorze autorskich prac. Jeśli trzeba by było określić w skrócie nurt tej sztuki, jest to nurt ekspresyjny oscylujący między abstrakcjonizmem a realizmem, ale do realizmu nie zbliżający się. Jednak artystka nie stara się zawsze płynąć z jednym nurtem. Podstawą jest dla niej być wierną sobie, ale też być w relacji z odbiorcami. Zależy jej na tym, aby wzbudzać w widzach pozytywną energię, poczucie ukojenia, wynikające z powiązania naszego życia i naszej natury z przyrodą. Wierzy w to, że obraz, który może podkreślić pewne wrażenia, wzmocnić je, jest w stanie napełnić człowieka mocą i dać energię wynikającą z naturalnej relacji z naturą. Ta harmonia jest nam teraz potrzebna jak nigdy wcześniej. Jej prace znajdują się w zbiorach prywatnych w Polsce i zagranicą.

Antonina Zofia Karczewska - ur. 1998 w Toruniu. Artystka, aktywistka, animatorka. W czerwcu 2025 roku obroniła dyplom magisterski na Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu o tytule: "Wszystko-jedno. Pielęgnowanie współzależności jako codzienna praktyka w niestabilnym świecie". Jej pola zainteresowań i badań w sztuce to: pamięć, historia kobiet, ekofeminizm, queer, tożsamość, estetyka relacyjna. W swojej praktyce wykorzystuje różne media artystyczne (ready-made, audio, fotografia, rzeźba, tekst, grafika), które dobiera w zależności od podejmowanego tematu. Brała udział w licznych, krajowych wystawach zbiorowych i kilku indywidualnych. Zdarza jej się prowadzić warsztaty artystyczne oraz kuratorować wystawy.

Górska Magdalena (@magda_americangangsta), kolażystka, ilustratorka, malarka, artystka NFT, eksperymentująca z AI. Jako jedyne narzędzie w swojej kolażowej pracy artystycznej wykorzystuje niezbędny w obecnych czasach przedmiot - telefon komórkowy. Jej prace to intelektualnie stymulujące dzieła, dzięki którym realizuje swoje artystyczne pasje. Kolaże powstają z potrzeby kwestionowania świata i wnikliwej jego oceny. Artystka ukazuje harmonię pomiędzy naturą i ludźmi, wyśmiewa schematy, podważa dotychczasowe postrzeganie rzeczywistości. Magda wystawia w Nowym Jorku, Barcelonie, Edynburgu, Paryżu i Warszawie, jest autorką plakatów do spektakli.

Huculak Łukasz w latach 1997-2002 studiował na ASP we Wrocławiu w Pracowni Malarstwa Architektonicznego W. Kaniowskiego, uczęszczał też do Pracowni Ceramiki Unikatowej K. Cybińskiej. Dyplom z wyróżnieniem otrzymał w 2002r. Uprawia malarstwo olejne, głównym tematem jego prac są martwe natury, utrzymane w ascetycznej kolorystyce. Szczególną uwagę poświęca fakturze swoich obrazów, gdzie zróżnicowanie powierzchni płótna, w kontakcie ze światłem niuansuje wybrana tonację w całą gamę subtelnych odcieni. Pracuje jako wykładowca Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu.

Skoczek-Wojnicka Mira (1959) studia na ASP w Krakowie, Wydział Grafiki. Dyplom w 1984 r. w pracowni wklęsłodruku (pod kierunkiem Prof. Andrzeja Pietscha) i litografii (pod kierunkiem Prof. Włodzimierza Kunza).W 1999 Grand Prix w konkursie „Najlepsza grafika miesiąca” – Kraków, 2000 – nagroda „Złota Rama” w konkursie „Mały obraz” – Kraków, 2001 – wyróżnienie w Premio Firenze, 2002 – II nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2003 – III nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2005 – wyróżnienie w konkursie „Muzyka w malarstwie” – Tychy 2005, 2006 – Grand Prix w konkursie “Najlepsza Grafika Miesiąca” – Kraków, 2006. Wyróżnienie w Salonie Zimowym ZPAP 2006 - Finalistka Międzynarodowego konkursu Grafiki i Rysunku – Taiwan 2007 – I nagroda w Premio Firenze – Florencja, 2007 - Nagroda „Złota Rama” w konkursie „Mały obraz” – Kraków.,2011 – Grand Prix w konkursie Graficznym im. L.Meidnera – Oleśnica, 2012 – udział w Międzynarodowym konkursie pasteli –Francja, Saint–Aulaye.,2013 – Nagroda Generalnego Konsula w Międzynarodowym konkursie pasteli – Francja– Saint Aulaye.,2014 – wyróżnienie w konkursie “Mały obraz” – Kraków. 2020- wyróżnienie w konkursie najlepsza grafika miesiąca - Kraków Swoją twórczość przedstawiała w Polsce, we Francji (Paryż, Collioure, Tours), Włoszech (Rzym, Florencja), Danii, Holandii (Haga), Hiszpanii (Segovia), Belgii (Bruksela), na Chorwacji (Zagrzeb), na Węgrzech (Szentendre) itd. Do tej pory brała udział w przeszło 100 wystawach zbiorowych w tym kilkanaście indywidualnych. Członek ZPAP, SMTG. Uprawia malarstwo, rysunek i grafikę.

Sadowska Anna - malarstwem zajmuje się amatorsko. "Ogromną przyjemność sprawia mi portretowanie ludzi w różnych, często zabawnych sytuacjach. Maluję farbami olejnymi a także akwarelami."

Rynkiewicz Marta (ur. 1983 r.). Studiowała na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku na Wydziale Malarstwa pod kierunkiem profesora Henryka Cześnika, a także grafikę projektową pod kierunkiem profesora Jerzego Krechowicza. Dyplom obroniła w 2009 roku. W latach 2007/2008 studiowała w Accademia di Belle Arti di Brera w Mediolanie. W swoim malarstwie Marta Rynkiewicz buduje charakterystyczne napięcie. Pejzaże, wnętrza, architektoniczne przestrzenie są pozbawione ludzkiej obecności. Jaskrawe kolory, światło i sceneria kurortu oddają atmosferę lata. Perspektywiczne skróty i przestrzeń zastosowana w jej obrazach pozwalają widzowi być uczestnikiem wykreowanego przez nią świata. Przedstawienia te określa harmonia, ale i pewien niepokój. Czasem jest w nich lekko zasugerowana narracja, która skłania do odkrywania zagadki.
"W snach znamy świat lepiej. Jesteśmy sami i nie wiemy nic o istnieniu. Ryzykujemy. Ulegamy pokusie-pustki. Milczymy. I może tęsknimy?".
Marta Rynkiewicz

Wrońska Maja architektka, akwarelistka i niezależna ilustratorka z Polski. Maluje akwarelowe pejzaże miejskie, ze szczególnym uwzględnieniem budynków i konstrukcji architektonicznych z miast europejskich i amerykańskich. Jej prace wystawiane były m.in. na Biennale Architektury w Wenecji, International ArtExpo, na planie kilku programów telewizyjnych, Big Screen Plaza w Nowym Jorku. Wśród jej dzieł znajdują się także oficjalne prace fanów Pixara Luca i Ratatouille, a także zestawy graficzne Bjorksta i Gronby dla IKEA.

Drabarek Mariusz urodził się w 1979 roku w Mińsku Mazowieckim. Malarz i rysownik, tworzący i pracujący we Wrocławiu. Zajmuje się głównie malarstwem, używając techniki mieszanej: olej, akryl , spray, collage. Oprócz malarstwa sztalugowego zajmuje się także tworzeniem murali, projektowaniem i aranżacją wnętrz. Od roku 2006 roku jest członkiem organizacji Bow Arts w Londynie. Uczestniczył w wielu warsztatach, wystawach i konkursach. Tworzy sztukę figuratywno-abstrakcyjna, inspirując się malarstwem sakralnym. Poszukuje odmiennych form wyrazu, co przyczynia się do powstawania nowych i niezwykle różnorodnych dzieł malarskich. Styl artysty to kompilacja kilku prądów sztuki, neoekspresjonizmu, malarstwa figuratywnego z pewnym wpływem prymitywizmu. Artysta łączy różne porządki, różne rzeczywistości z duchowością i mistycyzmem. Jego prace (murale) obejrzeć można w Pracowni Rannych Pantofli, jak również w restauracji i hotelu Księżycowa w Siedlcach. Murale i obrazy jego autorstwa mają w swoich kolekcjach kolekcjonerzy w kraju, jak i za granicą.

Małgorzata Gazda (1999) - absolwentka grafiki artystycznej na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, z którą jest związana zawodowo. Szuka swojego języka i zgłębia różne media. Ze swoimi pomysłami wychodzi w przestrzeń, eksploruje je też muzycznie. Brała udział w wystawach podczas Poznań Art Week, Biennale Error, w Teatrze Ósmego Dnia (Poznań), w galerii DOMIE (Poznań), w galerii Turnus na Wolskiej (Warszawa), w Galerii pod Atlantami (Wałbrzych). Uczestniczyła w wystawie Kiedy zmysły stają się teoretykami, hommage a Bunt w Galerii Alma Mater w Sofii w Bułgarii. Zdobyła III nagrodę na 14. Biennale Grafiki za pracę „Przyjemność porażki". Współzałożycielka kolektywu Kompost.

Katarzyna Gintowt studiowała na wydziale grafiki warszawskiej ASP. Dyplom otrzymała w 1979 r. w pracowni plakatu u prof. Macieja Urbańca, aneks w pracowni filmu animowanego u profesora Daniela Szczechury. Malarstwo studiowała w pracowni Teresy Pągowskiej. Ukończyła Studium Scenografii przy warszawskiej ASP u prof. Józefa Szajny. Brała udział w wystawach zbiorowych, miała 12 wystaw indywidualnych, w kraju i zagranicą. Zajmuje się też projektowaniem graficznym i ilustracją. Projektuje biżuterię.

Marlena Rakoczy (1976) w latach 1996-2001 studia na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu na kierunku malarstwo sztalugowe w pracowni prof. Lecha Wolskiego oraz w latach 1997- 1999 ceramika w pracowni dodatkowej prof. Hanny Brzuszkiewicz. W 2001 roku dyplom z wyróżnieniem z malarstwa u prof. L. Wolskiego. W dorobku artystycznym ma wystawy indywidualne i kilkadziesiąt zbiorowych w kraju i za granicą. Brała udział w polskich i międzynarodowych projektach artystycznych. Jej prace są własnością min. Uniwersytetu Getynga, Muzeum Srema w Serbii oraz znajdują się w licznych zbiorach prywatnych w Polsce i za granicą, min. w Niemczech, Francji, Holandii, Wielkiej Brytanii, Norwegii, Australii, Kanadzie i USA. Jest członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków od 2002r.

Dorota Piechocińska - ilustratorka i projektantka, która łączy techniki analogowe z cyfrowymi, a obraz z metaforami i nutą humoru. Tworzy identyfikacje wizualne miejsc i wydarzeń, murale, ilustracje, okładki, akcesoria. W pracy napędzają ją nowe wyzwania i podróże. Współpracowała m.in. Volkswagenem Poznań, Miastem Poznań, Davines Polska, Geberit Polska, Budimexem, Wysokimi Obcasami Ekstra, Wydawnictwem i Miesięcznikiem ZNAK. Prywatnie miłośniczka roślin, wulkanów, roweru i sera.

Inco i Gnito narodził się pomiędzy 2012/2013 r, a kluczową rolę w jego powstaniu miał film dokumentalny “Wyjście przez Sklep z Pamiątkami”. Znakiem rozpoznawczym Inko i Gnito jest dwukolorowy kot pojawiający się na murach i rogach różnych budynków. Na ogół jest malowany lub mozaikowy, czasami przybiera postać różnych bohaterów z historii czy świata kultury i sztuki. Kot to buntownik i podróżnik, można go spotkać od Zakopanego po Jastrzębią Górę, od Dominikany, po Paryż, Amsterdam, Berlin i jego rodzinne miasto Płock.

Kejter61
------------------------------------------------------
-----------------------------------------
------------------------------------------------------------
-----------------

Kamyk - poznańska trash queen. Współzałożycielka kolektywu Wild Voice Crew. Jej prace można było oglądać na poznańskim festiwalu Street Art Review, Steezy Jam w Śremie, na wystawie w Kawalerka Cafe we Wrocławiu. Wspiera aukcje charytatywne, głównie na rzecz zwierząt.

Nababrane MH – artysta z fyrtla, którego serce bije w rytmie ulic Poznania. Tworzy w technice mieszanej, balansując pomiędzy babraniem a hasaniem. Jego sztuka to ciągłe eksperymenty, a każda nowa seria to osobny rozdział, połączony jednym stałym motywem: Jeleniem Wyboru. Nababrane stara się być pretekstem do uważniejszego patrzenia na codzienność i odkrywania zakamarków miasta. Jego akcje zachęcają do zatrzymania się, spojrzenia w bok, a czasem w górę. Człowiek z gzikiem w sercu, głową pełną szajbniętych pomysłów i wiecznie hasający".

Marcin Kędzierski (1969) studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, na Wydziale Grafiki. Dyplom uzyskał w Pracowni Plakatu w roku 1998.W latach 1997-1998 tworzył gościnnie na Wydziale Malarstwa, w pracowni prof. Leona Tarasewicza. Otrzymał wyróżnienie za obraz pt: Oczekiwanie-czerwone na 36 Ogólnopolskim Konkursie Malarstwa Bielska Jesień 2003. W 2008 r. otrzymał wyróżnienie za obraz Pod Blokiem w konkursie Obraz Przestrzeni Publicznej w Poznaniu. Jest laureatem Ogólnopolskiego Konkursu Malarskiego – Warszawski Pejzaż 2014 w kategorii Osobliwości Warszawy za obraz Brzeska 12. W tym samym konkursie zajął również 3 miejsce w kategorii Historia Warszawy za obraz „Pożegnanie Pary Prezydenckiej”. Brał udział w wystawach z cyklu Supermarket Sztuki w latach 2001, 2002. Ważniejsze wystawy: Figuranci-CSW Poznań 2002, Obrazy Miasta – UW 2003, Miejsce Zamieszkania-Galeria Bałtycka w Ustce 2005. Wystawy zagraniczne w Austrii i na Węgrzech. Jego obraz pt. „Godzina W" został w 2023 r. zakupiony do kolekcji Muzeum Warszawy. Interesuje się miastem i jego mieszkańcami. Banalne sceny warszawskie t.j autobusowy przystanek, ulica, metro, blokowiska zostają przekształcone w ramę nadającą egzystencjalnego charakteru prostym bohaterom jego obrazów. Swój debiut artystyczny zanotował dokładnie na przełomie wieku w latach 1998-2001. Mimo to rezygnuje z publicystycznego charakteru swojej twórczości typowego dla jego rówieśników i maluje stop-klatki zwykłych miejskich obserwacji. W swoim malarstwie nawiązuje m.in. do twórczości Andrzeja Wróblewskiego, Jarosława Modzelewskiego, Edwarda Hoppera. W roku 2004 założył Grupę Miejską zajmującą się artystycznym komentowaniem życia w mieście. Od 2014 r. rozszerza spektrum zainteresowań, pod wpływem pielgrzymki po franciszkańskich sanktuariach i odkrywa piękno natury oraz pierwotną duchowość świata na peryferiach współczesnej cywilizacji. To doświadczenie demaskuje w jego obserwacjach pustkę współczesnego materializmu i otwiera go na niezmierzoną przestrzeń świata chrześcijańskiego będącego podstawą kultury i cywilizacji. Tworzy grupę artystyczną, Bractwo św. Franciszka, w ramach której poszukuje duchowych przekazów we własnych doświadczeniach, obserwacji świata i natury. Wraz z zaproszonymi twórcami, malarzami, ludźmi pióra prowadzi na blogu bractwa swoisty mistyczny reportaż ze współczesności, w którym na wzór średniowieczny obraz i słowo przenikają się wzajemnie w majestacie Boga. W Nim szuka inspiracji.

Absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, dyplom z Architektury Wnętrz w 2012 roku. Dwukrotny laureat Stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne osiągnięcia artystyczne.
Na polu urban art wykreował indywidualną stylistykę będącą sumą doświadczeń wyniesionych z akademickiej edukacji artystycznej oraz równoległego zainteresowania i uprawiania graffiti. "Architektoniczne" pielęgnowanie przestrzeni, materii czy faktury jest w jego twórczości równie ważne jak szukanie optymalnego kształtu form - tak jak w graffiti przez lata najważniejszą kwestią było umiejętne operowanie kształtem liter w tworzonych kompozycjach.

Liczne realizacje w przestrzeni tworzone zarówno w ramach festiwali urban art w kraju i za granicą, jak i oddolnie na ulicach czy szczególnie preferowanych pustostanach z czasem zostały w szerszym stopniu zastąpione działaniami studyjnymi. Obecnymi polami eksploracji artysty są zatem zarówno malarstwo muralowe jak i studyjne, ale i działania obejmujące obiekty przestrzenne.
Skupienie na klasycznym malarstwie sztalugowym, w którym kontynuowane są estetyczne poszukiwania zapoczątkowane na ścianach zaowocowało wystawami indywidualnymi i zbiorowymi. Na wyróżnienie zasługują tu indywidualne ekspozycje "Obiekty Nieistniejące" (Leonarda Art Gallery, Warszawa 2025), "Transformacja" (2024) w Muzeum Częstochowskim, “Ex” (Monocity Gallery, Kraków 2023) oraz solowy projekt w ramach “Meeting of Styles” (Tytonie.Art, Lublin 2024) - osadzony w industrialnych, surowych przestrzeniach, w których prace Exera szczególnie trafnie korespondowały z otoczeniem.

Odstaf - artysta związany ze sztuką ulicy. Współzałożyciel kolektywu Wild Voice Crew. Jego prace można było oglądać podczas poznańskiego festiwalu Street Art Review, warszawskiego niezależnego festiwalu Paste up Warsaw, Steezy Jam w Śremie, w Kawalerka Cafe we Wrocławiu.

Emilia Karczewska / CIOCIA EM - artystka związana z poznańską sceną street artową. Współorganizuje Festiwal Graffiti ZSBD Poznań.

WIUR aka WIUROBOT - artysta wizualny / malarz graffiti – związany z gdańską sceną od połowy lat 90. W jego twórczości obecny jest industrialny klimat miasta przeplatany z motywami orientalnymi i alternatywną wizją historii. Działa na wielu polach od graffiti poprzez murale, sitodruk, obiekty do rzeźb ceramicznych.

Nababrane MH – artysta z fyrtla, którego serce bije w rytmie ulic Poznania. Tworzy w technice mieszanej, balansując pomiędzy babraniem a hasaniem. Jego sztuka to ciągłe eksperymenty, a każda nowa seria to osobny rozdział, połączony jednym stałym motywem: Jeleniem Wyboru. Nababrane stara się być pretekstem do uważniejszego patrzenia na codzienność i odkrywania zakamarków miasta. Jego akcje zachęcają do zatrzymania się, spojrzenia w bok, a czasem w górę. Człowiek z gzikiem w sercu, głową pełną szajbniętych pomysłów i wiecznie hasający".

ΞSΚΛΞЯ to artysta obecnie tworzący w Poznaniu, skupiający się na przeróżnych formach street artu. Biorący udział w licznych wystawach zbiorowych, oraz trzech solowych. Związany ze sceną street artu od 10 lat. Słynący ze swoich naklejek, plakatów, murali, ilustracji, które zdobią nie tylko Poznań ale różne miasta na całym świecie. Tworzy swoje prace w przeróżnych technikach i formach, próbując coraz to nowszych rozwiązań. Zainteresowany zarówno rysunkiem, malarstwem jak i sitodrukiem. Za pomocą satyrycznych, symbolicznych obrazów stara się zwrócić uwagę widza na problemy jakie niesie ze sobą nasz nowoczesny świat. Prezentuje nam skrajny, surrealistyczny obraz rzeczywistości , w którym człowiek zatraca się w technologii. Eskaer tworzy swoje prace na ulicach, pozwala mu to nie tylko kreować otaczającą nas przestrzeń ale też przekazywać ludziom istotne wartości aby doceniać prawdziwy, realny świat, podnieść wzrok znad monitora.

LUX PRZEZ IKS - Absolwent Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie (wydział Grafiki Warsztatowej oraz Grafiki Cyfrowej - dyplom z wyróżnieniem) i Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi (dyplom z wyróżnieniem na wydziale Projektowania Ubioru). Wyróżnienie w kategorii Projekty Studenckie podczas Polish Graphic Design Awards w 2019 roku. Laureat konkursów organizowanych przez Hennessy oraz K-MAG. Jego prace pojawiły się m.in w Muzeum Sztuki Nowoczesnej podczas wystawy „Miasto w Budowie” (Warszawa 2022), Muzeum Banksy'ego w Barcelonie (2023), przestrzeniach Opery i Filharmonii Podlaskiej (2020). Uczestnik wystaw zbiorowych m.in “KissPrints” (2019) , “Głosem Podziemia” (2022) oraz wszystkich edycji ‘’Urban Art Area’’ (2020-2025). Malował na ulicach Niemiec, Hiszpanii, Holandii, Austrii, Czech, Czarnogóry oraz Polski. Został wyróżniony na łamach magazynu “Art Vibe” i szwedzkiego wydawnictwa „Abstract Graffiti Magazine”. Jest autorem licznych ilustracji m.in dla magazynu Wizje oraz okładek wydawnictw muzycznych (Gospel, Uniqat) Doświadczenia akademickie łączy z inspiracjami zaczerpniętymi z kultury hip hop, w której wyrastało jego pokolenie. Jego styl to próba przeniesienia dziedzictwa malarstwa antycznego i tradycyjnego na grunt street art’owy i zderzenie go z surową stylistyką tagów czy „chromów”. Kontrast ten dodatkowo potęguje charakterystyczna dla jego twórczości geometryzacja form.

Rojber – twórca Street Artu, który od 2018 roku pojawia się na murach polskich i zagranicznych miast. Świnia stała się jego znakiem rozpoznawczym oraz nośnikiem pozytywnej energii w miejskim pejzażu. Od lat fascynuje go antropologia oraz historia śladów pozostawianych przez człowieka – od rysunków naskalnych po współczesne graffiti. Z czasem jego znak rozpoznawczy zaczął ewoluować — świnia nie jest już jedynym bohaterem obecnym w jego twórczości. Artysta rozwija własny alfabet postaci, poszerzając wachlarz charakterów i emocji, które przenosi na miejskie mury. Tworzy głównie za pomocą farb, markerów i wlepek, realizując także formy przestrzenne oraz asamblaże – traktując przestrzeń miejską jako pole do gry, eksperymentu i pozostawienia śladu.

GU-TANG CLAN - przedstawiciel rodziny psowatych, który zbiegł z łódzkiego schroniska. W 2016 roku wpadł na pomysł umieszczania swoich podobizn w miejscach publicznych. Aktywny przede wszystkim w nocy. Przy użyciu szablonów, plakatów i farb w sprayu znaczy teren wszędzie tam, gdzie się pojawi. Jak do tej pory nieuchwytny.

Igor Chołda / Aqualoopa - urodzony w 1978 roku w Warszawie. Ilustrator, designer i malarz. Absolwent Wydziału Filozofii Uniwersytetu Warszawskiego, Państwowej Wyższej Szkoły Filmowej i Telewizyjnej w Łodzi oraz Instytutu Psychologii Procesu. Znany jako autor murali. Należy do grupy artystów Polskiej Grafiki Cyfrowej. Tworzy i współtworzy teledyski i krótkie animacje. Jest także czynnym muzykiem, założycielem grupy Warsaw Afrobeat Orchestra. Założył własną markę projektową. Koncentruje się na ilustracji korporacyjnej, projektowaniu ścian, nadrukach ubrań. Inspiracje Aqualoopy pochodzą z różnych źródeł, takich jak: animacje rysunkowe, sztuka miejska i sztuka Pablo Picasso. Opracował swój unikalny styl oparty na zakrzywionych liniach i żywych kolorach. Autor wystawy indywidualnej malarstwa „Infection” w galerii 3678 U Artystów (Warszawa 2011), wystawy indywidualnej „Testosterror” w galerii Pragaleria (Warszawa 2015), „Między nami” w galerii „Na Lato” (Warszawa 2016). Laureat pierwszej nagrody w konkursie na mural Levi’s „Go Forth” (2011), pierwszej nagrody w konkursie na mural poświęcony Marii Curie Skłodowskiej, zrealizowany na dziedzińcu metro Centrum w Warszawie (2011). Artysta festiwalu Street Art Doping (2011, 2012), Forty Forty Street Art Festiwal (2012), Traffic Design (2012). Ma na swoim koncie również mural w biurze polskiej siedziby Facebooka. Uczestnik ogólnopolskiej trasy „Street Art przeciw GMO” organizowanym przez „3 Falę” (2012). Prezentował swoje prace m.in. w ramach wystawy „KRZY.WE 2. Polska ilustracja Wektorowa” (Warszawa, Pragaleria, 2015), Rondo Wolnego Tybetu (Warszawa, 2012), „Graffiti vs. Street Art” (Lublin, Zachęta, 2011). Autor muralu na warszawskiej Woli na skrzyżowaniu ul. Żelaznej i Solidarności oraz na Pradze Północ na skrzyżowaniu ul Targowej i Ząbkowskiej.

Dumin (1987) magister Sztuki, absolwent Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu. Twórcą unikającym jednoznacznej klasyfikacji. Balansując pomiędzy designem i sztuką realizuje jednocześnie projekty z zakresu street-art’u, malarstwa, wzornictwa, architektury, grafiki oraz digital art’u. W swoich pracach łączy media i sposoby wyrazu własnej wizji twórczej. Zainteresowanie ciałem jako obiekt energetyczny i jego relacja z otoczeniem to jeden z głównych wątków jego zróżnicowanej twórczości. Wiele jego dzieł skupia się na przedstawieniu dynamicznych kompozycji będących interpretacją i usiłowaniem przedstawienia materii, energii i ruchu. Pozornie statyczne medium, którym jest obraz staje się nośnikiem siły i idei poprzez użycie koloru i kompozycji powodujących odczucia przenikania się światów i wymiarów.

TYBEX - związany ze sztuką street art’u od końca lat 90-tych, działa głównie na terenie warszawskiego Ursynowa. Zetknął się tam z początkami polskiego graffiti, energią która go inspiruje do dziś. W 2010 uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych na Wydziale Malarstwa Europejskiej Akademii Sztuk gdzie zdobył podstawy akademickiego warsztatu pod okiem cenionych polskich twórców w tym m.in. Franciszka Starowieyskiego. W pracach w przestrzeni publicznej ważną rolę odgrywa dla niego kontekst przestrzenny. Jego warsztat opiera się na twórczości figuratywnej zaś głównym przedmiotem zainteresowania jest fizjonomia i zachowanie człowieka. Autor wystaw indywidualnych m.in w V9 i Kwiaciarni Grafiki. W Domu Kultury Włochy jego prace były wystawione wraz z twórczością Fransa Masereel’a. Współtworzył komiks Pieces 2, zdobywcę nagrody Guiness’a wraz z 170 innymi artystami. Brał udział w wielu wystawach zbiorowych w kraju i za granicą.

Emilia Karczewska / CIOCIA EM - artystka związana z poznańską sceną street artową. Współorganizuje Festiwal Graffiti ZSBD Poznań.

Marta Czajkowska jest artystką wizualną oraz performerką, absolwentką Wydziału Sztuki Mediów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Członkini grupy performerskiej Body Teller, z którymi wystąpiła m.in. w Body Teller Performance. Jej zainteresowanie tańcem przekłada się na skupienie na ciele w jej praktyce artystycznej. Artystka tak mówi o serii RGB: Punkty krytyczne podstawowe: Fotografie, które wykonałam doświadczając trudnego stanu depresyjnego. Fotografowanie swojego ciała było dla mnie praktyk autoterapii. Upatrywałam w nim sposób swoistego monitorowania siebie i prowadzenia dziennika tego, w jakich stanach się znajduję. Fotografowanie nagiego lub półnagiego ciała nie ma w zamyśle konotacji erotycznych, lecz jest powodowane chęcią uchwycenia bezbronnego ciała takim, jakie ono jest i obnażenia się w sensie metaforycznym. Formuła autoportretu stała się dla mnie narzędziem do tego, by spojrzeć na samą siebie z czułością i obdarzyć troską miejsca, które jej potrzebują. Stąd potrzeba fotografowania blizn, żył, zaczerwienień czy szlaków wytyczonych na skórze przez bieliznę rejestrujących niejako momenty opresji. Kolorystyczną osią cyklu stały się barwy, do których możemy zredukować każdą cyfrową fotografię: Red-Green-Blue. Ta paleta kolorów jest wizualną reprezentacją potrzeby rozmontowania zawiłego stanu rozpaczy, chęci rozłożenia go na czynniki pierwsze po to, by odzyskać kontrolę, po to by namierzyć główne źródła bólu i spróbować je uleczyć.

Drzycimski Łukasz (1982) absolwent filologii angielskiej UAM oraz projektowania graficznego UAP. Art Director, ilustrator, projektant graficzny, tatuator związany z Poznaniem. Współtwórca kolektywu ilustratorskiego ILU NAS JEST. facebook: lukasz.drzycimski instagram: lukasz_drzycimski.

Berenika Pyza (ur. 1993) – tworzy przestrzenne obiekty miękkie dla ciała i otoczenia. Zajmuje się sztuką performansu. Projektuje i szyje kostiumy oraz odzież, wykonuje rekwizyty. Interesują ją relacje międzyludzkie i wynikające z nich zależności, a także okoliczności, w których dochodzi do zmiany obowiązującego układu sił. Codziennie stara się czujnie obserwować zjawiska zwykłe – analizuje rzeczy drobne, o niewielkim znaczeniu i czasami udaje się jej znaleźć w nich świadectwa naszego uczestnictwa w odwiecznych cyrkulacjach. Wykształcenie zdobywała na Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu: w 2015 roku ukończyła studia licencjackie w zakresie scenografii/projektowania ubioru, dyplom magisterski na Wydziale Rzeźby uzyskała w 2017 roku, a w 2023 roku obroniła pracę doktorską na Międzywydziałowych Środowiskowych Studiach Doktoranckich. Od 2017 roku współtworzy performatywną Grupę Zapora.

Kamil Jaczyński (Jakuza) (1981) - artysta plastyk, zawodowo związany z branżą muzyczną. Mieszka i tworzy na warszawskiej Pradze. Wykładowca oraz specjalista do spraw public relations i marketingu muzycznego. Członek Akademii Fonograficznej, Związku Polskich Artystów Plastyków „Polska Sztuka Użytkowa” i Związku Producentów Audio Video. Jego twórczość plastyczna to szeroko rozumiany neo-ekspresjonizm tworzony przy użyciu technik mieszanych. Najczęściej z wykorzystaniem farb i tuszy akrylowych, choć pojawia się również farba w sprayu, markery oraz collage. Tematyka prac to przeważnie studium człowieka poddanego różnym charakterystycznym deformacjom. To kolorowy kalejdoskop emocji i charakterów będący wynikiem codziennych obserwacji przeniesionych na papier i płótno. W swoich obrazach często komentuje aktualne wydarzenia i jednocześnie nawiązuje do filmów i książek z gatunku fantastyki naukowej, szczególnie tych o dystopijnym charakterze…

REZT - absolwent Wydziału Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi. Dyplom zrealizował w Pracowni Sitodruku prowadzonej przez prof. Agatę Stępień. Zajmuje się malarstwem olejnym i akrylowym w nurcie realizmu magicznego oraz szeroko rozumianą sztuką ulicy.

Joanna Bojar-Antoniuk urodziła się w 1967 roku w Warszawie. W 1992 uzyskała dyplom na Wydziale Wzornictwa Przemysłowego warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Od tamtej pory zajmowała się projektowaniem grafiki użytkowej, współpracując m.in. przy kontynuowaniu identyfikacji wizualnej Centrali Produktów Naftowych CPN czy tworzeniu katalogu Zasad Informacji Wizulanej dla pierwszej linii warszawskiego metra. Równolegle tworzyła serie cyfrowych kolaży, okładki płyt, ilustracje do książek, obrazy z kotami z autorskiego cyklu „Art DeKot", a także pisała wiersze (tomiki: „Cztery pory liryczne", WFW 2012, „Ku przebudzeniu", Mamiko 2022). W 2019 rozpoczęła eksperymenty malarskie inspirowane zasadą działania kalejdoskopu w cyklu Color Fan, tworząc m.in. serie „Politrony", „Magnationy", „Tetraptyki", „Firmamentum". Od 2023 powróciła do cyklu „Art DeKot", malując serie: „Piksoty", czyli kocie portrety w ujęciu pikselowym, i „Kottony", zainspirowane tonami barwnymi i muzycznymi.

Wystawy indywidualne: „Moje Anioły" (2006, Galeria Bombonierka, Łomianki), „Moja droga od fotografii do ilustracji" (2010, DK Pompa, Pomiechówek), „Kolorowy Wiatrak" (2021, Cosma Gallery, Sopot), „Color Fan" (2022, Galeria SDK Przy Kozach, Warszawa), „Świat w odbiciu wiruje" (2023, Teatr Kamienica, Warszawa); zbiorowe: „Rok Tygrysa" (2022, Cosma Gallery, Sopot).

Dąbrowski Paweł w 2002 r. ukończył Katedrę Sztuki na Politechnice w Radomiu. Zajmuje się malarstwem olejnym i akwarelowym. Drugą wielką pasją artysty jest praca w szkole z młodymi ludźmi. Wspiera aukcje charytatywne, od 2007 roku uczestniczy w aukcjach fundacji Psychoonkologii i Promocji Zdrowia „Ogród nadziei" również swoimi obrazami wspiera fundację SYNAPSIS. Autor wystaw indywidualnych w Ambasadzie USA w Warszawie (2006, 2007). Uczestnik ekspozycji: Studium Plastyczne Collage, Warszawa (1998); Politechnika Radomska (2003); Netgaleria (2004); Malarstwo młodych, Galeria Gama-due, Warszawa (2005); Motto cafe, Warszawa (2006).Galeria "Uległa" wystawa indywidualna, Warszawa (2016). „Każdy obraz powinien bawić, inspirować, cieszyć oko, malować trzeba „ładnie" w każdym obrazie powinna kryć się dusza, powinien świecić wewnętrzną aurą. Bardzo ważnym elementem każdego mojego obrazu jest kolor, czasem cichy, subtelny, delikatny a czasem głośny, krzyczący, zabierający barwę wszystkim przedmiotom wkoło". (2014 Paweł Dąbrowski) “Dziś właściwie jest tak samo, staram się by moje obrazy, pulsowały kolorem i przyciągały oko wypchnięte z szarej rzeczywistości”.

Anna Sadowska - malarstwem zajmuje się amatorsko. "Ogromną przyjemność sprawia mi portretowanie ludzi w różnych, często zabawnych sytuacjach. Maluję farbami olejnymi a także akwarelami."

Dawid Płaczek jako artysta jest postacią bardzo wielowymiarową. Jego twórczość oscylująca wokół takich zagadnień jak szeroko pojmowana duchowość czy refleksja nad miejscem człowieka we wszechświecie łączy w sobie metafizykę z haptycznym doświadczeniem żywej materii. Jego prace zyskują niezwykłą wartość dzięki stosowanym przez niego mediom - artysta operuje bowiem bardzo szerokim wachlarzem technik - począwszy od malarstwa, przez fotografię, grafikę warsztatową, kończąc na rzeźbie, czasami zahaczając nawet o instalacje czy performance. Ponadto, widoczne są u niego wpływy twórców wprost wywodzących się z takich nurtów artystycznych jak secesja czy Art-déco, przetworzone przez pryzmat współczesnego pojmowania dzieła sztuki, gdzie surowość formy i namacalność gestu jest bardzo widoczna. Organizuje targi „Sztuka Pomocy” wspierające fundacje charytatywne.

Wawrzyniak Aleksandra - artystka wizualna. Absolwentka filozofii (2019) i grafiki artystycznej (2024), współzałożycielka kolektywu Kompost. Zajmuje się scenografią teatralną oraz działa w zakresie sztuk wizualnych.

Bachewicz Karol jest studentem grafiki artystycznej na Uniwersytecie im. M. Abakanowicz w Poznaniu. Eksperymentuje z różnymi technikami graficznymi, ale w swojej twórczości nie ogranicza się tylko do dwuwymiarowej przestrzeni. Wykracza poza nią, tworząc projekty na ubrania, książki artystyczne, czy biżuterię. Zajmuje się zagadnieniami męskości, kondycji ludzkiego ciała skorelowanej z rolami społecznymi, psychiką, rodzinnym współbyciem. Współzałożyciel kolektywu ekk.

Dawid Płaczek jako artysta jest postacią bardzo wielowymiarową. Jego twórczość oscylująca wokół takich zagadnień jak szeroko pojmowana duchowość czy refleksja nad miejscem człowieka we wszechświecie łączy w sobie metafizykę z haptycznym doświadczeniem żywej materii. Jego prace zyskują niezwykłą wartość dzięki stosowanym przez niego mediom - artysta operuje bowiem bardzo szerokim wachlarzem technik - począwszy od malarstwa, przez fotografię, grafikę warsztatową, kończąc na rzeźbie, czasami zahaczając nawet o instalacje czy performance. Ponadto, widoczne są u niego wpływy twórców wprost wywodzących się z takich nurtów artystycznych jak secesja czy Art-déco, przetworzone przez pryzmat współczesnego pojmowania dzieła sztuki, gdzie surowość formy i namacalność gestu jest bardzo widoczna. Organizuje targi „Sztuka Pomocy” wspierające fundacje charytatywne.

Szymon Stala (1991) w roku 2010 ukończył z wyróżnieniem Zespół Szkół Plastycznych im. Jacka Malczewskiego w Częstochowie na kierunku ceramika. Od 2015 roku jest absolwentem Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie Wydziału Rzeźby. Dyplom w pracowni prof. Bogusza Salwińskiego. Laureat wielu nagród i stypendiów min: Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego, Rektora ASP w Krakowie, Rektora ASP w Gdańsku. W 2016/17 roku rezydent WL 4, Art Space, Gdańsk. Uczestnik plenerów zagranicznych i ogólnopolskich: min. Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, Pole Sztuk w Rodowie. Uczestnik wielu wystaw krajowych i zagranicznych. Prace w zbiorach m.in. Muzeum ASP w Krakowie, Fundacji New Era Art w Krakowie, Miejskiej Galerii Sztuki w Częstochowie. Zajmuje się rzeźbą, medalierstwem, rysunkiem i malarstwem.

Zbigniew Pospieszyński - w 1978 obronił dyplom na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, zajmował się głównie malarstwem i grafiką warsztatową, a także edukacją młodego pokolenia. W latach 80. wyemigrował do Kanady, gdzie prężnie działał wśród Polonii. Po przeprowadzce tworzył prace głównie rysunkowe - ołówkiem, były nazywane "małymi arcydziełami". Stała za nimi głęboka filozoficzna i moralna myśl, a to, co ma się do powiedzenia, było istotniejsze, niż technika.